Reportajes

CAMINO AL OSCAR. FOR YOUR CONSIDERATION

PRECIOUS

Quedan unas tres semanas para que comience de manera oficial la carrera hacia el Oscar. El pistoletazo de salida lo darán los premios otorgados por la National Board of Review que se harán públicos el próximo 3 de diciembre. Veremos si tenemos una temporada de premios animada, sobre todo por el hecho de que van a ser diez tí­tulos los que opten al Oscar a la mejor pelí­cula, y no lo que sucedió el pasado año en el que Slumdog Millionaire de Danny Boyle se convirtió prácticamente en la única protagonista.

Iniciamos en Las Horas Perdidas una serie dedicada a aquéllos tí­tulos que pueden ser claves en la carrera hacia el Oscar. Comenzamos por Precious de Lee Daniels que poco a poco se ha ido convirtiendo en uno de los fenómenos cinematográficos del año, siguiendo los pasos de Slumdog Millionaire de Danny Boyle.

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Precious es la segunda pelí­cula de Lee Daniels, antiguo director de casting y productor de tí­tulos como Monster’s Ball. Es la adaptación cinematográfica de la novela Push de Saphire, publicada en el año 1996. La protagonista es Claireece “Precious” Jones, una adolescente de 16 años de Harlem, afroamericana, analfabeta y obesa, que está esperando su segundo hijo, fruto de reiteradas violaciones a las que le somete su padre drogadicto, y que es maltratada fí­sica y mentalmente por su madre. La joven acudirá a un centro especial que le ayudará a obtener una vida mejor.

La sorpresa del año

Este film está protagonizado por la debutante Gabourey Sidibe a la que acompañan Mo’Nique, Paula Patton, Mariah Carey, Lenny Kravitz y Sherri Shepherd. Se presentó en el pasado Festival de Sundance. La reacción por parte de crí­tica y público fue extraordinaria, y durante el certamen consiguió la distribución por parte de Lionsgate. El film fue el gran triunfador de Sundance ya que se alzó con los premios a la mejor pelí­cula, el premio del público y el especial del jurado para Mo’Nique. Tras su triunfal paso por este certamen Lee Daniels consiguió el apoyo de Oprah Winfrey y Tyler Perry que se comprometí­an a apoyar la promoción de este film, a cambio ellos asumirí­an los roles de productores ejecutivos.

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Después de Sundance llegaron los Festivales de Cannes, Toronto, San Sebastián, Nueva York, Chicago, Tokio, Londres y el organizado por el Instituto de Cine Americano, entre otros. La respuesta en todos ellos ha sido entusiasta, en Cannes se exhibió en la sección Una Cierta Mirada y recibió una standing ovation por parte de crí­tica y público, lo mismo sucedió en San Sebastián, uno de nuestros lectores que tuvo la oportunidad de asistir a su presentación nos contó que le dolí­an las manos de tanto aplaudir, de este festival se llevó el premio del público y el de Otra mirada concedido por TVE, y en Toronto se alzó con el Premio del público, el más importante de este certamen canadiense.

Pero Precious también se ha visto envuelto en varias polémicas. La primera tiene como protagonistas a Lionsgate y The Weinstein Co que se disputaron judicialmente los derechos de distribución del film. The Weinstein Co alegaba que habí­a llegado con anterioridad a un acuerdo con la productora Smokewood Entertainment para la distribución de la cinta, pero la compañí­a de los hermanos Weinstein perdió la batalla judicial ya que quedó demostrado que no se llegó a firmar dicho acuerdo. Y la segunda afecta a Mo’Nique, que desde que Precious se presentara en el pasado Festival de Sundance se convirtió en la virtual favorita al Oscar a la mejor actriz de reparto. A raí­z de la presentación del film en el Festival de Toronto un rumor se extendió como la pólvora, al parece la actriz se negaba a promocionar la pelí­cula de manera gratuita, alegando que los premios no le daban de comer, exigí­a a Lionsgate la suma de 100.000 dólares y que la compañí­a le facilitara un billete de primera clase y que asumiera los gastos de vestuario, maquillaje y peluquerí­a. La actriz tan solo ha apoyado la presentación del film en Sundance y más recientemente en el Festival organizado por el Instituto de Cine Americano. La posible actitud de Mo’Nique no ha afectado a su promoción para la categorí­a de mejor actriz de reparto y sigue siendo la gran favorita al premio.

La gran revelación de este film es su protagonista, Gaboury Sidibe, una joven de 26 años criada en Harlem que acababa de finalizar sus estudios de Psicologí­a y que trabajaba en el servicio de atención al cliente de una compañí­a telefónica. Un buen dí­a decidió probar suerte en un casting para una pelí­cula con tan buena suerte que el director Lee Daniels se quedó fascinado con su prueba y decidió que ella era de lejos la mejor de las 400 aspirantes al papel de Precious. Por su interpretación ha cosechado excelentes crí­ticas, muchos consideran que podrí­a ser una buena candidata al Oscar a la mejor actriz, una idea que hace reí­r mucho a Gaboury Sidibe. Después de Precious ha rodado Yelling to the Sky de Victoria Mahoney, y podrí­a estar en The C Word, un proyecto para la televisión que está preparando Bill Condon.

Precious llega avalada por los festivales de Sundance, Toronto y San Sebastián, de los tres se ha llevado el premio del público. Sorprendentemente se quedó fuera de los Premios Gotham, concedidos por los cineastas independientes de la Costa Este de los Estados Unidos, unos galardones que no tienen trascendencia en la carrera hacia el Oscar, pero cuyos ganadores en las últimas ediciones ha encontrado su hueco en las nominaciones. Su ausencia en los Gotham hizo pensar que probablemente exista sobredosis de Precious, especialmente por la extenuante promoción que están haciendo Oprah Winfrey y Tyler Perry.

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La pelí­cula se estrenó la pasada semana en 18 salas, y su recaudación ha batido records, ya que en su primer fin de semana acumuló más de 1,8 millones de euros, 104.000 dólares por sala. En cuanto a las crí­ticas tiene un 9.0 en Rotten Tomatoes y un 7.8 en Metacritic.

Opciones en los Oscar

Precious se está convirtiendo en el fenómeno cinematográfico del año. Es ahora mismo una de las cintas que mayores titulares está protagonizando y esto puede tener su efecto en los Oscars, tal y como sucedió el pasado año con Slumdog Millionaire de Danny Boyle. Podrí­a encontrar su hueco en las nominaciones en los apartados de pelí­cula, dirección, guión adaptado, actriz protagonista (Gaboury Sidibe), actriz de reparto (Mo’Nique) y canción.

En cuanto a este último apartado, Mary J. Blige, una de las divas actuales del R&B, se quedó tan impactada cuando vio la pelí­cula por primera vez que quiso contribuir de alguna manera con la cinta componiendo el tema I Can See in Color, al que se le ha dado especial importancia en la cinta para que pueda optar sin problemas al Oscar a la mejor canción. No suena nada mal.

Ya iremos contando cómo le van las cosas a Precious de Lee Daniels.

UP IN THE AIR

Tras conocer un poco más a Precious, una de las grandes protagonistas en la carrera hacia los próximo Oscars. Toca hablar de uno de los tí­tulos que han ido ganando fuerza en estos últimos meses, Up in the Air de Jason Reitman, que se ha convertido en una de las principales apuestas de la Paramount.

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Up in the Air es la tercera pelí­cula de Jason Reitman, candidato al Oscar por la realización de Juno, se basa en la novela homónima escrita por Walter Kirn y publicada en el año 2001. Su protagonista es Ryan Bingham, un hombre que está al frente del departamento de recursos humanos de una empresa, y que tiene que viajar a las diferentes sucursales que la empresa tiene por todo el paí­s para despedir una serie de empleados. Él disfruta llevando una vida solitaria, yendo de un lado a otro y sin entablar ningún tipo de relaciones con los demás. Un buen dí­a su empresa decidirá destinarle a una de las oficinas que tiene en Nebraska y su vida, tal y como la habí­a concebido, dará un giro radical.

La confirmación de Jason Reitman

Jason Reitman, hijo del realizador Ivan Reitman, se dio a conocer en el 2005 con su primera pelí­cula Gracias por Fumar, un film que funcionó bastante bien entre la crí­tica y el público. Pero el bombazo lo dio con su siguiente film, Juno, que fue uno de los grandes éxitos del 2007. La cinta le proporcionó su hasta ahora única candidatura al Oscar al mejor director y la autora del guión, Diablo Cody, se llevó la estatuilla al mejor guión original.

Jason Reitman se enamoró de la novela Up in the Air escrita por Walter Kirn en el año 2002, y por su cuenta comenzó a adaptar la historia ese mismo año con la intención de dirigir el proyecto en el futuro, aún no habí­a debutado como realizador. Reitman confiesa que cuando comenzó a escribir el guión lo hizo con el cinismo de un joven de veinte años pero que su vida fue evolucionando a lo largo de estos años, se convirtió en un director de cine profesional, compró una casa, se casó y se convirtió en padre, a su vez se fue depurando como guionista, él vio que habí­a recorrido el mismo camino que Ryan Bingham. La autorí­a del guión de Up in the Air es un tema espinoso porque casi al mismo tiempo el guionista Sheldon Turner (La Matanza de Texas: El Origen), estaba adaptando la novela con el objetivo de venderle el proyecto a Dreamworks, que finalmente no llegó a salir. Jason Reitman aprovechó buena parte del material, y Sheldon Turner, puso este asunto en manos del Sindicato de Guionistas. El gremio le dio la razón a Turner y Reitman se vio obligado a incluirle como coautor del guión. Por otro lado, Walter Kirn al principio fue reacio con la adaptación de Up in the Air, pero cambió de parecer cuando leyó el guión. Reitman consiguió el respaldo de la Paramount y el reparto que habí­a soñado para esta pelí­cula con George Clooney a la cabeza, a quienes acompañan Vera Farmiga, Anna Kendrick, Jason Bateman, Danny McBride, Melanie Lynskey, Amy Morton, Sam Elliot y Zach Galifianakis.

