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CAMINO AL OSCAR 2012. FOR YOUR CONSIDERATION

Analizamos las películas que aspiran a convertirse en protagonistas de la próxima edición de los Oscars

Escrita por: Mary Carmen Rodrí­guez | 28 octubre | 12:00 AM


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CAMINO AL OSCAR 2012. FOR YOUR CONSIDERATION

Estamos a un mes para que arranque de manera oficial la carrera hacia los próximos premios Oscars. Este año la Academia ha introducido una variación en el apartado de mejor película, por lo que tendremos entre cinco y diez candidatas a la estatuilla, en función del porcentaje de votos que obtengan. A esta novedad se le suma que esta temporada está llena misterios. No hay un claro favorito y se está dando por hecho que Caballo de Batalla de Steven Spielberg lo tiene todo para arrasar en la próxima edición de los Oscars, porque es Spielberg y no puede fallar. En los últimos meses se han debilitado algunos de los títulos que venían asociados a la expresión “For Your Consideration”, como son Albert Nobbs de Rodrigo García, la gran víctima de Telluride y Toronto o Un Método Peligroso de David Cronenberg, y se han reforzado las opciones de otros títulos como pueden ser Moneyball de Bennett Miller o el gran éxito de los últimos meses, Criadas y Señoras de Tate Taylor. Además la experiencia del pasado año nos hace pensar en que la influencia de webs y de blogs especializados en premios probablemente no sea tan fuerte. El pasado año la película de consenso era La Red Social de David Fincher que arrasó en los premios de las diferentes asociaciones críticos y que también triunfó en los Critic’s Choice y en los Globos de Oro, pero una vez que comenzaron a pronunciarse los diferentes gremios fue derrotada por El Discurso del Rey de Tom Hooper, que posteriormente se convertiría en la gran triunfadora de los Oscars.

The Artist de Michel Hazanavicius

Al igual que ha sucedido en los últimos dos años, se inicia en Las Horas Perdidas una serie dedicada al análisis de aquéllas propuestas que pretenden convertirse en las protagonistas de la campaña. La primera entrega se la dedicamos a la gran sorpresa de este año, la francesa The Artist de Michel Hazanavicius, que a juicio de los especialistas en un momento en el que no hay grandes favoritas podría convertirse en una seria aspirante al Oscar a la mejor película.

La cuarta película del realizador francés Michel Hazanavicius se sitúa en el Hollywood del año 1927, en los tiempos en los que el cine mudo tiene las horas contadas. La gran estrella del cine mudo, George Valentin caerá rendido ante los encantos de Peppy Miller, una joven bailarina a la que introducirá en el mundo del cine. Con la llegada del cine sonoro, George Valentin entrará en declive, y Peppy Miller se convertirá en una gran estrella.

La revelación del año

El realizador Michel Hazanavicius es muy conocido en Francia gracias a sus trabajos para la televisión y a la serie de películas protagonizada por el superagente OSS-117 en donde se parodiaba a la saga Bond. Siempre ha sido un gran aficionado al cine mudo y le entusiasmaba la idea de rodar una película muda, pero era consciente de que era un proyecto arriesgado. Aun así no cesó en su empeño de rodar un título de estas características y comenzó a buscar una historia y qué mejor que hablar del ocaso de una gran estrella cuando llega el cine sonoro. Tenía dos protagonistas en mente, Jean Dujardin y su esposa, Bérenice Bejo, con ambos había trabajado en OSS-117. Escribió el guión en cuatro meses y para ello se empapó de la biografía de directores y estrellas de la época. Convencer a Jean Dujardin no fue tarea fácil, porque este proyecto le parecía una locura, pero cuando el actor leyó el guión quedó conmovido y aceptó. Para poner en pie el proyecto fue fundamental la figura de Thomas Langmann, productor que ha intervenido en la exitosa saga de Astérix y Obélix y en L’Ennemi Public nº1. A él se le ocurrió la idea de rodar en el mismo corazón de Hollywood, en lugar de hacerlo en Ucrania. Para el film se utilizaron algunas localizaciones reales, claves del Hollywood de la época, como por ejemplo la casa de Mary Pickford. La cinta se rodó entre los meses de octubre y noviembre del 2010, con un presupuesto de doce millones de dólares, y en el film también intervienen James Cromwell, John Goodman, Malcom McDowell.

El Festival de Cannes la seleccionó a última hora para la 64ª edición del certamen. Pocos días antes de su presentación The Weinstein Co se hizo con los derechos de distribución para los Estados Unidos. The Artist se convirtió en la gran revelación del Festival de Cannes, y en una de las grandes favoritas para alzarse con la Palma de Oro, que finalmente fue a manos de Terrence Malick por El Árbol de la Vida. Para la crítica, Michel Hazanavicius había realizado una carta de amor al cine. Jean Dujardin se alzó con el premio al mejor actor. Prácticamente no tuvo rival.

En los últimos meses The Artist ha ido creciendo gracias a la gran aceptación que ha tenido en los festivales de Montreal, Telluride, Toronto, San Sebastián, en donde le bastó una sola proyección para alzarse con el premio del público, Nueva York o Londres. Es una cinta que ha sabido cautivar a los espectadores y a los críticos y que paulatinamente se ha ido convirtiendo en un título de consenso. En los Estados Unidos se estrenará el próximo 23 de noviembre. De momento su valoración en Rotten Tomatoes es del 93% y aún no ha sido puntuada en Metacritic.  En Francia se estrenó el pasado 12 de octubre con un gran éxito.

Roger Ebert dijo en Cannes que la interpretación de Jean Dujardin en The Artist tenía que llegar a los Oscars. En un año que se aventura de lo más reñido en la categoría de mejor actor protagonista, Dujardin se perfila como uno de los grandes aspirantes a la estatuilla. Toda una sorpresa. Hasta que recibió el premio al mejor actor en el Festival de Cannes, Dujardin era una gran estrella en Francia gracias a sus trabajos en comedia, tanto sobre los escenarios como en la pequeña y gran pantalla. Por su trabajo en OSS 117. El Cairo, Nido de Espías optó al Cesar en el año 2007. El factor sorpresa podría beneficiar a Michel Hazanavicius para figurar entre los candidatos al Oscar a la mejor dirección.

Opciones en los Oscar

Por su trayectoria The Artist se ha convertido en uno de los acontecimientos cinematográficos del año y ha pasado a ser la principal apuesta de los hermanos Weinstein de cara a los Oscars. Pero las relaciones entre Hollywood y Francia no son nada buenas, por su política de protección del cine galo en detrimento del cine proveniente de las grandes majors. Una cinta francesa no gana en la categoría de mejor película en lengua no inglesa desde el año 1993, la última fue Indochina de Régis Wargnier, pero en el año 2008 una producción francesa, La Vie en Rose de Olivier Dahan se alzó con dos estatuillas, mejor maquillaje y mejor actriz para Marion Cotillard. The Artist no ha sido la cinta escogida por Francia para ir a los Oscars en la categoría de mejor película en lengua no inglesa, sería absurdo ya que se trata de una película muda. Falta por ver si los académicos caen rendidos ante los encantos de esta película.

Si The Artist logra cautivar a la Academia podría conseguir las siguientes nominaciones: mejor película, mejor dirección, mejor actor (Jean Dujardin), mejor actriz de reparto (Bérénice Bejo), mejor guión original, mejor fotografía, mejor música, mejor dirección artística y mejor vestuario.

En las próximas semanas iremos viendo la evolución de The Artist.

Los Descendientes de Alexander Payne

La protagonista de nuestro segundo FYC es Los Descendientes de Alexander Payne que después de su presentación en el Festival de Telluride se ha convertido en una de las niñas mimadas de los especialistas.

La quinta película de Alexander Payne está basada en la novela homónima de la escritora Kaui Hart Hemmings y narra la historia de Matt King un hombre cuya mujer ha quedado en coma después de sufrir un aparatoso accidente, y que emprenderá un largo viaje junto a sus dos hijas, con las que no tiene muy buena relación, para buscar al hombre que mantenía una aventura con su esposa.