En el mes de agosto comenzó a circular el rumor de lo contenta que habí­a quedado la Paramount con la pelí­cula y se filtró una crí­tica entusiasta que hací­a pensar en una posible campaña orquestada por los responsables del film, como se ha hecho en muchos otros casos. Pocas semanas después de que surgiera este rumor, la cinta se presentó por sorpresa en el Festival de Telluride, que no es cubierto por un gran número de medios, y saltaron todas las alarmas. La respuesta de los que vieron el film fue de lo más entusiasta. Reitman habí­a hecho con esta comedia amarga un sutil retrato de la sociedad actual. Para la crí­tica Up in the Air es bastante superior a las dos anteriores cintas de Reitman, y no solo eso, ya que superaba con creces a la novela original de Walter Kirn, de hecho, el escritor ha quedado gratamente sorprendido con la pelí­cula. Up in the Air se ha presentado en los festivales de Toronto, Londres y Roma, cosechando en todos una respuesta similar a la obtenida en Telluride.

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Las grandes bazas residen en el guión y la dirección de Jason Reitman, y en la interpretación de sus actores. De George Clooney comentan que realiza la interpretación de su carrera, también está recibiendo excelentes crí­ticas Vera Farmiga, una actriz que cada vez va a más, pero la gran sorpresa del film es Anna Kendrick, esta joven actriz se ha dado a conocer en los últimos años porque interpreta a Jessica Stanley en la saga Crepúsculo, y con tan solo 12 años fue candidata a un premio Tony por el musical High Society, de ella dicen que se come la pantalla.

En Estados Unidos se estrenará de manera limitada el 4 de diciembre, y el estreno generalizado se producirá el dí­a de navidad. A falta de tres semanas para que llegue a las salas usamericanas vemos que tiene el 100% de crí­ticas positivas en Rotten Tomatoes, esta nota es susceptible de cambio.

Opciones para los Oscars

Up in the Air se ha convertido en una de las principales apuestas de la Paramount de cara a los Oscars, se dice que tal vez por eso el estreno de Shutter Island de Martin Scorsese se retrasó a febrero, para darle más cancha al film de Reitman. Podrí­a encontrar su hueco en los apartados de pelí­cula, dirección, guión adaptado, actor (George Clooney), actriz de reparto (Anna Kendrick), actriz de reparto (Vera Farmiga, si es que al final la promueven en esta categorí­a) y montaje.

En las próximas semanas iremos viendo cómo va evolucionando Up in the Air.

EN TIERRA HOSTIL

En esta nueva entrega de la serie dedicada a los tí­tulos que aspiran a convertirse en protagonistas en la carrera hacia los próximos Oscars toca hablar de En Tierra Hostil de Kathryn Bigelow, un film que ha logrado convencer de una manera extraordinaria a la crí­tica y al público, a pesar de ser una cinta ambientada en la guerra de Irak.

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El octavo largometraje de Kathryn Bigelow se ambienta en el año 2004 y se desarrolla en la guerra de  Irak. Los protagonistas son los miembros del EOD, la unidad de artificieros del ejército de los Estados Unidos, que cumple su misión en una caótica ciudad en donde cualquiera puede ser un enemigo potencial y cualquier cosa una bomba.

Considerada la mejor pelí­cula que se ha hecho sobre la guerra de Irak

En Tierra Hostil es el fruto de la unión entre la realizadora Kathryn Bigelow y el periodista y guionista Mark Boal. Este último fue el autor del artí­culo que dio pie a En el Valle de Elah de Paul Haggis, y a su vez fue coguionista de este film por el que Tommy Lee Jones deberí­a haberse llevado el Oscar hace un par de años. En Tierra Hostil se basa en las vivencias de Boal junto a un escuadrón de artificieros destinados en Irak. El objetivo que se marcaron tanto la realizadora como el guionista era mostrar cómo es la experiencia de los soldados en situaciones extremas, en palabras de la Bigelow, “querí­amos mostrar el tipo de cosas por las que pasan por los soldados que no se pueden ver en la CNN”.

El film está protagonizado por Jeremy Renner, Anthony Mackie y Brian Geraghty, a quiénes acompañan en roles muy secundarios Guy Pearce, Ralph Fiennes, David Morse y Evangeline Lilly. En un principio se vinculó a este proyectos a actores como Colin Farrell, Willem Dafoe y Charlize Theron. La cinta se rodó en el verano del 2007, Bigelow eligió Jordania como escenario, a pesar de los problemas de seguridad, le parecí­a una gran idea debido a la cercaní­a que tiene con Irak y para complementar el reparto se fichó a una serie de refugiados de Irak que tení­an antecedentes teatrales.

La cinta se presentó en la edición del 2008 del Festival de Venecia. A la prensa italiana le entusiasmó la pelí­cula, de hecho era su favorita al León de Oro, pero el resto de crí­ticos más o menos se dividió ante ella. Aún así­ la cinta fue recibida con una ovación que duró más de diez minutos en su exhibición de gala. En Venecia se alzó con varios premios otorgados por asociaciones de medios de comunicación. Su paso por el Festival de Toronto fue más fructí­fero, la reacción fue bastante más positiva a la recibida en Venecia, y fue adquirida por la distribuidora Summit Entertainment por la cifra de un 1,2 millones de dólares.

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A Kathryn Bigelow se la consideró una de las posibles aspirantes al Oscar a la mejor dirección en la edición de los Oscars del pasado año. Pero la distribuidora decidió retrasar el estreno de En Tierra Hostil al verano de este año, a Estados Unidos llegó meses después de su estreno en Italia. Aún así­ el film se paseó por diferentes certámenes siendo la acogida en todos ellos muy buena, y consiguió varias candidaturas a los pasados Independent Spirit en los apartados de mejor actor (Jeremy Renner) y mejor actor de reparto (Anthony Mackie).

La cinta se estrenó en los Estados Unidos el 29 de junio, con crí­ticas excelentes, de hecho es la primera cinta que habla de la guerra de Irak que ha generado tanto entusiasmo entre los crí­ticos, el film ha obtenido un 98% de crí­ticas positivas en Rotten Tomatoes y obtuvo el 9.4 en Metacritic. Para medios como The New York Times se trata de la mejor pelí­cula estadounidense que se haya rodado sobre la guerra de Irak, por lo general las cintas que hablan de esta guerra no son bien acogidas ni por los crí­ticos ni por los espectadores estadounidenses, también es verdad que no se puede considerar a En Tierra Hostil como un film crí­tico con la administración Bush ya que se aleja de cualquier planteamiento polí­tico. Su estreno fue limitado, al principio solo fue proyectada en cuatro salas y durante su primer fin de semana recaudó cerca 150.000 dólares, una recaudación mejor de la esperada, y se fue ampliando el número de salas, hasta llegar a las 500. Hasta la fecha ha recaudado en Estados Unidos más de 12 millones de dólares, el film costó 11.

La gran baza de este film reside en la dirección de Kathryn Bigelow, que podrí­a convertirse en la primera mujer en ganar el Oscar a la mejor dirección, aún queda mucho para eso pero para la mayorí­a de expertos su candidatura es a dí­a de hoy un hecho. El protagonista del film es Jeremy Renner, al que hemos visto en tí­tulos como 28 Semanas Después, S.W.A.T. o El Asesinato de Jesse James por el Cobarde Robert Ford, también ha conseguido excelentes crí­ticas y ya se le ha colgado la etiqueta del nuevo Russell Crowe. El resto del reparto también ha recibido los parabienes de la crí­tica como por ejemplo Anthony Mackie o Brian Geraghty.

El film opta a tres premios Gotham, concedidos por la Asociación de Cineastas Independientes en la Costa Este, mejor pelí­cula, reparto e intérprete revelación para Jeremy Renner, y opta al premio BIFA, galardones del cine independiente británico, a la mejor producción extranjera.

Opciones en los Oscar

A pesar del gran apoyo que crí­tica y público han dado a En Tierra Hostil, lo que pueda suceder con este film en los Oscars es una incógnita. Aún así­ podrí­a encontrar su hueco en los apartados de mejor pelí­cula, dirección, guión original, actor (Jeremy Renner), actor de reparto (Anthony Mackie), montaje y sonido.

AN EDUCATION

La protagonista de hoy es An Education de Lone Scherfig, uno de esos tí­tulos que han ido ganándose a lo largo del año el prestigio otorgado por los crí­ticos y el aplauso de los espectadores que la han visto en los festivales de Sundance, Berlí­n, Toronto y Londres.

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An Education es la sexta pelí­cula de la realizadora danesa Lone Scherfig. Se ambienta en el Londres de la década de los sesenta. La protagonista es Jenny, una adolescente de 16 años cuya vida de estudiante modélica cambiará radicalmente cuando se enamore de un playboy americano que le dobla la edad y de dudosa reputación.

Cine británico con aroma a clásico

La realizadora danesa Lone Scherfig se dio a conocer con cintas tan aclamadas por la crí­tica y los certámenes internacionales como son Italiano para Principiantes y Wilbur se Quiere Suicidar. A sus manos llegó el proyecto de An Education, basado en las memorias de la periodista Lynn Barber, cuyo guión escrito por Nick Hornby fue calificado en el 2007 por la revista Variety como uno de los mejores guiones aún no llevados a la pantalla. Por cierto, las memorias de Barber, que en la actualidad escribe en The Sunday Times se publicaron en junio, tan solo cuatro meses antes del estreno de An Education en Gran Bretaña.

El peso del film recae en su actriz protagonista, Carey Mulligan, a quien acompañan Peter Sarsgaard, Alfred Molina, Rosamund Pike, Dominic Cooper, Olivia Williams y Emma Thompson, por cierto, Orlando Bloom estuvo a punto de interpretar el papel que finalmente hizo Dominic Cooper.

La cinta se presentó en el Festival de Sundance, en la sección World Cinema, y los comentarios por parte de crí­tica y público fueron excelentes. El film se llevó los premios del público y a la mejor fotografí­a que recogió John de Borman, responsable de la fotografí­a de tí­tulos como The Full Monty o Fotografiando Hadas. Poco después se exhibió en el Festival de Berlí­n, en la sección Panorama, y la respuesta fue similar. Sony Pictures Classic se hizo con los derechos de distribución en los Estados Unidos. Y el film tuvo su gran presentación en el Festival de Toronto. Ahí­ comenzaron a surgir las primeras crí­ticas que calificaban a este film no solo como una de las mejores propuestas del año sino de la década.

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La grandes bazas de An Education residen en la clásica puesta en escena de la realizadora Lone Scherfig, en donde le toma el pulso a una época en la que la revolución sexual está a punto de estallar, en el guión exquisito escrito por el novelista Nick Hornby, y sobre todo en la soberbia interpretación de Carey Mulligan. Esta joven actriz de 24 años, vista en Orgullo y Prejuicio de Joe Wright, ha sido calificada por Roger Ebert como la nueva Audrey Hepburn, ya que a cualidades como talento y magia en la pantalla se une un parecido fí­sico que es evidente en la parte que se desarrolla en Parí­s. No solo ella ha recibido muy buenas crí­ticas, sus compañeros de reparto también, especialmente Alfred Molina que interpreta al padre de la protagonista. Y no nos podemos dejar atrás la cuidadí­sima ambientación de este film.

An Education opta a seis premios BIFA del cine independiente británico, en las categorí­as de pelí­cula, dirección, actriz protagonista, actor de reparto (Alfred Molina), actriz de reparto (Rosamund Pike) y guión.

En Estados Unidos se estrenó el pasado 16 de octubre. Ha obtenido un 93% de crí­ticas positivas en Rotten Tomatoes y un 8.5 en Metacritic. Se está exhibiendo en 120 salas a lo largo de todo Estados Unidos y hasta el momento ha recaudado poco más de 3 millones de dólares. Una cifra bastante discreta.

Opciones en los Oscar

El prestigio de la crí­tica podrí­a ayudar a An Education a conseguir un hueco en las categorí­as de pelí­cula, dirección, actriz protagonista (Carey Mulligan), actor de reparto (Alfred Molina), guión adaptado, fotografí­a, dirección artí­stica y vestuario.

Veremos qué sucede con ella en las próximas semanas.

UN TIPO SERIO

Este capí­tulo sobre los tí­tulos aspirantes a convertirse en protagonistas en la carrera hacia los próximos Oscars está dedicado a lo nuevo de los hermanos Coen, A Serious Man. Un film con apariencia de obra menor pero que esconde, a juicio de los crí­ticos, al mejor tí­tulo que estos hermanos han rodado desde Fargo, muy por encima de la multipremiada No es Paí­s para Viejos.

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La decimocuarta pelí­cula de Joel y Ethan Coen se ambienta en la Minnesota de 1967. El protagonista, Larry Gognik, es un profesor judí­o de fí­sica cuya vida comienza a ir cuesta abajo. Ante esta crisis vuelve a abrazar la fe judí­a y pide ayuda a una serie de rabinos sin fortuna.

La joya escondida de los Coen

Tras rodar ese divertimento que fue Quemar Después de Leer, y después de triunfar en los Oscars con No es Paí­s para Viejos, los hermanos Coen se embarcaron en un proyecto más modesto y sin estrellas titulado A Serious Man. Una comedia negra nostálgica rodada en su Minnesota natal y que se centra en el ambiente en el que crecieron los Coen. No han hecho un film autobiográfico, a pesar de haber ciertas similitudes entre el padre de los Coen y el protagonista del film, ambos judí­os y profesores de la Universidad de Minnesota, sino que han querido hablar de ese extraño sentimiento surgido durante la década de los sesenta en buena parte de los Estados Unidos sobre la necesidad de abrazarse al judaí­smo.

La cinta está protagonizada por Michael Stuhlbarg, un actor cinematográficamente desconocido, participó en Red de Mentiras de Ridley Scott, pero con una gran experiencia teatral. Le acompañan Richard Kind, visto en la serie Spin City y más recientemente en The Visitor, Sari Wagner Lennick, Fred Melamed, Aaron Wolf, Jessica McManus, Adam Arkin, George Wyner, Amy Landecker, Katherine Borowitz y Simon Helberg.

A Serious Man, a pesar de ser la cinta que los Coen rodaban inmediatamente después de triunfar en los Oscars con No es Paí­s para Viejos, no ha sido un film que haya despertado expectación. De hecho cuando se rodó no se le prestó la misma atención que a anteriores tí­tulos. La cinta se presentó en el pasado Festival de Toronto,  y se tení­a la impresión de que se iba a ver una obra menor de los Coen, y ha resultado ser todo lo contrario. De hecho para la crí­tica A Serious Man fue la mejor pelí­cula que se exhibió en el Festival de Toronto. Después de Toronto el film se ha presentado con la misma recepción en los Festivales de Roma y Londres.

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El film se estrenó en los Estados Unidos el pasado 3 de octubre. Las crí­ticas han sido excelentes, en Rotten Tomatoes tiene el 85% de crí­ticas positivas, y en Metacritic obtiene un 7.9.  Para buena parte de la crí­tica, A Serious Man es el film más maduro que los Coen han realizado hasta ahora, y para Roger Ebert y Todd McCarthy este es el tipo de pelí­culas que hay que hacer después de ganar un Oscar. También ha habido crí­ticos como Joe Morgensten, crí­tico del Wall Street Journal, y ganador del premio Pulitzer, que ha criticado la misantropí­a de este film, ya que considera que los personajes se presentan tan caricaturescos y despreciables como carentes de humanidad, así­ que es imposible conectar con ellos. Se ha llegado a exhibir en 262 salas, recaudando hasta el momento cerca de 7 millones de dólares, cifra que iguala a su presupuesto.

Las grandes bazas de A Serious Man residen en Joel y Ethan Coen, directores, guionistas, productores y montadores de un film de humor sombrí­o que reflexiona sobre temas universales como son la fe, la familia, la mortalidad y la desgracia. Y el trabajo de sus intérpretes con Michael Stuhlbarg a la cabeza.

Opta a dos premios Gotham, otorgados por la Asociación de Cineastas de la Costa Este de los Estados Unidos, mejor pelí­cula y mejor reparto.

Opciones en los Oscar

Con el apoyo de la crí­tica A Serious Man podrí­a colocarse en los Oscar en las siguientes categorí­as, mejor pelí­cula, dirección, guión original, actor protagonista (Michael Stuhlbarg) y actor de reparto (Richard Kind).

En las próximas semanas veremos qué le depara a A Serious Man.

UP

Cuando conocimos que serí­an diez las candidatas al Oscar a la mejor pelí­cula muchos nos preguntamos si ha llegado el momento en el que el cine de animación vuelva a hacerse un hueco entre las aspirantes a mejor pelí­cula, tal y como lo hizo en su dí­a La Bella y la Bestia. Probablemente sea Up de Pete Docter la que lo consiga.

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El segundo largometraje de Pete Docter gira en torno a Carl Fredricksen, un anciano que acaba de enviudar al que amenazan con ingresarle en una residencia. Antes de que ese dí­a llegue, él cumplirá el viejo sueño que tení­a con su mujer, llenará su casa de globos y viajará a América del Sur. Pero él no cuenta con la aparición de Russell, un boy scout ansioso por protagonizar una aventura de verdad.

La nueva lección cinematográfica de Pixar

Pete Docter, responsable de la la deliciosa Monstruos S.A., asumió el que hasta ahora era el proyecto más difí­cil para Pixar, y no solo porque se empleara tecnologí­a en 3D, sino porque su protagonista es un anciano, algo que mermaba sus opciones comerciales. Docter se inspiró en algunos de sus maestros como los legendarios animadores de Disney, Frank Thomas, Ollie Johnson y Joe Grant, a quienes está dedicado el film. El proyecto se gestó durante más de seis años y para su elaboración se contó con un equipo formado por 300 personas, entre técnicos y dibujantes. Para la escritura del guión, Docter tuvo como colaborador en el desarrollo de personajes al actor, guionista y director Thomas McCarthy, responsable de un tí­tulo que entusiasma a Docter, Ví­as Cruzadas.

Up marcó un hito ya que se convirtió en la primera pelí­cula de animación que inauguraba el Festival de Cannes. En mayo de este año el film se exhibió por primera vez ante el público y la crí­tica. Y la respuesta fue excelente. Para los que vieron el film en Cannes, se trataba de la pelí­cula más divertida y aventurera que Pixar que habí­a hecho en los últimos años, y conseguí­a tan solo con su maravilloso prólogo de diez minutos lo que tí­tulos como Revolutionary Road de Sam Mendes y Gran Torino de Clint Eastwood lograron en dos horas. Para buena parte de la crí­tica le parecí­a una provocación que frente a buena parte de los tí­tulos exhibidos en Cannes, Up se presentase fuera de concurso.