El regreso de Alexander Payne

Con su primera película, Citizen Ruth, estrenada en el año 1996, Alexander Payne comenzó a ganarse los favores de la crítica, algo que incrementó con sus siguientes títulos, Election, con la que fue nominado al Oscar como guionista, y A Propósito de Schmidt con el que se llevó el Globo de Oro al mejor guión. En el año 2004 estrenaría Entre Copas que contó con un gran apoyo de los especialistas. Arrasó en los premios de las asociaciones de críticos de mayor prestigio, se llevó dos Globos de Oro, pero en los Oscars Alexander Payne solamente pudo recoger el premio de mejor guión adaptado. Tras el éxito de este film, Payne se ha dedicado a explotar su faceta como productor en títulos como The Savages o la serie de televisión Hung, también participó como director en el film colectivo Paris, je t’aime y no ha dejado atrás su faceta de guionista, aunque podría habérsela ahorrado, ya que participó en Os Declaro Marido y Marido con el que fue nominado a un premio Razzie. En el 2007 comenzó a desarrollar con Fox Searchlight la adaptación cinematográfica de The Descendants, que se publicó ese mismo año, para escribir el guión contó con la colaboración de Nat Faxon y el Jim Rash, conocido por su interpretación del decano Pelton en la serie Community. Dos años después, George Clooney sería el elegido para dar vida al protagonista del film y le acompañarían la joven Shailene Woodley, Beau Bridges, Robert Foster o Matthew Lillard. El film comenzó a rodarse en marzo del pasado año.

Meses después de la finalización de su rodaje se rumoreó con la posibilidad de que participase en el Festival de Cannes, pero finalmente no se llegaron a confirmar. El lugar elegido para estrenar el film fue el Festival de Telluride, que en los últimos años se ha convertido en el mejor de los laboratorios para testar el posible éxito de una película y la recepción que tuvo Los Descendientes en este curioso certamen fue excelente. Crítica y público destacaron la inteligencia de Payne a la hora de combinar drama y comedia sin caer en el melodrama. La reacción en Toronto fue incluso más entusiasta. Tras su proyección el film recibió una standing ovation que duró aproximadamente veinte minutos. Después de Toronto participaría en el Festival de Cine de Londres y se encargaría de clausurar el de Nueva York. El éxito se repitió.

Los Descendientes se ha convertido en la principal apuesta de Fox Searchlight. Su estreno está previsto para el próximo 18 de noviembre. De momento tiene una valoración del 88% en Rotten Tomatoes y de 82 en Metacritic.

La crítica considera que Alexander Payne ha realizado su película más madura. Con Los Descendientes Payne podría estar de nuevo presente en los Oscars, él ya optó con anterioridad por el guión de Election y la dirección de Entre Copas y se llevó la estatuilla por el guión de la última. Por otro lado, George Clooney que ganó el Oscar al mejor actor de reparto por Syriana y que fue nominado al Oscar al mejor actor por sus trabajos en Michael Clayton y Up in the Air, ambos trabajos muy premiados por las asociaciones de críticos, podría lograr la que sería su cuarta nominación al Oscar por un trabajo interpretativo, recordemos que Clooney posee otras tres por la producción, dirección y el guión de Buenas Noches y, Buena Suerte, de momento ya ha sido premiado por el Festival de Cine de Hollywood. También se ha destacado mucho la interpretación de Shailenne Woodley. La joven actriz que está a punto de cumplir 20 años, conocida por su trabajo en la serie Vida Secreta de una Adolescente, se ha convertido en la gran revelación de este film y muchos apuestan por su nominación al Oscar a la mejor actriz de reparto. De momento Los Descendientes opta a tres premios Gotham, otorgados por la Asociación de Cineastas Independientes de la Costa Este de los Estados Unidos, mejor película, reparto y revelación para Shailenne Woodley.

Opciones en los Oscars

Para los especialistas Los Descendientes está muy bien posicionada para convertirse en una candidata de peso para los próximos Oscars. Pero corre el mismo riesgo que el anterior film de Payne, Entre Copas, que a pesar de contar con el respaldo de las asociaciones de críticos de mayor prestigio comenzó a a demostrar su debilidad cuando se pronunciaron los diferentes gremios.

En unos meses veremos si Los Descendientes se convierte en una candidata popular. Podría conseguir las siguientes nominaciones: mejor película, mejor dirección, mejor actor (George Clooney), mejor actriz de reparto (Shailene Woodley) y mejor guión adaptado.

Moneyball de Bennett Miller

Toca el turno de hablar de Moneyball de Bennett Miller. Una candidata cuyas opciones se han fortalecido en los últimos meses ya que hasta entonces todo parecía indicar que se iba a convertir en un nuevo desastre de la Sony.

La tercera película de Bennett Miller se centra en la figura de Billy Beane, director general de los Oakland Athletics que ideó toda una serie de sofisticados análisis informáticos para contratar a los jugadores ideales para cada puesto en su equipo de béisbol.

De grano en el trasero de la Sony a éxito

En el año 2004 Columbia Pictures se hizo con los derechos del libro Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game de Michael Lewis y se contrató a Stan Chervin para que escribiese el guión. Tres años después, Chervin había abandonado el proyecto, y se sumó a él Brad Pitt. Con la llegada del actor se contrató al guionista Steve Zaillan, ganador del Oscar por La Lista de Schindler, y al director David Frankel (El Diablo Viste de Prada). A inicios del 2009 Frankel cedía su puesto a Steven Soderbergh. Y todo parecía ir sobre ruedas. El film iba a rodarse en verano, con un presupuesto de 50 millones de dólares, pero cuatro días antes de que Soderbergh iniciara el rodaje, la Sony decidió cancelar el proyecto porque no estaba segura de que fuese funcionar. Esa era la versión oficial. La realidad era diferente. Al estudio no le gustaba nada el guión que había escrito Steve Zaillan, y que había sido modificado por Soderbergh. Y semanas después de que se suspendiera el proyecto se volvió a poner en marcha con la contratación de Aaron Sorkin, que meses antes se había encargado de escribir el oscarizado guión de La Red Social para el estudio. Una vez que el guión estuvo listo los productores comenzaron a buscar directores y el elegido fue Bennett Miller, que fue nominado al Oscar por Capote. La cinta producida por Brad Pitt, Michael de Luca, Scott Rudin y Rachael Horovitz comenzó a rodarse en julio del 2010, seguía teniendo un presupuesto de 50 millones de dólares, y completan el reparto Jonah Hill, en sustitución de Demetri Martin, Robin Wright y Philip Seymour Hoffman. Poco antes de que comenzara el rodaje, el director de fotografía Adam Kimmel fue detenido en Connecticut, se le acusaba de agresión sexual y posesión de armas, y fue sustituido por Wally Pfister, que poco después se llevaría el Oscar por Origen.

Si hace un año se tenía la sensación de que Moneyball no tendría muchas opciones para convertirse en un éxito, las impresiones comenzaron a cambiar cuando Miller presentó el film al estudio. La cinta fue seleccionada por el Festival de Toronto y tuvo una notable recepción. Se destacó mucho su ritmo e inteligencia y sobre todo la portentosa interpretación de Brad Pitt.

Moneyball
se estrenó en los Estados Unidos el pasado con unas excelentes valoraciones de 95% en Rotten Tomatoes y de en 87 Metacritic. Hasta el momento ha recaudado 67 millones de dólares.

Después de su buen paso por el Festival de Toronto la Sony ha pretendido convertir a Moneyball en La Red Social de este año. A su favor tienen las excelentes críticas y su más que aceptable respuesta por parte del público. Además de la dirección de Miller, que ya fue premiada en el pasado Festival de Hollywood, del guión y de la interpretación de Brad Pitt se ha destacado el trabajo de Jonah Hill en un papel bastante alejado de las comedias a las que nos tenía acostumbrados como Supersalidos o Cyrus.

Opciones en los Oscars

El pasado año la favorita de los especialistas fue La Red Social de David Fincher que arrasó en los premios de la crítica y todos pensamos en que iba a convertirse en la gran triunfadora de los Oscars. No fue así. Y no parece que Moneyball vaya a tener mejor suerte. Aunque sea uno de los títulos con mejor valoración del año no cuenta con los mismos apoyos que Los Descendientes de Alexander Payne y no ha tenido el mismo impacto mediático que tuvo el pasado año La Red Social.

Si Moneyball se convierte en un título popular una vez que comiencen a pronunciarse las diferentes asociaciones de críticos podría figurar en las próximas categorías: mejor película, mejor dirección, mejor actor protagonista (Brad Pitt), mejor actor de reparto (Jonah Hill), mejor guión adaptado, mejo música, mejor montaje y mejor sonido.

Midnight in Paris de Woody Allen

Después de conocer a tres películas que aspiran a tener un hueco en los próximos Oscars, toca hablar de Midnight in Paris de Woody Allen. Una aspirante lejana ya que fue la primera película de este año en presentar sus credenciales para los Oscars.

La cuadragésima película de Woody Allen cuenta la historia de un escritor norteamericano algo bohemio que ha viajado a París con su novia y que por las noches es transportado por arte de magia al París de los años 20 en donde conocerá a personajes fundamentales de la época.