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Desde su estreno producido en Estados Unidos el 29 de mayo, se han escuchado calificativos como joya cinematográfica o clásico instantáneo. En Rotten Tomatoes obtuvo un 98% de crí­ticas positivas y en Metactritic logró un 8.8. El presupuesto de Up rondaba los 175 millones de dólares y su recaudación mundial supera los 500 millones, de los cuales 293 corresponden a la taquilla norteamericana.

Las grandes bazas de Up vienen por supuesto de la mano de Pixar que ha logrado una vez hacer una obra de arte con este film que es técnicamente perfecto y que tiene una historia que ha encandilado a crí­tica y público por igual.

Opciones en los Oscar

El gran misterio es saber qué sucederá con las cintas de animación, ¿los académicos seguirán teniendo prejuicios con este tipo de producciones y dejarán que compitan en la categorí­a reina?. En la edición celebrada en el año 1992 se produjo un hecho histórico en los Oscars, y es que un film de animación, La Bella y la Bestia dirigida por Gary Trousdale y Kirk Wise, optaba al Oscar a la mejor pelí­cula frente a tí­tulos como Bugsy de Barry Levinson, JFK de Oliver Stone, El Prí­ncipe de las Mareas de Barbra Streisand y la ganadora El Silencio de los Corderos de Jonathan Demme.

El cine de animación ha vivido en estas últimas décadas uno de sus momentos más gloriosos y buena parte de culpa la tiene la factorí­a Pixar. La compañí­a que surgió a finales de la década de los setenta como una división de Lucasfilm se sitúa en la actualidad, con la dirección creativa de John Lasseter, antiguo animador de Disney, en la cúspide del cine de animación con producciones como Toy Story de John Lasseter, Monstruos S.A. de Pete Docter, Buscando a Nemo de Andrew Stanton, Ratatuille de Brad Bird, Wall-E de Andrew Stanton y la que ahora nos ocupa, Up de Pete Docter.

Los excelentes resultados cosechados por el cine de animación llevaron a la creación de la categorí­a dedicada al largometraje de animación, hasta ese momento tan solo se concedí­a el Oscar al mejor cortometraje de animación, creado en el año 1931. En la ceremonia celebrada en el año 2002 se concedió el primer Oscar al mejor largometraje de animación que fue a parar a Shrek de Andrew Adanson y Vicky Jenson y producido por Dreamworks. Desde entonces han ganado El Viaje de Chihiro de Hayao Miyazaki, Buscando a Nemo de Andrew Stanton, Los Increí­bles de Brad Bird, Happy Feet de George Miller, Ratatouille de Brad Bird y Wall-E de Andrew Stanton.

Si la Academia decide sacar al cine de animación del gueto, Up podrí­a situarse en las categorí­as de mejor pelí­cula, guión original, música, pelí­cula de animación, sonido y montaje de sonido.

Os iremos contando qué sucede con Up en las próximas semanas.

LA CARRETERA

Hoy se estrena en los Estados Unidos La Carretera de John Hillcoat. A priori tiene todos los elementos para convertirse en una de las protagonistas de esta temporada de premios que arrancará la próxima semana. Se trata de la adaptación cinematográfica de la novela escrita por Cormac McCarthy, uno de los libros más aclamados de los últimos años, ganadora del premio Pulitzer en el 2007 y que tiene una legión de seguidores. Está dirigida por el australiano John Hillcoat, responsable de La Propuesta, un western estrenado en el 2005 que ha sido muy bien valorado por la crí­tica. Tiene en su reparto nombres tan solventes como los de Viggo Mortensen, Charlize Theron, Guy Pearce o Robert Duvall. Y viene apadrinada por The Weinstein Co. Precisamente reside en la compañí­a capitaneada por los hermanos Weinstein una de las causas por las que La Carretera ya no tenga tanta fuerza en la carrera hacia el Oscar, ya que ha preferido centrar sus fuerzas en otro de sus tí­tulos como es Nine de Rob Marshall, de la que hablaremos próximamente.

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La cuarta pelí­cula de John Hillcoat narra la odisea de un padre y un hijo a través de parajes asolados por un cataclismo, no especificado, que destruyó años atrás toda la civilización y toda la vida sobre la faz de La Tierra. El padre luchará para proteger a su hijo de las constantes amenazas que tienen a su alrededor, como los grupos de supervivientes que practican entre otras cosas el canibalismo, y para que no pierda la inocencia ante el mundo inhóspito en el que le ha tocado crecer.

¿A la altura de la obra de Cormac McCarthy?

Cormac McCarthy, responsable de novelas como Todos los Caballos Bellos, No Es Paí­s para Viejos o Meridiano de Sangre, publicaba en septiembre de 2006 La Carretera. El relato fue un gran éxito de crí­tica y público, de hecho se le ha llegado a considerar como el mejor libro que se ha escrito en los últimos 25 años. Esta novela ganó en el año 2007 el prestigioso premio Pulitzer.

Poco después de su publicación el productor Nick Wechsler, que ha estado detrás de tí­tulos como Requiem por un Sueño, La Fuente de la Vida, La Noche es Nuestra o Sexo, Mentiras y Cintas de Ví­deo, se hizo con los derechos para su adaptación cinematográfica. Y enseguida pensó en el australiano John Hillcoat para llevarla a cabo, ya que le habí­a interesado mucho su anterior film, La Propuesta. Como protagonista se elegirí­a a Viggo Mortensen, un actor que en los últimos años se ha ido convirtiendo en un sello de garantí­a de calidad interpretativa y al joven Kodi Smit-McPhee. A quienes acompañarí­an intérpretes como Robert Duvall, Guy Pearce o Charlize Theron, esta última se interesó en el proyecto debido a que es una  gran admiradora del relato de McCarthy. Destacar que en el equipo participa el director de fotografí­a español Javier Aguirresarrobe, responsable de la fotografí­a de tí­tulos como El Perro del Hortelano, Los Otros, Hable con Ella, Soldados de Salamina, Mar Adentro o la recientemente estrenada Luna Nueva. El film se rodó en 2008 con vistas a estrenarse a finales de dicho año. Pero The Weinstein Co, la encargada de su distribución, decidió retrasar su estreno, los motivos fueron varios, pero el que más peso tení­a era la mala sensación que habí­a dejado su resultado final.

El film vio por primera vez la luz en el pasado Festival de Venecia, en donde optaba al León de Oro. Y la crí­tica se dividió ante él, los crí­ticos norteamericanos fueron los que peor lo recibieron, con Todd McCarthy de Variety a la cabeza. Se coincidí­a a la hora de alabar la dirección de John Hillcoat, la soberbia interpretación de su pareja protagonista, así­ como la excelente fotografí­a de Javier Aguirresarrobe y la profunda música de Nick Cave y Warren Ellis. Pero consideraban que a la pelí­cula le faltaba tensión y se quedaba muy corta con respecto al relato de McCarthy. Tras exhibirse en Venecia se presentó en los Festivales de Toronto, Sitges y Londres con respuestas similares.

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La cinta ha costado 30 millones de dólares y en este momento ha recibido un 68% de crí­ticas positivas en Rotten Tomatoes, una valoración más o menos similar le dan en Metacritic, un 6.1.

En este momento no se puede considerar a La Carretera como uno de los tí­tulos mejor situados en la carrera hacia el Oscar. No tiene el apoyo unánime de los crí­ticos, la recepción que ha obtenido en los festivales en los que se ha presentado ha sido desigual, de momento no podemos decir cómo ha sido valorada por los espectadores, puesto que su estreno en los Estados Unidos se produce hoy. Otro factor fundamental es la poca promoción de cara a los premios que está haciendo The Weinstein Co, que de momento ha decidido centrarse en otros tí­tulos como son A Single Man de Tom Ford y sobre todo Nine de Rob Marshall.

Opciones en los Oscar

Tal y como acabo de comentar, la impresión más o menos generalizada de La Carretera es decepcionante. Dependiendo del funcionamiento del film, en la taquilla y en los premios previos, podrí­a situarse en las categorí­as de mejor actor (Viggo Mortensen), mejor actor de reparto (Kodi Smit-McPhee) y fotografí­a.

Os iremos contando cómo le va a este tí­tulo en las próximas semanas.

THE LOVELY BONES

Hoy dedicamos este capí­tulo a la nueva pelí­cula de Peter Jackson, The Lovely Bones. Un tí­tulo que tiene tatuado la expresión “For Your Consideration” pero que en las últimas 48 horas se ha desinflado después de los primeros palos que ha recibido de la crí­tica, principalmente de Variety.

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La décima pelí­cula del oscarizado Peter Jackson se basa en la novela Desde mi Cielo de Alice Sebold. En ella se narra la historia de Susie Salmon, una adolescente de 14 años, violada y asesinada y que desde el cielo observa las vidas de sus seres queridos y la de su asesino y al mismo tiempo trata de asimilar su muerte.

¿El regreso a la esencia de Criaturas Celestiales?

Dos años después de estrenar King Kong, a mi juicio monumental salvo la parte que se desarrolla en el “Port Aventura Prehistórico”, Peter Jackson comienza a rodar la adaptación cinematográfica de la novela de Alice Sebold, Desde mi Cielo, muchos hemos recibido con ilusión este proyecto porque su esencia nos recordaba a Criaturas Celestiales, que sigue siendo hasta la actualidad mi pelí­cula favorita de Peter Jackson. La novela se publicó en el 2002 y en ella la escritora plasmó sus experiencias después de haber sido ví­ctima de una violación cuando tení­a 18 años. El libro se convirtió por sorpresa en todo un éxito de ventas y también fue bien recibido por los crí­ticos.