El mayor éxito comercial de Woody Allen

Woody Allen mantiene desde hace décadas una relación de amor con Francia. Rodó la maravillosa escena final de Todos Dicen I Love You a las orillas del Sena y nunca ocultó su intención de ambientar una de sus películas en París. En el 2006 estaba preparado para rodar una comedia romántica protagonizada por Michelle Williams y David Krumholtz, pero el proyecto no salió adelante porque falló la financiación. Ese verano Allen rodaría en Londres El Sueño de Cassandra. Meses después el realizador neoyorquino alcanzaría un acuerdo con la productora Mediapro, de Jaume Roures, para rodar un film en Barcelona, Vicky Cristina Barcelona que se estrenó con éxito en el 2008. La cinta tuvo muy buen funcionamiento y eso propició que Gravier Productions, la compañía de la hermana del director, Letty Aronson, y Mediapro se aliaran para otros tres títulos, el primero fue Conocerás al Hombre de tus Sueños, el segundo, el que nos ocupa, y el tercero Nero Fidled, rodada en Roma y que se estrenará el próximo año. El rodaje de Midnight in Paris comenzó en julio del 2010. Su reparto está encabezado por Owen Wilson y le acompañan Marion Cotillard, Rachel McAdams, Léa Seydoux, Michael Sheen, Kathy Bates, Adrien Brody, Alison Pill, Tom Hiddleston, Corey Stoll, Marcial Di Fonzo Bo, Adrien de Van y no nos podemos dejar atrás a Carla Bruni, no siempre se tiene en un reparto a la Primera Dama de Francia.

Midnight in Paris fue seleccionada para la inaugurar la 64ª edición del Festival de Cannes. Y la recepción fue excelente. La crítica se había encontrado con el mejor Allen de los últimos años, el más lúdico e inspirado.

El éxito de Cannes no fue casual ni fruto de la cortesía. En Estados Unidos se estrenó el con una excelente valoración de 93% en Rotten Tomatoes y de 81 en Metacritic. Allen no convencía tanto a los críticos norteamericanos desde Balas sobre Broadway que se estrenó hace 17 años. Con distribución de Sony Pictures Classics la cinta se estrenó en los Estados Unidos el 20 de mayo, pocos días después de su presentación en Cannes. Al principio tuvo un estreno limitado y no tardó mucho en convertirse en un éxito gracias al boca a boca. Poco a poco fue llegando a todo el país y Midnight in Paris pasó a ser una de las sensaciones cinematográficas del verano. En Estados Unidos ha recaudado más de 55 millones de dólares, superando la barrera de los 40 millones de dólares que recaudó Hannah y sus Hermanas en el año 1986. La recaudación mundial de Midnight in Paris supera los 124 millones de dólares. Su presupuesto fue de 30 millones de dólares.

El éxito hizo que Midnight in Paris se convirtiese en el primer título del año en hacer campaña para los Oscars. La estrategia de Sony Pictures Classics se centra exclusivamente en la figura de Woody Allen. Hasta el momento Allen ha ganado tres Oscars, por la dirección y el guión de Annie Hall y por el guión de Hannah y sus Hermanas, y ha sido candidato a la estatuilla en otras dieciocho ocasiones, la última vez que optó al galardón fue en el año 2006 por el guión de Match Point.

Opciones en los Oscars

A pesar de ser una de las películas del año, con un rendimiento excelente, Midnight in Paris ha quedado muy lejana. Dependerá mucho del comportamiento de Sony Pictures Classics y de si consigue tener presencia en los premios de la crítica, sobre todo en los de las asociaciones más prestigiosas, y en los galardones de los gremios. Las opciones de figurar en las categorías de mejor película y mejor dirección son bastante débiles, mejor le podría ir en el apartado de mejor guión original.

El Árbol de la Vida de Terrence Malick

En este capítulo vamos a hablar de El Árbol de la Vida de Terrence Malick del que podríamos decir que es el título que mayor expectación ha despertado de este año y que mayores divisiones ha provocado.

El quinto largometraje de Terrence Malick hace un recorrido por la vida de una familia norteamericana de la década de los cincuenta, formada por el padre, un hombre severo, la madre, una mujer tierna y amorosa, y los tres hijos. Con el paso de los años, uno de los hijos, Jack, recordará ciertos momentos de su infancia y la influencia que éstos han tenido en su existencia, y en lo que representa en su vida espiritual el recuerdo de su familia.

El acontecimiento cinematográfico del año

En el año 1978 Terrence Malick estrena Días del Cielo, producida por la Paramount. El estudio había quedado muy contento con el film y le dio carta blanca para que desarrollase otro proyecto. Y Malick comenzó a gestar Q en donde hablaría del origen de la vida en La Tierra. Presentó el borrador a la Paramount y la respuesta que recibió no fue nada buena. El cineasta quedó muy tocado después de esta experiencia y se mantuvo retirado del cine durante aproximadamente dos décadas. En 1998 estrenó La Delgada Línea Roja con la que consiguió el Oso de Oro en el Festival de Berlín y fue nominado al Oscar en las categorías de mejor dirección y mejor guión adaptado. Nunca dejó atrás Q y en el 2005 presentó a la productora River Road un concepto de El Árbol de la Vida, y aunque a la compañía le pareció una locura no se pudo resistir. Ese mismo año se dio luz verde al proyecto, con la producción ejecutiva de Donald Rosenfeld, quien fuera presidente de Merchant Ivory Productions, y sería financiado por la compañía hindú Percept Picture Company. Entre sus protagonistas estarían Colin Farrell y Mel Gibson. Pero los financiadores se retiraron. Dos años después el proyecto volvería a reactivarse, con la entrada de Cottonwood Pictures. El reparto estaría encabezado por Heath Ledger y Sean Penn. Ledger falleció en enero de 2008 y sería reemplazado por Brad Pitt, que también ejercería de productor. El reparto estaría completado por Jessica Chastain, Hunter McCracken, Laramie Eppler y Tye Sheridan. El presupuesto de El Árbol de la Vida ha sido de 32 millones de dólares y su rodaje comenzó en la primavera de 2008.

El Festival de Cannes se interesó desde el primer momento por El Árbol de la Vida. El certamen ya premió a Malick por la dirección de Días del Cielo y no podía dejar escapar la que sin duda es una de las películas que mayor expectación había despertado en los últimos años. Para la edición del 2010 la dirección de Cannes inició sus negociaciones con la distribuidora Apparittion, dependiente de la productora del film, River Road Entertainment, para estrenar El Árbol de la Vida. Para ello, Malick les envió una primera versión del montaje que encantó al equipo capitaneado por Thierry Fremaux, pero a última hora el realizador dijo que la película no estaba terminada. Su ausencia en el Festival de Cannes del pasado año coincidía con la noticia de la pérdida de su distribución, ya que Apparittion cerraba sus puertas después de la salida de uno de sus principales accionistas, Bob Berney antiguo jefe de Picturehouse. Meses después logró venderse los derechos de distribución en los Estados Unidos a Fox Searchlight. Una vez terminada la película, Cannes se aseguró su estreno mundial aunque la distribuidora británica Icon Entertainment estuvo a punto de amargarle la exclusividad, ya que filtró a Empire que el estreno en el Reino Unido sería días antes de su presentación en Cannes. En pocos días, Summit Entertainment, que es quien controla la distribución internacional de El Árbol de la Vida, mandó a paralizar la distribución en el Reino Unido del film porque entendía que Icon Entertainment se saltaba una de las cláusulas contractuales. Semanas después un Tribunal de arbitraje de Los Ángeles daba la razón a Summit Entertainment. Fox Searchlight se encargaría finalmente de la distribución en el Reino Unido.

Superados los problemas de posproducción y de distribución El Árbol de la Vida se estrenó finalmente en el Festival de Cannes. Sin duda alguna fue el título que marcó la edición, de hecho muchos cronistas se quedaron sin ver el film. La reacción de la crítica fue muy dispar, al finalizar la proyección se pudieron escuchar tantos abucheos como aplausos. Para unos era un conmovedor ejercicio cinematográfico y para otros una ida de olla. El film acabaría obteniendo la Palma de Oro.

Con la resaca del triunfo en Cannes, El Árbol de la Vida se estrenó de manera limitada en los Estados Unidos el 27 de mayo. Obtuvo unas críticas bastante positivas, tiene una valoración media de 84% en Rotten Tomatoes y de 85 en Metacritic. En el mes de julio tuvo un estreno mayoritario y llegó a recaudar 13 millones de dólares. La recaudación mundial de El Árbol de la Vida supera los 54 millones de dólares.

El Árbol de la Vida es un título que no ha dejado a nadie indiferente y eso se ha podido comprobar en las salas. Algunos cines, después de las quejas de algunos espectadores, decidieron advertir que se trataba de un film muy especial y que no devolverían el dinero de la entrada, al mismo tiempo pedían que se mantuviera respeto durante las proyecciones. Esto no solo sucedió en los Estados Unidos sino que se ha repetido en muchos otros países. No solo críticos y espectadores han cuestionado El Árbol de la Vida sino que uno de sus protagonistas, Sean Penn, también lo ha hecho. El intérprete, que ya trabajó con Malick en La Delgada Línea Roja, se ha quejado del resultado final del film. Aunque alaba su gran belleza considera que no está narrada de una manera clara y que en la gran pantalla no ha podido quedar plasmada la emoción que sintió al leer el guión.

Además de la Palma de Oro de Cannes, El Árbol de la Vida recibió el Gran Premio FIPRESCI (Federación Internacional de Críticos de cine) como la mejor película estrenada a lo largo de este último año, o mejor dicho, como el mejor film estrenado en los certámenes de clase A. También se llevó los premios del Festival de Cine de Hollywood a la mejor actriz revelación para Jessica Chastain y a la mejor fotografía para el mexicano Emmanuel Lubezki, y tiene una nominación a los premios Gotham.

Opciones en los Oscars

Sin duda alguna El Árbol de la Vida es el título que más ha marcado este año. Pero aunque Fox Searchlight está haciendo campaña por ella su carácter polémico le ha restado muchísima popularidad. También se estrenó el pasado mes de mayo y ya sabemos que los académicos tienen memoria a corto plazo. Dependerá mucho del comportamiento de las asociaciones de críticos para revitalizarla. Si triunfa la campaña de El Árbol de la Vida podría conseguir las siguientes candidaturas: mejor película, mejor dirección, mejor actor de reparto (Brad Pitt), mejor actriz de reparto (Jessica Chastain), mejor guión original, mejor fotografía, mejor dirección artística, mejor diseño de vestuario y mejores efectos visuales.

J. Edgar de Clint Eastwood

Hoy se estrena en los Estados Unidos J. Edgar de Clint Eastwood. El biopic del primer director del FBI, J. Edgar Hoover, es en teoría una de las grandes apuestas de la Warner aunque su acogida no ha sido la esperada.

La trigésimo tercera película de Clint Eastwood retrata la figura de J. Edgar Hoover que con 29 años se encargó de reorganizar el FBI y que se mantuvo al frente de la institución hasta su muerte en el año 1972, sobrevivió a siete presidentes y ninguno tuvo el valor de destituirle. Hoover se convirtió en una de las figuras más poderosas y temidas de la historia de los Estados Unidos.

El factor biopic

En el año 2008 Clint Eastwood estrena El Intercambio que contaba con la producción del tándem formado por Brian Grazer y Ron Howard. Dos años después los productores volverían a encargar otro proyecto a Eastwood, el biopic de J. Edgar Hoover escrito por Dustin Lance Black, ganador del Oscar al mejor guión por Mi Nombre es Harvey Milk. Leonardo DiCaprio no tardó en hacerse con el papel de J. Edgar Hoover. En un primer momento se habló de Joaquin Phoenix como el encargado de interpretar a Clyde Tolson, mano derecha y presunto amante de Hoover, pero la información fue desmentida, finalmente el papel fue a parar a manos de Armie Hammer, una de las revelaciones de La Red Social de David Fincher. El reparto lo completarían Naomi Watts, Judi Dench, Josh Lucas, Ed Westwick, Jeffrey Donovan, Damon Herriman, Ken Howard y Gunner Wright. Esta producción de Imagine Entertainment, Malpaso y Warner Bros comenzó a rodarse en febrero.

Aunque Warner embargó las críticas hasta que se aproximase el estreno del film, semanas antes de su presentación en el AFI Fest se filtraron algunas reacciones nada positivas. El pasado 3 de noviembre inauguró con todos los honores la 25ª edición del Festival organizado por el Instituto de Cine Americano y su respuesta fue bastante fría. Todd McCarthy de The Hollywood Reporter lo resume bastante bien, “J. Edgar es un trabajo ambicioso con mucha fuerza que provoca reacciones enfrentadas: fascinación y repulsión por el personaje en el que se basa, la admiración por la destreza con la que el cineasta aborda las escenas más comprometidas del film y la impaciencia por un guión que deja entrever más de lo que muestra. Para McCarthy uno de los mejores aspectos de la película es que la relación entre Hoover y Clyde Tolson queda velada pero su trasfondo homosexual es evidente. Peter Debruge, de Variety, considera que el tratamiento que hacen Eastwood y Dustin Lance Black es demasiado respetuoso con J. Edgar Hoover y que habría sido de agradecer un enfoque más atrevido, más del estilo del mejor Oliver Stone. Scott Feinberg autor del blog The Race de The Hollywood Reporter nos comenta que la recepción respetuosa que se le dio en el AFI Fest contrasta con la calurosa acogida que han tenido otros títulos de este año como Midnight in Paris, Los Descendientes o The Artist y que no ve que muchos académicos pongan a J. Edgar en primera posición cuando rellenen sus papeletas dentro de unas semanas.

Hoy es su estreno limitado, el próximo viernes llegará al resto de los Estados Unidos y su valoración no está siendo nada buena. Tiene 45% de críticas positivas en Rotten Tomatoes y de 52 en Metacritic. Unas notas muy bajas para la que pretendía ser una de las películas de esta temporada. La mayoría de los críticos hablan de una seria decepción con este film.

Lo más cuestionado es el guión escrito por Dustin Lance Black, para la crítica se trata de un guión torpe y forzado. Quien se ha llevado más elogios es Leonardo DiCaprio, para algunos la suya es una de las interpretaciones del año. El actor podría lograr su cuarta nominación al Oscar después de ¿A Quién Ama Gilbert Grape?, El Aviador y Diamantes de Sangre, y de quedarse fuera de las candidaturas por sus trabajos en Revolutionary Road y Shutter Island. Otro que sale muy bien parado es Armie Hammer que podría lograr su primera candidatura al Oscar.

Opciones en los Oscars

J. Edgar era una de las principales apuestas para los Oscars. Una cinta diseñada para arrasar con candidaturas y premios. Se trata del biopic de una de las personalidades más siniestras del siglo XX, está dirigida por un cineasta de la talla de Clint Eastwood, ganador de cuatro Oscars por Sin Perdón y Million Dollar Baby, y su protagonista es Leonardo DiCaprio, una de las estrellas más respetadas del panorama actual. Aunque es una de las grandes apuestas de la Warner, la otra es Extremely Loud and Incredibly Close de Stephen Daldry, las malas críticas han hecho que su cotización haya bajado en picado. Las opciones que tiene J. Edgar de figurar en las categorías de mejor película y mejor dirección son bastante débiles, a no ser que se convierta en un título popular cuando se den a conocer las nominaciones a los Globos de Oro y obtenga un hueco en los premios de los gremios. Mejor se le presentan las cosas en los apartados de mejor actor (Leonardo DiCaprio), mejor actor de reparto (Armie Hammer), mejor dirección artística, mejor vestuario y mejor maquillaje.

El Topo de Tomas Alfredson

Nuestra nueva protagonista es El Topo de Tomas Alfredson que ha gozado de gran éxito de crítica y público en el Reino Unido desde que se estrenara el pasado mes de septiembre.

La quinta película de Tomas Alfredson adapta la afamada novela de John le Carré. El protagonista es George Smiley, un agente del servicio secreto británico que está a punto de retirarse, al que le encargan una misión especial, descubrir a un infiltrado entre las altas instancias del Servicio.