La británica Film4 Productions, dependiente de Channel 4, se hizo con los derechos de Desde mi Cielo en el año 2000, cuando la novela aún era un manuscrito. Para su realización se contrató a la directora y guionista Lynne Ramsay y se manejaba un presupuesto de 15 millones de dólares. Coincidiendo con la publicación de la novela, en julio de 2002, Channel 4 decide cerrar su filial cinematográfica, y el proyecto pasa a manos estadounidenses. Se intentó negociar con Dreamworks, y Steven Spielberg mostró interés en el proyecto. Pero fue Peter Jackson, un entusiasta del relato de Sebold, el que se llevó el gato al agua. Finalmente el realizador alcanzó un acuerdo con Dreamworks, y el proyecto salió adelante con un presupuesto de 100 millones de dólares. Sus protagonistas Saoirse Ronan, que meses después de su fichaje para esta pelí­cula fue nominada al Oscar por Expiación, Mark Wahlberg, que se encargarí­a de sustituir al inicialmente elegido Ryan Gosling, Rachel Weisz, Susan Sarandon, Stanley Tucci y Michael Imperioli. El rodaje comenzó en octubre de 2007, su estreno estaba previsto para marzo de este año, pero Peter Jackson no habí­a quedado del todo satisfecho con la visión que se daba en el film de el cielo.

Paramount fijó la fecha de su estreno para el próximo 11 de diciembre. Serí­a un estreno para todo el paí­s, pero al cabo de unos meses decidió mover su estreno mayoritario al 15 de enero. Para la compañí­a The Lovely Bones siendo una buena opción de cara a los Oscars, ya que es un film que reúne ingredientes que pueden convencer a los académicos, pero en los últimos meses se ha hablado del descontento de la Paramount con el resultado final. De ahí­ que haya decidido postergar el estreno mayoritario a después de las navidades, ya que tí­tulos como Invictus de Clint Eastwood, Nine de Rob Marshall y como no Avatar de James Cameron pueden restarle espectadores. Se mantiene la fecha del 11 de diciembre para su estreno limitado, ahí­ verá la Paramount cómo va recibiendo el público este film.

El pasado martes The Lovely Bones se preestrenó en Londres, en un acto benéfico presidido por el Prí­ncipe Carlos de Inglaterra. Y ese fue el dí­a elegido para que Peter Jackson presentase el film a los crí­ticos. Y la cosa no le ha ido nada bien. Hay crí­ticas para todos los gustos pero la sensación general es bastante decepcionante. Se coincide con la idea de que Peter Jackson se ha esforzado más en el envoltorio, en crear secuencias celestiales muy bonitas, que en conectar emocionalmente con los personajes. Una de las crí­ticas más demoledoras viene por parte de Todd McCarthy, de la revista Variety, que además considerar a este film como una decepción artí­stica significativa, llega a comentar que Peter Jackson se excede en sus caprichos a la hora de mostrarnos el cielo que este llega a parecerse al escenario de los Teletubbies. Esta demoledora comparación, que viene del crí­tico más importante de la revista Variety, la Biblia cinematográfica, anula las opciones de Oscar de este tí­tulo.

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A dos semanas de su estreno le dan una valoración de 56% de crí­ticas positivas en Rotten Tomatoes. Veremos si mejora. Se destaca el trabajo de Saoirse Ronan, de Stanley Tucci, que se ayuda de su oficio para sacar adelante a un personaje plano, y de Susan Sarandon. No sucede lo mismo con Rachel Weisz y Mark Wahlberg que a pesar de estar bien no hacen nada destacable.

Opciones en los Oscar

La crí­tica no ha quedado nada convencida con The Lovely Bones, al menos por ahora, quedan dos semanas para su estreno en los Estados Unidos. En este momento sus esperanzas se han reducido de la misma manera que lo han hecho las de La Carretera, la protagonista del capí­tulo anterior de esta serie, es decir, no tiene el apoyo mediático que puede dar el prestigio de los crí­ticos así­ que depende de la promoción que le haga la Paramount, que tiene más esperanzas depositadas en Up in the Air de Jason Reitman, de la respuesta del público y de la suerte que corra en los premios previos. De darse todo esto, The Lovely Bones podrí­a entrar con opciones bastante reducidas en la categorí­a de mejor pelí­cula, y en las de mejor actriz (Saoirse Ronan), mejor actor de reparto (Stanley Tucci), mejor actriz de reparto (Susan Sarandon), mejor fotografí­a, mejores efectos visuales.

Veremos qué irá ocurriendo en las próximas semanas.

INVICTUS

Hoy tenemos como protagonista a Invictus de Clint Eastwood. Un tí­tulo que tiene el aura de peso pesado en esta carrera hacia el Oscar que comenzará en apenas cuatro dí­as. Y por una serie de factores, por la historia que narra, la caí­da del Apartheid y la llegada de Nelson Mandela a la presidencia sudafricana, y por tener detrás a todo un sello de garantí­a como es Clint Eastwood. Además, las primeras crí­ticas están siendo bastante buenas con este film que se estrenará en Estados Unidos el próximo 11 de diciembre.

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La trigésimo primera pelí­cula de Clint Eastwood sigue la caí­da del apartheid y la llegada de Nelson Mandela a la presidencia de Sudáfrica. Uno de sus primeros cometidos en el poder será la organización de la Copa del Mundo de Rugby y para ello solicitará la ayuda del capitán de la selección sudafricana de este deporte, Francois Pienaar. Ambos tendrán una idea clara, un evento como este tendrá que unir en torno al deporte a la población negra y blanca de Sudáfrica, después de varias décadas de Apartheid.

El Factor Eastwood

Después de rodar Gran Torino, Clint Eastwood asumió la dirección de Invictus, anteriormente llamado The Human Factor. En este film se adapta el libro del periodista y escritor John Carlin, Playing the Enemy: Nelson Mandela and the Game that Made a Nation, dicho libro se publicó el pasado año, y cuando aún era un manuscrito Lori McCreary, socia de Morgan Freeman, se hizo con los derechos para llevarlo al cine. Freeman que sin su habitual barba se parece a Nelson Mandela, con la barba ya sabéis que es Kofi Annan, estarí­a acompañado de Matt Damon, que interpretarí­a al capitán de la selección sudafricana de rugby Francois Pienaar. El proyecto tendrí­a un presupuesto de 50 millones de dólares y estarí­a financiado por Warner.

El pasado mes de octubre, Andrew Hart de The Playlist tuvo acceso  al guión, escrito por Anthony Peckham, el mismo que ha escrito el guión del Sherlock Holmes de Guy Ritchie, y apuntó que el guión se dividí­a en dos partes, la primera estaba centrada en la figura de Nelson Mandela, y Peckham querí­a mostrar el dí­a a dí­a del mandatario sudafricano, su intención era imitar el estilo de Peter Morgan, autor de La Reina o de Frost contra Nixon, pero que el resultado final era muy descafeinado. Y la segunda parte se centraba en el drama deportivo y este estaba lleno de clichés.

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En las últimas 48 horas han comenzado a aparecer las primeras crí­ticas de Invictus, que aunque la sitúen por debajo de dos de los grandes tí­tulos de esta década como son Mystic River o Million Dollar Baby, sí­ que hablan de un gran trabajo por parte de Clint Eastwood. Para la crí­tica lo más flojo es el guión, de lo más funcional y que presenta algunos fallos, pero estos errores se desvanecen por la fuerza de una historia conmovedora.  De momento Rotten Tomatoes no recoge las crí­ticas.

Las grandes bazas de Invictus residen en los artí­fices del film, por un lado Clint Eastwood, y por el otro Morgan Freeman y Matt Damon, ambos excelentes según las primeras impresiones. Y no nos podemos olvidar de la fuerza de esta historia y de su protagonista real, Nelson Mandela.

Opciones en los Oscar

Invictus en este momento parte como uno de los grandes favoritos. Así­ que no serí­a de extrañar que se situara en los apartados de mejor pelí­cula, dirección, actor protagonista (Morgan Freeman) y actor de reparto (Matt Damon).

Os iremos contando qué sucede con Invictus en las próximas semanas.

NINE

Toca hablar de Nine de Rob Marshall, uno de los tí­tulos que prometen ser el gran divertimento de la temporada, y que probablemente sea el gran acaparador de nominaciones durante las próximas semanas. Es la gran apuesta de The Weinstein Co, que ha puesto toda su maquinaria a funcionar para promocionar este musical plagado de estrellas.

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La tercera pelí­cula del coreógrafo Rob Marshall, es la adaptación cinematográfica del musical Nine, que a su vez versionaba el film de Federico Fellini 8½. El protagonista es Guido Contini, un famoso realizador de cine italiano que atraviesa una crisis existencial, está preparando una pelí­cula y no logra sacar adelante su guión, y su mujer amenaza con dejarle si no le presta más atención a su matrimonio. Guido se ve agobiado por las mujeres que le rodean, su mujer, su amante, su musa cinematográfica, su ayudante, una periodista, el espí­ritu de su madre o el recuerdo de su primer amor. Su cabeza no da para más y su proyecto cinematográfico va hacia la deriva.

El divertimento

Conocimos a Rob Marshall en el 2002 cuando estrenó la adaptación cinematográfica del musical Chicago. Marshall tení­a a sus espaldas una dilatada trayectoria como coreógrafo y director de musicales, avalada por seis candidaturas a los premios Tony, dos de ellas por el musical Cabaret, él se encargó de coreografiar el revival estrenado en 1998 y de su codirección junto a Sam Mendes. Por Chicago fue nominado al Oscar al mejor director y sorprendentemente fue premiado por el Gremio de Directores frente a realizadores como Martin Scorsese o Roman Polanski.

El musical Chicago se convirtió en la gran triunfadora de la edición de los Oscars celebrada en el 2003. La cinta optó a 13 Oscars y se llevó 6 entre ellos el de mejor pelí­cula. No era más que un divertimento pero supo conectar con crí­tica y público, y como no, era la gran apuesta de los hermanos Weinstein, cuando aún estaban al frente de Miramax, muy por encima de Las Horas de Stephen Daldry y sobre todo de Gangs of New York de Martin Scorsese.

Con el resurgimiento del cine musical, los éxitos de Moulin Rouge, Chicago o más recientemente Hairspray o Mamma Mia! lo atestiguan, se dio luz verde en 2007 a la adaptación cinematográfica del musical Nine. Este musical vio por primera vez la luz en Broadway en el año 1982, sus autores son Arthur Kopit, Mario Fratti y Maury Yeston, y se basaron en el éxito de Federico Fellini 8½, cinta que ganó dos Oscars en el año 1964, el de mejor pelí­cula en lengua no inglesa y el de mejor vestuario.  El musical original estuvo protagonizado por Raúl Juliá y aunque la crí­tica nunca consideró que este fuese un gran musical, nada impidió que se hiciese con cinco premios Tony, entre los que destaca los de mejor musical, y el de mejor actriz que recibieron ex aequo las tres protagonistas femeninas de la obra, Karen Akers, Anita Morris y Liliane Montevecchi. En el año 2003 este musical se volvió a estrenar con gran éxito en Broadway, teniendo a Antonio Banderas como protagonista. El actor malagueño optó a un premio Tony y Nine se llevó dos de los ocho galardones a los que optaba, mejor revival y mejor actriz para Jane Krakowski.

Detrás de la adaptación cinematográfica de Nine estaban los hermanos Weinstein, que volvieron a confiar tras el éxito de Chicago en Rob Marshall. La intención de los Weinstein era contar con el mejor reparto posible, Daniel Day Lewis, anteriormente Javier Bardem, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Judi Dench, Nicole Kidman, Kate Hudson, Sofí­a Loren y Stacy Ferguson. En el reparto hay ocho Oscars, un Tony y tres Grammys. Del guión se encargarí­an Michael Tolkin, autor de El Juego de Hollywood, y Anthony Minghella, fallecido en marzo del pasado año. Para la versión cinematográfica Maury Yeston ha compuesto tres canciones, Guarda la Luna, interpretada por Sofí­a Loren, Cinema Italiano interpretado por Kate Hudson, y Take it All, cantado por Marion Cotillard, en un principio este tema iba a ser cantado también por Penélope Cruz y Nicole Kidman, pero finalmente se optó por la Cotillard en solitario.

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Rob Marshall se ha vuelto a rodear de algunos de sus colaboradores, como el director de fotografí­a Dion Beebe, ganador de un Oscar por Memorias de una Geisha, el diseñador de producción John Myhre, ganador del Oscar por Chicago o la diseñadora de vestuario Colleen Atwood, ganadora del Oscar por Memorias de una Geisha y Chicago.

Nine es la gran apuesta de The Weinstein Co de cara a esta temporada de premios. Junto a Disney y la cadena de televisión ABC están realizando una extenuante campaña de promoción que incluye una serie de especiales televisivos, y los protagonistas del film están en todas partes, especialmente Penélope Cruz. La madrileña, que se ha convertido en la nueva niña mimada de los hermanos Weinstein, está acaparando todo el protagonismo en la campaña promocional de Nine, ha protagonizado una de las últimas portadas del Vanity Fair, y ha aparecido en algunos de los programas más populares de la TV norteamericana como los de Oprah Winfrey, Jay Leno o David Letterman. Después de ganar el Oscar por Vicky Cristina Barcelona de Woody Allen, la actriz, en su mejor momento profesional, va hacia una nueva nominación.

Aún no tenemos referencias de lo que opina la crí­tica. El film se estrenará de manera limitada en los Estados Unidos el próximo 18 de diciembre, y aún no se han publicado las primeras impresiones oficiales, aunque en algunas webs sí­ que se han publicado crí­ticas de los espectadores que la han podido ver en los pases de prueba.

El pasado domingo pudimos conocer las nominaciones a los Golden Satellite, que pretenden ser una alternativa a los Globos de Oro, y Nine opta a once premios, mejor pelí­cula (comedia o musical), mejor dirección, mejor actor en comedia o musical (Daniel Day Lewis), mejor actriz en comedia o musical (Marion Cotillard), mejor actriz de reparto (Penélope Cruz), mejor fotografí­a, mejor montaje, mejor sonido, mejor diseño de producción y dirección artí­stica, mejor diseño de vestuario y mejor canción, además ya tiene el premio seguro del mejor reparto.

Opciones en los Oscar

Todo apunta a que Nine será de los tí­tulos que acapare mayor número de nominaciones, otra cosa bien distinta es que sea el gran triunfador del año. Tiene opciones de figurar en los apartados de mejor pelí­cula, dirección, guión adaptado, actor (Daniel Day Lewis), actriz (Marion Cotillard), actriz de reparto (Penélope Cruz), fotografí­a, dirección artí­stica, vestuario, sonido, montaje, montaje de sonido y canción.

Os contaremos lo que sucederá con Nine en los próximos dí­as.

UN HOMBRE SOLTERO

Hoy tenemos como protagonista a A Single Man, el debut en la realización del diseñador Tom Ford, y que se ha convertido en una de las sorpresas de los últimos meses. Además su protagonista, Colin Firth, se sitúa en este momento como uno de los grandes favoritos al Oscar al mejor actor.

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El primer largometraje de Tom Ford se ambienta en Los Ángeles del año 1962. Su protagonista es George, un británico que da clases en la Universidad, que es incapaz de sobreponerse de la muerte de su novio en un accidente de tráfico. Y el dí­a en el que decide quitarse la vida hace un balance de su existencia.

El elegante debut de Tom Ford

Tom Ford, ex director creativo de Gucci e Yves Saint-Laurent, nos sorprendió cuando anunció que abandonaba momentáneamente el mundo de la moda para probar suerte en el mundo del cine. Escogerí­a como debut la adaptación cinematográfica de la novela Un Hombre Soltero de Christopher Isherwood. El libro, publicado en el año 1964, es considerado uno de los primeros y mejores libros del moderno movimiento de liberación gay. El propio Ford se encargarí­a de escribir el guión.

Elegirí­a como protagonista al actor británico Colin Firth. Y para acompañarle escogerí­a a Julianne Moore, que interpreta a la amiga y confidente de George, a Matthew Goode, en el papel del amor perdido del protagonista, y a Nicholas Hoult, que interpreta a uno de sus alumnos. En su reparto también nos podemos encontrar al modelo español Jon Kortajarena, que da vida a un chapero.

La pelí­cula se presentó en el pasado Festival de Venecia. Y la recepción fue muy buena, aunque bien es verdad que se ha criticado mucho que Tom Ford se haya pasado de esteta. Aún así­, Ford se llevó una sonora ovación de la prensa especializada cuando se dejó ver por el Lido. No solo fue el diseñador el que se llevó los aplausos, Colin Firth se hizo con la Copa Volpi al mejor actor.

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Tras Venecia el film se presentó en el Festival de Toronto. Y la reacción de la crí­tica y del público fue aún superior a la tenida en Venecia. The Weinstein Co se hizo por un millón de dólares con los derechos de distribución del film con el claro objetivo de promocionarla de cara a los Oscars. Para la crí­tica, la interpretación de Colin Firth fue una de las mejores que se pudieron ver en el pasado Festival de Toronto.

La principal baza de A Single Man reside en el trabajo de Colin Firth. Al actor, uno de los sí­mbolos por excelencia del actual cine británico, le hemos visto en infinidad de tí­tulos como Valmont, El Paciente Inglés, Shakespeare Enamorado, El Diario de Bridget Jones, y como no en la miniserie Orgullo y Prejuicio, considerada la mejor adaptación que se ha hecho de la citada obra de Jane Austen, que le convirtió en el prototipo de hombre ideal para media población británica. Según la crí­tica, en A Single Man realiza la mejor interpretación de su carrera y a muy pocos les extraña que sea en este momento uno de los grandes favoritos al Oscar al mejor actor, aunque se le avecina una fuerte competencia. No solo Firth está recibiendo excelentes crí­ticas, también lo está haciendo su compañera de reparto Julianne Moore. La actriz que ha sido nominada en cuatro ocasiones al Oscar, por Boogie Nights, El Fin del Romance, Las Horas y Lejos del Cielo, suena como una clara candidata a la estatuilla a la mejor actriz de reparto, lo malo, es que su papel es tan breve que puede ser eclipsada por cualquiera de sus contrincantes.Y no podemos dejar la elegante puesta en escena del film, a la que han contribuido el diseño de producción de Dan Bishop, ganador del Emmy por Carnivále y responsable de la dirección artí­stica de Mad Men, el diseño de vestuario de Amy Wells, también de la serie Mad Men, y la fotografí­a que corre a cargo del catalán Eduard Grau.

La pelí­cula se estrenará de manera limitada en los Estados Unidos el próximo 11 de diciembre, de momento cosecha un 83% de crí­ticas positivas en Rotten Tomatoes.

A Single Man opta a dos Golden Satellite, mejor actor (Colin Firth) y mejor dirección artí­stica y diseño de producción, también es candidata a cuatro Independent Spirit, mejor ópera prima, mejor actor, mejor guión y mejor primer guión.

Opciones en los Oscar

A Single Man también está contando con una excelente campaña promocional por parte de The Weinstein Co, y podrí­a encontrar su hueco en las siguientes categorí­as: mejor pelí­cula, mejor actor protagonista (Colin Firth), mejor actriz de reparto (Julianne Moore), mejor diseño de vestuario, mejor dirección artí­stica, mejor música y mejor fotografí­a.