El distinguido toque británico

El novelista John le Carré publicó uno de sus grandes éxitos, El Topo, en el año 1974. La tercera de las cinco novelas protagonizadas por el agente George Smiley. Cinco años después de que la novela viese la luz la BBC produjo la miniserie Calderero, Sastre, Soldado, Espía, su traducción original, que estaba protagonizada por el gran Alec Guinness, que se llevaría posteriormente el premio BAFTA de televisión. Décadas después la productora Working Title encargó al dramaturgo y guionista Peter Morgan, nominado al Oscar por La Reina y El Desafío. Frost contra Nixon, una nueva adaptación de la novela. Pero después de escribir un primer borrador se tuvo que retirar por motivos personales aunque quedó vinculado al proyecto como productor ejecutivo. Se contrató posteriormente a Peter Straughan, guionista de la recientemente estrenada La Deuda o de Los Hombres que Miraban Fijamente a las Cabras, y en el verano del 2009 se fichó como realizador al sueco Tomas Alfredson, responsable de una de las mayores sorpresas que ha tenido el cine europeo en los últimos años, Déjame Entrar. Gary Oldman asumiría la responsabilidad de encarnar a George Smiley, que además de Alec Guinness ha sido interpretado por otro grande, James Mason. También participan en El Topo, Colin Firth, ganador del Oscar por El Discurso del Rey, Tom Hardy, John Hurt, Toby Jones, Mark Strong, Benedict Cumberbatch, Ciarán Hinds, David Dencik y Kathy Burke. Razones hay de sobra para decir que este film tiene el reparto del año. El rodaje comenzó en septiembre del pasado año.

A principios de verano ya comenzó a decirse que la adaptación cinematográfica de El Topo iba a ser una de las películas de este año. Participó en la sección oficial de la 68ª edición del Festival de Venecia. Fue uno de los títulos con mayor aceptación. Los críticos la recibieron una sonora ovación y consideraron que Alfredson había realizado un ejercicio cinematográfico brillante y que había bebido de los grandes thrillers de espionaje rodados en la década de los setenta, y se destacó la excelente interpretación realizada por Gary Oldman. A pesar de los elogios, El Topo se fue de vacío del Festival de Venecia, aunque a decir verdad, de cara a la promoción, no le hacía falta ningún galardón.

El 16 de septiembre, pocos días después de su paso por Venecia, se estrenó en el Reino Unido y el éxito ha sido extraordinario, hasta la fecha ha recaudado casi 22 millones de dólares (14 millones de libras), muchísimo más de lo pronosticado por los productores más optimistas. Aunque aún no se ha anunciado de manera oficial, hay intenciones de convertir a El Topo en una saga. Aprovechándose de las otras novelas protagonizadas por Smiley, Llamada para el Muerto, Asesinato de Calidad, El Honorable Colegial o La Gente de Smiley.

John le Carré que nunca ha bendecido las adaptaciones cinematográficas que se han realizado de sus obras está muy satisfecho con esta nueva versión de El Topo, y ha dicho que Alec Guinness no dudaría en aplaudir a Gary Oldman. La verdad es que el actor está logrando las mejores críticas de su carrera por un papel que él ha considerado como un regalo. El colofón podría ser su primera nominación al Oscar. El resto del reparto también se ha llevado los elogios de la crítica, especialmente Tom Hardy, Benedict Cumberbatch y Kathy Burke. También se ha destacado la realización del Alfredson, el guión, la dirección artística y la música firmada por Alberto Iglesias, que ya fue galardonada por el Festival de Cine de Hollywood. Opta a siete premios BIFA, los galardones del cine independiente británico: mejor película, mejor dirección, mejor actor (Gary Oldman), mejor actor de reparto (Tom Hardy), mejor actor de reparto (Benedict Cumberbatch), mejor actriz de reparto (Kathy Burke) y mejor contribución técnica para la dirección artística de Maria Djurkovic.

Es la principal apuesta de Focus, la división dedicada al cine independiente o de autor de la Universal. Su estreno en los Estados Unidos será el 9 de diciembre. De momento tiene una excelente valoración de 97% de críticas positivas en Rotten Tomatoes y aún no ha sido puntuada en Metacritic.

Opciones en los Oscars

El Topo viene avalada por su gran aceptación en el Festival de Venecia y por su excelente rendimiento en el Reino Unido. Aporta además el toque “british” que gusta tanto a los académicos. Pero el hecho de ser un thriller de espionaje le puede restar votos. Dependiendo de su funcionamiento en los Estados Unidos y de si se convierte en un título popular gracias a los premios previos a las nominaciones a los Oscars podría figurar en las siguientes categorías: mejor película, mejor dirección, mejor actor (Gary Oldman), mejor actor de reparto (Benedict Cumberbatch), mejor guión adaptado, mejor dirección artística y mejor música.

Criadas y Señoras de Tate Taylor

Hoy protagoniza esta serie una de las sorpresas de esta temporada, Criadas y Señoras de Tate Taylor. Su éxito la ha convertido en una de las propuestas más populares de esta edición.

La segunda película de Tate Taylor adapta la homónima novela de Kathryn Stockett y se sitúa en el Mississippi de los años sesenta. Su protagonista es Skeeter una joven sureña recién llegada de la universidad y que sueña con convertirse en escritora. Con tal propósito comenzará a entrevistar a las mujeres negras que han estado al servicio de las grandes familias de la ciudad.

El sleeper del año

Tate Taylor ha desarrollado su carrera en el mundo de la interpretación aunque nunca ha conseguido tener un momento estelar. Ha participado en series como Queers as Folk y Embrujadas y en películas como Soy Espía o Winter’s Bone. Hace tres años estrenó su primera película como director, la comedia Pretty Ugly People que no pasó de estreno limitado. Un buen día una de sus amigas, la escritora Kathryn Stockett, le pasó un manuscrito de su primera novela, Criadas y Señoras. A él le apasionó. se hizo con sus derechos para llevarla a la gran pantalla y comenzó a escribir el guión. La novela se publicaría en febrero de 2009 y se convirtió en un best seller. Al mismo tiempo Tate Taylor con la ayuda de la actriz Octavia Spencer, conocida por sus trabajos en televisión, intentaba levantar el proyecto. A finales del año conseguiría llegar a un acuerdo con Chris Columbus, Michael Barnatthan y Mark Radcliffe para producir el film. El reparto estaría formado por Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Octavia Spencer, Jessica Chastain, Ahna O’Reilly, Allison Janney, Mary Steenburgen y Sissy Spacek. Dreamworks financiaría el proyecto valorado en 25 millones de dólares. Su rodaje comenzó en julio del 2010.

Las últimas adaptaciones cinematográficas de los best sellers destinados al público adulto, principalmente femenino, como son Come, Reza, Ama dirigida por Ryan Murphy o Agua para Elefantes de Francis Lawrence no funcionaron nada bien en taquilla y se encontraron con la oposición de la crítica. Así que se esperaba que Criadas y Señoras fuese por el mismo camino. Pero no fue así. Sorprendentemente contó con la bendición  de la crítica que la consideró una cinta bienintencionada y que se apoyaba en las sólidas interpretaciones de su reparto, destacándose especialmente a Viola Davis, Octavia Spencer y Jessica Chastain. Consiguió una valoración de 75% en Rotten Tomatoes y de 62 en Metacritic. La cinta se estrenó en los Estados Unidos el pasado 10 de agosto y el boca a boca hizo que se convirtiera en la sorpresa de este verano, recaudando finalmente 167 millones de dólares.

Las grandes beneficiadas del éxito de Criadas y Señoras han sido sus actrices que fueron premiadas por la pasada edición del Festival de Cine de Hollywood. Especialmente Viola Davis y Octavia Spencer. La primera, a falta de ver qué ha hecho Meryl Streep en La Dama de Hierro o de que surja cualquier otra sorpresa, lidera las apuestas para alzarse con el Oscar a la mejor actriz. Esta intérprete forjada sobre los escenarios y que ya tiene dos premios Tony ya optó a la estatuilla a la mejor actriz de reparto por su trabajo en La Duda. La segunda también está muy bien posicionada en la categoría de mejor actriz de reparto, sería su primera nominación. Lo mismo se podría decir de Jessica Chastain, pero su omnipresencia a lo largo de este año podría hacer que se quede fuera de las nominaciones ya que también está siendo promovida como mejor actriz de reparto por otras tres películas, El Árbol de la Vida, La Deuda y Take Shelter.

Opciones en los Oscars

Probablemente Criadas y Señoras ha sido la primera película en garantizarse su plaza en las nominaciones a los Oscars. Debido a su éxito se ha convertido en una de las cintas más populares de esta edición, frente a otras que probablemente tengan más apoyos de la crítica o de los especialistas. No es de extrañar que logre algunas de las siguientes candidaturas: mejor película, mejor actriz (Viola Davis), mejor actriz de reparto (Octavia Spencer), mejor actriz de reparto (Jessica Chastain) y mejor vestuario.

Un Dios Salvaje de Roman Polanski

Hoy protagoniza esta sección Un Dios Salvaje de Roman Polanski. Una incógnita ya que a pesar de ser una de las propuestas más prestigiosas de esta temporada está teniendo una campaña muy tímida, prácticamente imperceptible.

La decimonovena película de Roman Polanski, ganador de un Oscar por El Pianista, adapta la homónima obra de teatro de Yasmina Reza. Y narra el encuentro entre dos matrimonios después de que sus hijos tuviesen una disputa en el colegio. Lo que parecía ser una reunión civilizada termina sacando lo peor de estos cuatro personajes.

El combate interpretativo del año

En el año 2008 se estrena en el Théâtre Antoine de París la obra Un Dios Salvaje de Yasmina Reza. Catorce años antes la autora estrenaría Arte. La obra cosechó un gran éxito internacional y fue galardonada con el Moliére, el Laurence Olivier y el Tony, los tres premios más importantes de la escena. Un Dios Salvaje seguía la estela de Arte y cosechó un gran éxito de crítica y público, aunque algo inferior al de su predecesora que se convirtió en todo un fenómeno teatral. Roman Polanski vio la obra en París y enseguida se interesó en llevarla a la gran pantalla. Escribió junto a Reza la adaptación cinematográfica mientras cumplía arresto domiciliario en Suiza. Para interpretar a las dos parejas protagonistas escogió a Jodie Foster, John C. Reilly, Kate Winslet y Christoph Waltz. Esta producción, en la que interviene la española Mediapro, comenzó a rodarse el pasado mes de enero, y su presupuesto está estimado en los 25 millones de dólares.

Sony Pictures Classics se hizo con su distribución en los Estados Unidos y programó su estreno en el Festival de Venecia. La acogida que tuvo en el certamen fue de lo más entusiasta. Polanski deslumbró con una puesta en escena milimétrica, rodó este film de 78 minutos en tiempo real, e hizo reír con un guión plagado de inteligencia, un caramelo para cuatro actores en estado de gracia. Algunos críticos consideraron que superaba a la obra original. Y aunque era una de las grandes favoritas para figurar en el palmarés no se llevó ninguno de los premios oficiales del certamen.

Después de Venecia se encargó de inaugurar el Festival de Nueva York y se proyectó en el certamen organizado por el Instituto de Cine Americano. En ambas plazas tuvo buen acogida aunque no generó nada de ruido.

En España se estrenará este viernes, ya lo ha hecho en Italia, y en Estados Unidos tendrá un estreno limitado el próximo 16 de diciembre. De momento tiene un 95% de críticas positivas en Rotten Tomatoes y un 75 en Metacritic.

Opciones en los Oscars

Para ser francos en la actualidad Un Dios Salvaje no tiene opciones en los Oscars. La tímida, por no decir nula, campaña promocional que está realizando Sony Pictures Classics ha hecho que los especialistas se hayan olvidado completamente de ella, a pesar de ser una de las mejores propuestas del año según los críticos. Cuando se dio a conocer que la compañía iba a distribuir el film en los Estados Unidos se tuvo la sensación de que se iba a implicar en su promoción, pero no está siendo así. La gran baza que tiene Un Dios Salvaje reside en su reparto. Sus intérpretes son muy respetados en el gremio de actores y podrían conseguir los apoyos suficientes para llegar a los Oscars. Pero hay otro problema, y es que la campaña creada por la distribuidora puede llevar a confusiones. Los cuatro actores están siendo promovidos en las categorías de reparto, y como los académicos tienen la libertad para situar a los candidatos en las categorías que estimen convenientes nos podremos encontrar con algunos que decidan seguir las pautas de las campañas promocionales, como sucedió en la pasada edición con Hailee Steinfeld con Valor de Ley y otros que no, tal y como pasó con Kate Winslet en The Reader. Esto podría conllevar a que se repartan los votos en las dos categorías y no obtener los suficientes para figurar como finalistas al Oscar.

Veremos qué sucede con ella.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte 2 de David Yates

Hoy vamos a hablar de Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte II de David Yates. La Warner se está esforzando mucho en promover el desenlace de la saga creada por J. K. Rowling para ver si consigue figurar en los próximos Oscars mucho más allá de las categorías técnicas.

En la quinta película de David Yates y última de la serie Harry Potter los jóvenes protagonistas, Harry, Hermione y Ron, tendrán que recuperar la espada de Gryffindor para encontrar y destruir los últimos horrocruxes. Mientras el temible Lord Voldemort está a punto adeñuarse definitivamente de Hogwarts para conseguir finalmente su objetivo que no es otro que matar a Harry Potter. La única esperanza que le quedará a Harry es encontrar los horrocruxes antes de que Voldemort lo encuentre a él. Y descubrirá una olvidada historia, la leyenda de las reliquias de la muerte, que podría dar al malvado Lord el poder definitivo. Pero el futuro de Harry está escrito desde que nació e incluye una misión para la que se ha estado preparando desde que llegó a Hogwarts, la batalla final contra Lord Voldemort.

El broche final

El 16 de noviembre del año 2001 se estrenó la adaptación cinematográfica de Harry Potter y la Piedra Filosofal, la primera entrega de la serie literaria creada por la escritora británica J. K. Rowling. Un acontecimiento muy esperado por la legión de seguidores de la saga. Su funcionamiento fue excelente y la crítica recibió muy bien este primer film que fue dirigido por Chris Columbus. El mismo realizador se encargaría de dirigir la segunda entrega, Harry Potter y la Cámara de los Secretos (2002). Y luego daría paso a otros directores como Alfonso Cuarón, responsable de la que es considerada la mejor entrega de la saga, Harry Potter y el Prisionero de Azkaban (2004), Mike Newell que dirigió Harry Potter y el Cáliz de Fuego (2005) y finalmente David Yates que ha dirigido el resto de entregas, Harry Potter y la Orden del Fénix (2007), Harry Potter y el Misterio del Príncipe (2009), y como la Warner decidió exprimir al máximo el desenlace decidió dividir Harry Potter y las Reliquias de la Muerte en dos partes, la primera se estrenó el pasado año y la segunda el pasado 15 de julio, casi diez años después de que Harry Potter llegase a los cines con el rostro del joven Daniel Radcliffe.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte (Parte 2) tuvo una excelente recepción de la crítica, un 96% en Rotten Tomatoes y 87 en Metacritic. Y solamente en los Estados Unidos recaudó más de 380 millones de dólares. La más taquillera de una saga que ha recaudado en todo el mundo un total que supera los 7.705 millones de dólares. Por votación popular recibió el premio a la mejor película en el Festival de Cine de Hollywood.

Opciones en los Oscars

La verdad es que la saga Harry Potter nunca ha tenido suerte en los Oscars. A lo largo de su historia ha cosechado nueve nominaciones y ninguna estatuilla. Y no ha pasado de figurar en las categorías de fotografía, música, dirección artística, vestuario y efectos visuales. Nada que ver con lo que sucedió con El Señor de los Anillos de Peter Jackson, la otra gran saga fantástica que nos ha dado el inicio del siglo XXI, cuyo estreno coincidió con el de Harry Potter y la Piedra Filosofal, y que fue premiada con un total de diecisiete Oscars y obtuvo otras trece nominaciones.

Warner espera que con el fin de la saga llegue el turno de obtener una recompensa de la Academia, y para ello ha iniciado una fuerte campaña promocional, que probablemente vaya a más porque las opciones de otra de sus apuestas, J. Edgar de Clint Eastwood, van en caída libre. Aunque la compañía promueve a Harry Potter en todos los apartados, incluso en los interpretativos, las opciones de figurar en la categoría reina son bastante débiles, y más ahora que ya no hay la obligación de rellenarla con diez películas. Pero no hay que subestimar esta candidata. Veremos cómo va evolucionando de aquí a que sean las nominaciones y si consigue figurar en algo más de lo acostumbrado.

Shame de Steve McQueen

Hoy protagoniza esta serie Shame de Steve McQueen. Es uno de los grandes favoritos de la crítica pero se ha convertido en uno de los títulos más controvertidos de esta temporada ya que ha recibido la calificación moral de NC-17, algo que con toda seguridad perjudicará a su campaña, pero la distribuidora Fox Searchlight quiere utilizar este hecho para atraer la atención de los académicos, sobre todo del sector más liberal.

La segunda película de Steve McQueen sigue a Brandon un atractivo joven neoyorquino que tiene serios problemas para controlar su vida sexual. Un buen día recibirá la visita de su hermana, una cantante con tendencias suicidas. Él se sentirá avergonzado de tener a su hermana cerca y se verá obligado a vagar por las calles de Manhattan en busca de sexo.

¿Víctima del NC-17?