BRIGHT STAR

Ya ha comenzado de manera oficial la temporada de premios, y hoy toca hablar de Bright Star de Jane Campion, un tí­tulo que viene avalado por las excelentes crí­ticas cosechadas en festivales como el de Cannes y Toronto, y porque su protagonista, Abbie Cornish, se perfila como una de las claras candidatas al Oscar a la mejor actriz.

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El séptimo largometraje de Jane Campion se centra en los últimos años de vida de uno de los principales poetas del romanticismo, John Keats, y en la relación que inició con su vecina Fanny Browne.

El regreso de la mejor Jane Campion

Seis años después del estreno de En Carne Viva, un film protagonizado por Meg Ryan y Mark Ruffalo que no fue nada bien tratado por la crí­tica, la realizadora neozelandesa Jane Campion, ganadora de un Oscar por el guión del El Piano, cinta por la que también optó al Oscar a la mejor dirección y por la que ganó la Palma de Oro de Cannes, regresa al terreno más clásico, en donde ha cosechado sus mayores éxitos, con la historia de John Keats.

Pero la intención de la realizadora no era hacer un biopic al uso, sino que quiso inspirarse en la historia de amor que el poeta del romanticismo vivió con una joven llamada Fanny Brawne, que se convertirí­a en su musa durante sus últimos años de vida. Y al igual que hizo Milos Forman con Amadeus, el protagonista no serí­a John Keats sino la joven que logró conquistar al poeta. El reparto estarí­a encabezado por el británico Ben Whishaw, al que hemos visto en El Perfume, y la australiana Abbie Cornish, a quienes algunos han bautizado como la nueva Nicole Kidman, ya que es una de las estrellas del cine australiano más emergentes de la actualidad. Ambos estarí­an acompañados de Paul Schnneider, Kerry Fox y Thomas Sangster.

El film fue presentado en el pasado Festival de Cannes, en donde aspiraba a la Palma de Oro, y tuvo muy buena reacción por parte de la crí­tica. Se alabó mucho la exquisita realización de Jane Campion así­ como su puesta en escena muy cuidada, pero la que se llevó los mayores aplausos de la crí­tica fue su protagonista, Abbie Cornish de la que se dice que está sencillamente soberbia. Desde el primer momento se consideró a esta joven actriz  como una de las principales candidatas al premio de interpretación, pero al final Bright Star no se llevó ninguno de los premios del prestigioso Festival de Cannes.

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Tras presentarse en Cannes se exhibió en los Festivales de Toronto, Telluride y Londres con una respuesta excelente en todos ellos. El film se estrenó en los Estados Unidos el pasado 18 de septiembre. La reacción de la crí­tica ha sido muy buena, un 83% de crí­ticas positivas en Rotten Tomatoes y en Metacritic le dan una media de 81. Hasta la fecha ha recaudado algo más de 4 millones en los Estados Unidos, llegando a exhibirse en 380 salas. El film ha costado 8,5 millones de dólares. La encargada de distribuirla en Estados Unidos es la compañí­a independiente Apparition.

Lo que más se ha valorado de Bright Star es el regreso de Jane Campion a un terreno más clásico, en donde se ha desenvuelto muy bien, tal y como lo ha demostrado en El Piano y en Retrato de una Dama, aunque ésta no fuese tan bien valorada en su dí­a,  así­ como el trabajo de su pareja protagonista, aunque Ben Whishaw ha sido completamente eclipsado por Abbie Cornish, y como no su puesta en escena, a la que ha contribuido el diseño de producción y de vestuario de Janet Patterson, candidata al Oscar por el vestuario de El Piano, Retrato de una Dama y Oscar y Lucinda, sin olvidarnos de la bellí­sima fotografí­a que corre a cargo de Greig Fraser.

Bright Star opta a cuatro premios BIFA del cine independiente británico, mejor dirección, mejor actriz (Abbie Cornish), mejor actriz de reparto (Kerry Fox) y mejor contribución técnica para la fotografí­a de Creig Fraser. Y también tiene cuatro candidaturas a los premios Golden Satellite, mejor pelí­cula, mejor dirección, mejor actriz y mejor guión original.

Opciones en los Oscar

Bright Star no tiene tantas opciones de situarse en la categorí­a de mejor pelí­cula, como algunos de los tí­tulos comentados en esta serie. Pero sí­ que tiene cabida en las categorí­as de mejor actriz (Abbie Cornish), mejor guión original, mejor dirección artí­stica, mejor vestuario y mejor fotografí­a.

Os mantendremos informados sobre cómo le van las cosas a este film.

MALDITOS BASTARDOS

Terminamos este serial, a no ser que surja algún tí­tulo sorpresa durante las próximas semanas, con Malditos Bastardos de Quentin Tarantino, cinta que ha cosechado un gran éxito de público y con la que Tarantino ha conquistado a la crí­tica, especialmente a la norteamericana.

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La séptima pelí­cula de Quentin Tarantino, sin contar My Best Friend’s Birthday y sus aportaciones a Four Rooms y Sin City, se sitúa en la Europa convulsa por la Segunda Guerra Mundial y narra dos historias, la primera está protagonizada por un grupo de prisioneros judí­os, capitaneado por el teniente norteamericano Aldo Raine, que se dedican a cazar nazis, y que colaborarán en un complot contra la cúpula nazi. Y la segunda narra la historia de una joven judí­a que busca vengar la muerte de su familia a manos de un grupo de nazis liderado por el Coronel Hans Landa, al que todos llaman el  “caza judí­os”.

El viejo proyecto que se convierte en todo un éxito

Después de ganar con Pulp Ficion la Palma de Oro de Cannes y el Oscar al mejor guión original, con este film también obtuvo una candidatura en el apartado de mejor dirección. Quentin Tarantino ha seguido labrándose su imagen de icono pop, a pesar de su gran número de detractores, con tí­tulos como Jackie Brown, el dí­ptico Kill Bill o Death Proof, su aportación al proyecto levantado junto a Robert Rodrí­guez, Grindhouse. Salvo este último, los tí­tulos de Tarantino han sido muy bien acogidos por la crí­tica y el público, aunque su impacto cultural no ha alcanzado las cotas de Pulp Fiction.

A inicios de esta década, Quentin Tarantino comenzó a escribir el guión de Malditos Bastardos, una especie de spaguetti western ambientado en la Segunda Guerra Mundial. Para ello tomarí­a como referente la pelí­cula italiana de 1978 de Enzo G. Castellari Quel Maledetto Treno Blindato, o como se llamó internacionalmente, Inglourious Bastards, aunque en todo momento se ha querido aclarar que no se trata de un remake. Este proyecto iba a ser rodado en el año 2002, su protagonista iba a ser Michael Madsen, y se especuló con los nombres de Bruce Willis, Sylvester Stallone o Arnold Schwarzenegger, pero finalmente Tarantino se dio cuenta de que el film iba a ser mucho más grande de lo que habí­a pensado y decidió dejarlo reposar. Con los años lo pulió, lo redujo considerablemente porque lo que habí­a escrito daba para una trilogí­a. Finalmente la producción logró salir adelante gracias al apoyo de los hermanos Weinstein, habituales colaboradores de Tarantino, y la Universal. El film ha salido adelante con un presupuesto de 70 millones de dólares.

El reparto estarí­a encabezado por Brad Pitt, Universal exigí­a la presencia de una estrella para colaborar en la financiación de este proyecto, y le acompañarí­a un reparto internacional, Mélanie Laurent, Daniel Brühl, Eli Roth, Michael Fassbender, Diane Kruger y Christoph Waltz que se encargarí­a de encarnar al Coronel Hans Landa, para encarnar este papel se pensó en primer lugar en Leonardo DiCaprio.

El rodaje comenzó en octubre del 2008 con la intención de presentar el film en el Festival de Cannes, esta decisión le costó la negativa del compositor italiano Ennio Morricone, ya que consideraba que tení­a muy poco tiempo de margen para componer un score en condiciones, aún así­ Tarantino no renunció a la música de Moricone ayudándose de antiguas composiciones.

Quentin Tarantino es uno de los cineastas favoritos del Festival de Cannes. El certamen francés fue uno de sus descubridores con Reservoir Dogs, y ahí­ ganó la tan preciada Palma de Oro por Pulp Fiction, además el realizador tuvo el honor de presidir el jurado de la sección oficial en el 2004. Malditos Bastardos se presentó a concurso, y generó división de opiniones. Para la crí­tica Tarantino desplegaba una vez más su mejor talento como realizador y como escritor de diálogos brillantes. Se coincidí­a a la hora de definir este film como sumamente divertido pero para buena parte de la crí­tica internacional no estaba a la altura de sus mejores tí­tulos. Aunque como bien llegó a señalar el crí­tico de El Mundo, Luis Martí­nez, la peor cinta de Tarantino supera con creces a la mejor de muchos realizadores. Tarantino demostró en Cannes que nadie tiene su poder de convocatoria, y supo arrancar en varias ocasiones los aplausos de los presentes. Para todos lo mejor del film era Christoph Waltz en la piel del Coronel Hans Landa, él elevaba el nivel de la pelí­cula con cada aparición y pronunciaba sus diálogos más brillantes. Con toda justicia se llevó el premio al mejor actor del certamen.

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Malditos Bastardos se estrenó en los Estados Unidos el pasado 21 de agosto. Recibiendo muy buenas crí­ticas, obteniendo un 88% de crí­ticas positivas en Rotten Tomatoes y una media de 69 en Metacritic. El film se convirtió en un gran éxito de taquilla en los Estados Unidos, recaudando 120 millones de dólares, en todo el mundo ha recaudado 300 millones. Se ha convertido en la pelí­cula más taquillera de Tarantino, por encima de Pulp Fiction que recaudó 213 millones de dólares, pero Pulp Fiction costó ocho millones de dólares y Malditos Bastardos ha costado 70 millones.