Este Steve McQueen no tiene nada ver con el mítico protagonista de La Gran Evasión. Nacido en Londres en el año 1969 a mediados de la década de los noventa comenzó a destacar por sus trabajos en el mundo de la videocreación, la escultura y la fotografía. En 1999 fue galardonado con el prestigioso Premio Turner. En el año 2008 dirigiría su primer largometraje, Hunger, en donde narraría la huelga de hambre iniciada en el año 1981 por varios presos del IRA, y que le proporcionó la Cámara de Oro en el Festival de Cannes que le acreditaba como la mejor ópera prima exhibida en el certamen, también se alzó con varios galardones de la crítica, algo que también consiguió su protagonista, Michael Fassbender. Director y actor vuelven a unirse en Shame un drama que aborda la adicción al sexo. McQueen escribió el guión junto a Abi Morgan, autor de prestigio gracias a sus trabajos en televisión como las miniseries Sex Traffic, Tsunami: El Día DespuésWhite Girl y que también firma el guión de la inminente La Dama de Hierro. Con la producción de Iain Canning y Emile Sherman, los mismos que ganaron el Oscar con El Discurso del Rey, y un presupuesto de 6,5 millones de dólares la cinta comenzó a rodarse en enero en la ciudad de Nueva York. Carey Mulligan sería la elegida para interpretar a Sissy, la hermana con tendencias suicidas del protagonista, y completarían el reparto James Badge Dale, Hannah Ware, Amy Hargreaves y Nicole Beharie.

La película se estrenó en el Festival de Venecia y se convirtió en una de las más celebradas por los críticos, de hecho se le consideró la película más idónea para llevarse el León de Oro, ya que podría aprovechar mejor su triunfo en este certamen. Finalmente no se llevó el León de Oro pero sí que encontró representación en el palmarés ya que Michael Fassbender se alzó con la Copa Volpi al mejor actor. Shame se llevaría el premio de la crítica, el FIPRESCI.

Coincidiendo con su paso por el Festival de Venecia se presentaba en el Festival de Telluride, que como ya se ha comentado en anteriores ocasiones se ha convertido en un laboratorio para testar futuros éxitos. El film tuvo una gran respuesta, tanto por parte de la crítica como del público, y esto hizo que Fox Searchlight se interesase en conseguir sus derechos de distribución. Con los ecos de su buen paso por Venecia y Telluride, Shame se convirtió en uno de los títulos a tener en cuenta del Festival de Toronto, y sus proyecciones fueron unas de las más concurridas y celebradas de la edición. Para la crítica estaba claro, Shame es una de las películas de este año, algo que también se ha podido comprobar tras su paso por los festivales de Nueva York y Londres.

Shame ha sido comparada con Días sin Huella de Billy Wilder. Hace seis décadas Wilder quiso romper un tabú, hacer una película en donde se hablase del alcoholismo como una enfermedad y se topó con muchísimos problemas, la industria del alcohol presionó a la Paramount para que no estrenase el film y llegó a ofrecer a Billy Wilder la nada desdeñable suma de 5 millones de dólares, cinco veces más de lo que costó, a cambio de los negativos. El realizador no las tenía todas consigo para triunfar con este film pero lo hizo. La cinta se llevó cuatro Oscars, película, dirección, actor protagonista para Ray Milland y mejor guión y muchos cineastas decidieron seguir su ejemplo. En Shame se habla del descenso a los infiernos de un hombre por culpa de su adicción al sexo, algo que por lo general es tratado de una manera bastante frívola.

La cinta ha recibido la calificación de NC-17 ya que durante su metraje se pueden ver desnudos integrales, masculinos y femeninos, escenas de sexo, en solitario, en grupo u homosexuales y se insinúa la existencia de un incesto, este ha sido uno de los aspectos que más se han tenido en cuenta para recibir la calificación.  Pero Fox Searchlight lejos de apelar la decisión de la MPAA quiere utilizar este hecho para promover Shame diciendo que la calificación moral de NC-17 no debería ser considerado como algo negativo sino que señala que el film solamente es apropiado para un público adulto. Y durante su promoción se ha querido comparar a Shame con Cowboy de Medianoche de John Schlesinger  una cinta que a pesar de recibir en el año 1969 la calificación X se convirtió en un gran éxito de taquilla y se alzó con tres premios Oscars, en los apartados de mejor película, dirección y guión adaptado. La distribuidora también ha querido compararla con El Último Tango en París de Bernardo Bertolucci que en el año 1972 fue calificada X y aun así optó a dos Oscars, mejor dirección y mejor actor (Marlon Brando). Posteriormente se cambiaría el sistema de calificación por el que conocemos en la actualidad.

En los Estados Unidos Shame se estrenará el próximo 2 de diciembre de manera limitada. De momento tiene un 86% de críticas positivas en Rotten Tomatoes y una valoración de 94 en Metacritic.

Para la crítica el film contiene dos de las mejores interpretaciones del año, la de Michael Fassbender premiada en el Venecia y la de Carey Mulligan que fue galardonada en el pasado Festival de Cine de Hollywood. Shame opta a siete premios BIFA, los galardones del cine independiente británico: mejor película, dirección, guión, actor (Michael Fassbender), actriz de reparto (Carey Mulligan), contribución técnica (montaje) y contribución técnica (fotografía).

Opciones en los Oscars

Queda por saber qué sucederá en los Oscars. Fox Searchlight promueve a Shame en las siguientes categorías: mejor película, mejor dirección, mejor actor (Michael Fassbender), mejor actriz de reparto (Carey Mulligan), mejor guión original y mejor fotografía. Cuenta con el favor de la crítica y sobre todo con el beneplácito de los especialistas. A partir del próximo lunes comenzaremos a conocer qué se premia en las diferentes asociaciones de críticos, los primeros en pronunciarse serán los de Nueva York, que han querido adelantarse unas semanas. Veremos si se incrementa la popularidad de Shame y si de esta manera se ganan los favores de los académicos.

La Invención de Hugo de Martin Scorsese

Coincidiendo con su estreno en los Estados Unidos dedicamos este FYC a La Invención de Hugo de Martin Scorsese cuyas opciones se han visto refortalecidas en las últimas semanas después de cautivar a gran parte de la crítica.

La vigésimo tercera película de Martin Scorsese, sin contar su más que amplia filmografía en el mundo del documental, es una adaptación del best seller infantil La Invención de Hugo Cabret escrito e ilustrado por Brian Selznick. La acción se sitúa en el París de 1930 y el protagonista es Hugo un huérfano de 12 años que vive escondido en una estación de tren y que quiere resolver un misterio en torno a un robot roto.

El desafío de Martin Scorsese

En el año 2007 se publica La Invención de Hugo Cabret del escritor e ilustrador Brian Selznick. No tardó mucho en cosechar un gran éxito y un año después se convertiría en la primera novela en ganar la Medalla Caldecott, el galardón más importante en el mundo de la literatura infantil y juvenil norteamericana. Nada más publicarse el libro el productor Graham King se hizo con sus derechos cinematográficos y casi tres años después Martin Scorsese, que ya ha trabajado con King en anteriores ocasiones, como en Gangs of New York, El Aviador o la oscarizada Infiltrados, asumiría la dirección de este proyecto cuyo guión ha sido escrito por John Logan. Scorsese también ejercería de productor del film junto a Johnny Depp y Tim Headington. El reparto lo integrarían por Asa Butterfield (El Niño con el Pijama de Rayas), Chloë Moretz, Ben Kingsley, Jude Law, Ray Winstone, Emily Mortimer, Christopher Lee y Sacha Baron Cohen.

El rodaje del film arrancó en verano del año pasado. Se rodó en 3D y aunque a Martin Scorsese le entusiasmaba esta idea la filmación de La Invención de Hugo se convirtió en la comidilla de la industria ya que al realizador le costaba horrores adaptarse a este nuevo sistema y el presupuesto se acabó disparando hasta los 170 millones de dólares. Además Sony, que en un principio se comprometió a distribuir el film, cedió sus derechos a Paramount argumentando que los productores querían estrenar en Acción de Gracias y para ese día la distribuidora ya había programado el estreno de Arthur Christmas. Este fue un motivo más para calificar a La Invención de Hugo de título incómodo.

Las malas sensaciones que daba La Invención de Hugo cambiaron cuando una versión inacabada del film se estrenó por sorpresa en el Festival de Nueva York y la reacción fue de lo más entusiasta. La mayoría de los críticos la calificaron como una cinta llena de magia, espectacularmente filmada, con el mejor 3D hasta la fecha, y que es muchísimo más que una película infantil, una hermosa carta de amor a los pioneros del cine como Georges Méliès, que inspiró la novela de Brian Selznick. Para algún crítico La Invención de Hugo es lo mejor que ha rodado Martin Scorsese en los últimos años.