El éxito de crí­tica y público que Malditos Bastardos ha cosechado en los Estados Unidos ha sido fundamental para que The Weinstein Co haya iniciado una campaña para promocionarla de cara a los Oscars, y más ahora que algunos de los tí­tulos a priori fuertes de esta temporada están empezando a demostrar su debilidad. En este momento la compañí­a capitaneada por los hermanos Weinstein promociona entre otras las candidaturas de Brad Pitt como mejor actor, Mélanie Laurent como mejor actriz, Hans Landa como mejor actor de reparto y Diane Kruger como mejor actriz de reparto. De estos cuatro intérpretes, el que tiene serias opciones es el austriaco Christoph Waltz, cuyo trabajo ha sido calificado como una de las mejores interpretaciones del año.

Malditos Bastardos ha sido señalado uno de los mejores tí­tulos del año según la National Board of Review y opta a dos Golden Satellite, mejor actor de reparto (Christoph Waltz) y mejor fotografí­a.

Opciones en los Oscar

Como bien señalé antes, la debilidad de ciertos tí­tulos a priori fuertes, como The Lovely Bones de Peter Jackson, podrí­an beneficiar a Malditos Bastardos en su entrada en los Oscars. Y tendrí­a opciones de figurar en los apartados de mejor pelí­cula, mejor dirección, mejor guión original, mejor actor de reparto (Christoph Waltz), mejor montaje,  mejor sonido, mejor dirección artí­stica y mejor vestuario.

Os iremos contando cómo le van las cosas a Malditos Bastardos.

AVATAR

Recuperamos momentáneamente el serial For Your Consideration para hablar de Avatar de James Cameron. El film que supondrá un antes un después en la filmación en 3D se estrenará el próximo viernes 18 de diciembre. Hay muchí­simas expectativas en torno a esta cinta, pero también es verdad que desde que se han presentado los diferentes avances, se ha generado cierta sensación de decepción. Las primeras crí­ticas no hacen más que alabar este espectáculo audiovisual que nos ha ofrece James Cameron.

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El octavo largometraje de James Cameron se ambienta en un futuro lejano. El protagonista es Jake Sully, un veterano de guerra que ha quedado parapléjico y que es seleccionado para participar en el programa Avatar, con el que podrá volver a andar. El joven será trasladado a Pandora, la luna de un planeta recientemente descubierto que se llama Polythemis. Pandora alberga una gran cantidad de recursos y tesoros y está habitada por los Na’vi. La raza humana se encuentra en guerra con los indí­genas y para poder infiltrarse entre ellos la mente de Jake y otros soldados será trasladada a los cuerpos de unos Na’vi creados genéticamente, los llamados avatares. Con el tiempo, Jake se enamorará de una hembra Na’vi, Neytiri, y será aceptado por su clan, algo que le hará plantearse por el sentido de su misión.

El cine del futuro

Avatar surgió hace 15 años, antes de que se rodase Titanic, con la que James Cameron ganó 11 Oscars y se autoproclamó el Rey del Mundo. El realizador escribió un texto, mitad guión, mitad novela, de unas 220 páginas, sobre una raza aliení­gena con forma humanoide cuyas emociones eran tan transparentes que podí­an ser fácilmente comprendidas. Para ello no querí­a crear una caracterización a base de maquillajes sino que querí­a basarse en el CGI, en las imágenes generadas por ordenador. Pero consideraba que la tecnologí­a, a pesar de haber avanzado a pasos agigantados en las últimas décadas, aún no estaba preparada para hacer lo que querí­a con Avatar.

Tras rodar Titanic, Cameron decidió centrarse en elaborar el guión de Avatar, y para ello se inspiró en todos libros de ciencia ficción que leyó siendo un niño, especialmente en la serie literaria John Carter creada por Edgar Rice Burroughs. Y tení­a claro que querí­a narrar cómo las civilizaciones occidentales suplantan a las culturas indí­genas ya sea con formas de genocidio pasivo o activo. La producción de Avatar comenzó en verano de 1997 y Cameron contarí­a con sus asociados de Digital Domain, la compañí­a de efectos especiales.

Transcurrieron ocho años y Cameron tanteó una serie de proyectos como la adaptación del manga Alita. Ángel de Combate de Yukito Kishiro, pero finalmente se decidió por llevar de una vez por todas a la gran pantalla Avatar, después de los avances tecnológicos a la hora de crear personajes generados por ordenador, como por ejemplo, Gollum, King Kong y Davy Jones.  Pulió el guión y contó con la colaboración de Paul Frommer, lingüista y director del Centro de Gestión de Comunicación de la Universidad de Sur de California, con el que desarrollarí­a el lenguaje y la cultura de los Na’vi, la raza indí­gena de Pandora.

La intención inicial era tener el film listo para el verano del pasado año, pero decidió retrasar la producción para dar más tiempo a los cines de todo el mundo para instalar los proyectores de tecnologí­a Cine RealD e IMAX 3D. Además de contar con Digital Domain también colaboró con la compañí­a de efectos especiales Weta Digital, y llegó a contar una vez más con Stan Winston, fallecido en junio del pasado año, para los diseños del film. Para el rodaje de esta pelí­cula Cameron contó con cámaras estereoscópicas, desarrolladas por él y Vince Pace, que consisten en unir en un mismo aparato a dos cámaras de alta definición con el fin de crear la percepción de profundidad. Además emplearí­a la técnica de captura de movimiento, tal y como se ha hecho en otros proyectos, pero con una diferencia fundamental y es que en Avatar el entorno digital no se añade a posteriori sino que se hací­a en tiempo real. Con la nueva tecnologí­a, Cameron podí­a observar directamente en un monitor cómo los actores interactuaban con el escenario digital. Otro de los adelantos técnicos que presenta Avatar tiene que ver con la captura de movimiento de los actores, especialmente con las expresiones faciales. A los actores se les colocaba un pequeño gorro, que tení­an una cámara adherida a la altura de la frente, y con ella se recopila todo tipo de información sobre sus expresiones faciales y los ojos, que luego se transmitirá a los ordenadores. De esta manera, Cameron intenta transferir el 95% de las interpretaciones de los actores a sus réplicas digitales.

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Para encabezar el reparto el director se fijó en el australiano Sam Worthington, intérprete que después de rodar Avatar ha encadenado proyectos de campanillas, no querí­a a ninguna estrella que encabezara el reparto para ajustarse al presupuesto. Le acompañarí­an Zoe Saldaña, a la que hemos visto recientemente en Star Trek, Stephen Lang, Sigourney Weaver, que se reencuentra con Cameron después de rodar Aliens, Michelle Rodrí­guez, Giovanni Ribisi y Matt Gerald. El rodaje de la pelí­cula comenzó en abril de 2007 y se rodó en Los Ángeles, Nueva Zelanda y en el Golfo de México.

Se han barajado varias cifras sobre su presupuesto, según la Fox, Avatar ha costado 237 millones de dólares y se han invertido otros 150 millones para la promoción. Pero hay quienes señalan que los gastos totales ascienden a 500 millones de dólares. Si esta pelí­cula logra convertirse en un éxito se rodarán nuevas entregas.

Está claro que Avatar es uno de los films más esperados de este año. En agosto se dieron a conocer las primeras imágenes de esta cinta, antes se vieron unos avances en Amsterdam y en el Comic Con de San Diego. Junto al estreno del tráiler se proyectó en una serie de cines en 3D un avance de 15 minutos para unos cuantos afortunados. Durante estos cuatro meses hemos estado asistiendo a la presentación de nuevos tráilers y clips, que sumados a la constante presencia de James Cameron en los medios ha creado una sensación de cansancio en el personal.

El pasado viernes Avatar se presentó ante la crí­tica. Y la primeras reacciones han sido muy positivas, mejores de lo esperado. Y algunos de los crí­ticos más influyentes de los Estados Unidos, como Todd McCarthy de Variety, Roger Ebert de Chicago Sun-Times, Owen Gleiberman de Entertainment Weekly, Michael Phillips de Chicago Tribune o Kirk Honeycutt de The Hollywood Reporter no han dudado en elogiar este film. Y consideran que supera cualquier tipo de expectativas al proporcionarnos lo nunca visto en una pantalla de cine. Ese mismo dí­a se celebró una premiere en Londres y el éxito fue rotundo, y se tuvo claro que se estaba ante una pelí­cula que marcará un antes y un después en la historia del cine.

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Hasta el momento cosecha un 91% de crí­ticas positivas en Rotten Tomatoes y cosecha una media de 89 en Metacritic.

Mañana conoceremos las nominaciones a los Globos de Oro, el pase ante la Asociación de Prensa Extranjera fue recibido de una manera excelente así­ que es lógico pensar que tendrá una representación en las candidaturas a estos premios. Hasta el momento, Avatar se ha alzado con el premio a la mejor pelí­cula que han concedido los crí­ticos online de Nueva York y opta a nueve de los premios que otorgan los Critic’s Choice.

Opciones en los Oscar

Avatar ha entrado con fuerza en los Oscar, después de la excelente reacción que ha tenido la crí­tica, además es un tí­tulo que en este momento tiene todas simpatí­as de los gremios técnicos. Así­ que no es de extrañar que Avatar tenga serias opciones de estar en las siguientes categorí­as: mejor pelí­cula, mejor dirección, mejor fotografí­a, mejor montaje, mejor sonido, mejor montaje de sonido, mejor dirección artí­stica, mejores efectos visuales y mejor música, esto lo menciono en último lugar puesto que James Horner ha vuelto a tirar de archivo, pero no me extrañarí­a que resultase nominado. Eso sí­, la canción interpretada por Leona Lewis no creo que pase del 8,25 exigido.

Mary Carmen Rodrí­guez

Soy iconódula y oscarnallóloga.

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