Con el buen sabor de boca dejado en el Festival de Nueva York, La Invención de Hugo se quitó de encima el aura de película destinada a convertirse en un sonoro fracaso y comenzó a ganar fuerza. Su estreno en salas llega con la bendición de los críticos. Ha obtenido 95% de críticas positivas en Rotten Tomatoes y 93 en Metacritic.

Opciones en los Oscars

Veremos cómo funciona La Invención de Hugo en la taquilla y cómo repercute eso a su posición en la carrera hacia el Oscar. No es desde luego la favorita, aunque ha sido muy bien acogida por los especialistas, pero está destinada a ser una de esas películas que acaparen un buen número de candidaturas, especialmente técnicas. La Invención de Hugo aspira a conseguir nominaciones en los siguientes apartados: mejor película, mejor dirección, mejor guión adaptado, mejor música, mejor fotografía, mejor montaje, mejor sonido, mejor vestuario, mejor dirección artística y mejores efectos visuales.

Millennium: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres de David Fincher

La serie Camino al Oscar. For Your Consideration ya está alcanzando su recta final y el capítulo de hoy está dedicado a Los Hombres que no Amaban a las Mujeres de David Fincher. La primera adaptación norteamericana que se ha realizado de la serie literaria Millennium creada por Stieg Larsson se ha convertido en una de las películas que mayor expectación ha levantado en el último año, y aunque le pese a David Fincher, en la principal apuesta de Sony de cara a los Oscars.

La novena película de David Fincher adapta la primera entrega de la trilogía Millennium. El protagonista es Mikael Blomqvist, un periodista que ha sido contratado por un rico industrial para que averigüe por qué su sobrina desapareció hace cuarenta años. Para ello contará con la ayuda de una joven hacker llamada Lisbeth Salander.

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Millennium llega a Hollywood

La trilogía Millennium se ha convertido en uno de los fenómenos literarios de la última década. Aunque lamentablemente su creador, el periodista y escritor sueco Stieg Larsson, no vivió para poder disfrutar del éxito de su obra. El ahora afamado autor falleció repentinamente el 9 de noviembre de 2004, dos meses antes de la publicación de Los Hombres que no Amaban a las Mujeres, y días después de finalizar la tercera entrega de lo que él había ideado como una serie, La Reina en el Palacio de las Corrientes de Aire. De la trilogía se han vendido más 60 millones de ejemplares en todo el mundo y se ha convertido en un referente a la hora de hablar de la novela negra nórdica. El cine no iba a quedar al margen de este fenómeno y en el 2009 se estrenaron tres películas basadas en la trilogía, Los Hombres que no Amaban a las Mujeres de Niels Arden Oplev, La Chica que Soñaba con una Cerilla y un Bidón de Gasolina de Daniel Alfredson, que también se encargaría de dirigir La Reina en el Palacio en las Corrientes de Aire, y un año después llegaría a la televisión en formato de miniserie, que recientemente ha sido premiada con el Emmy. Estos trabajos han tenido muy buena recepción internacional, de hecho Los Hombres que no Amaban a las Mujeres y recibió varios premios entre ellos el BAFTA a la mejor película en lengua no inglesa, y ha servido de plataforma para el lanzamiento de su protagonista, Noomi Rapace, a la que veremos próximamente en Sherlock Holmes: Juego de Sombras de Guy Ritchie y en la esperada Prometheus de Ridley Scott.

Estaba claro que tarde o temprano Hollywood iba a explotar ese filón llamado Millennium. Los primeros en mostrar su interés en adquirir sus derechos fueron Quentin Tarantino y Brad Pitt pero finalmente quienes se llevaron el gato al agua fueron Scott Rudin y David Fincher con el respaldo de la Sony, que se había quedado encantada con su anterior colaboración con ambos en La Red Social. Steve Zaillian, ganador de un Oscar por La Lista de Schindler sería el elegido para escribir el guión. Y se inició un larguísimo proceso de búsqueda de la actriz idónea para interpretar a Lisbeth Salander. Se habló de Carey Mulligan, Ellen Page, Kristen Stewart, Keira Knightley, Léa Seydoux, Emily Browning y hasta de la curvilínea Scarlett Johansson. Finalmente la elegida fue Rooney Mara. Una desconocida para el gran público pero que ya había tenido la oportunidad de trabajar con David Fincher en La Red Social. Menos costosa fue la elección de Daniel Craig para que interpretase a Mikael Blomkvist. El resto del reparto estaría integrado por Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Robin Wright, Joely Richardson, Embeth Davidtz, Goran Visnjic y Julian Sands. Con un presupuesto estimado en los 100 millones de dólares el rodaje comenzó en septiembre del pasado año.

Aún quedan unas semanas para que llegue a los cines norteamericanos. Se estrenará el 21 de diciembre y por el momento no ha sido valorada por los críticos. De la anti-película de estas navidades, así está siendo promovida por la Sony, tan solo se ha visto un avance de unos veinte minutos en el pasado Festival de Toronto y la sensación que dejó al personal fue francamente buena.

Opciones en los Oscars

Veremos qué sucede una vez estrenada Los Hombres que no Amaban a las Mujeres. Es la principal apuesta para los Oscars de Sony, muy por encima de las ya estrenadas Moneyball de Bennett Miller o Los Idus de Marzo de George Clooney. Aunque su dureza probablemente no despierte las simpatías de los académicos, de hecho, David Fincher ha bromeado con eso diciendo que en el film hay demasiadas violaciones anales para lograr la nominación al Oscar. El realizador que ya optó al Oscar por El Curioso Caso de Benjamin Button y La Red Social, y que era el gran favorito para llevarse la estatuilla con la segunda, afirmó en una entrevista a EW que no se está preparando para una nueva campaña al Oscar, aunque para La Red Social tampoco lo hizo, pero que en absoluto está en contra de hacer campaña si consigue con ello ayudar a los que están implicados en el film.

Sony ha conseguido que el Círculo de Críticos de Nueva York retrase un día sus premios para que puedan ver el próximo lunes Los Hombres que no Amaban a las Mujeres. El martes comprobaremos si la nueva película de Fincher ha logrado enganchar a esta prestigiosa asociación de críticos que pretende crear tendencia en la primera fase de los premios previos a los Oscars.

La campaña ideada por Sony pretender obtener las siguientes nominaciones: mejor película, mejor dirección, mejor actriz (Rooney Mara), mejor guión adaptado, mejor música, mejor fotografía, mejor montaje y mejor sonido.

Caballo de Batalla de Steven Spielberg

La penúltima entrega de la serie Camino al Oscar. For Your Consideration está dedicada a la película estrella de esta temporada, Caballo de Batalla de Steven Spielberg. Desde el primer momento se convirtió en una de las grandes favoritas para la próxima edición de los Oscars pero ¿estará a la altura de las expectativas?.

La vigésimo séptima película de Steven Spielberg adapta la afamada novela escrita por Michael Morpurgo. En los años de la Primera Guerra Mundial, la familia Narracott venderá al ejército a Joey, uno de sus caballos. Albert Narracott decidirá alistarse en el ejército, aunque sea aún muy joven, para encontrar a su caballo y llevarle de camino a casa.

¿Caballo ganador?

El escritor y ocasional guionista Michael Morpurgo publicó en el año 1982 la novela infantil Caballo de Batalla en donde quiso hablar de la Primera Guerra Mundial desde el punto de vista de un caballo, uno de tantos que fueron enviados al frente. La novela se convirtió en un éxito y con los años ha pasado a ser un clásico de la literatura infantil británica. Durante la década de los noventa recibió la proposición del productor Simon Channing Williams de llevar Caballo de Batalla a la gran pantalla. Escribió el guión y a lo largo de cinco años intentaron buscar financiación para levantar el proyecto hasta que finalmente decidieron desistir. En el 2007 Caballo de Batalla llegaría al teatro gracias a la adaptación del dramaturgo Nick Stafford. Al igual que la novela, la obra cosechó un gran éxito, convirtiéndose en todo un fenómeno cultural. Este año se estrenó en los escenarios de Broadway. Caballo de Batalla ha recibido dos de los premios teatrales más importantes del mundo, el Olivier y el Tony.

Hace dos años el matrimonio formado por los productores Frank Marshall y Kathleen Kennedy se quedaron maravillados cuando vieron la obra en Londres y decidieron hacerse con sus derechos y ofrecerle el proyecto a Steven Spielberg. Cuando Morpurgo vendió los derechos cinematográficos de la obra les comentó que Lee Hall, nominado a un Oscar por Billy Elliot y ganador de un Tony por el musical basado en el film de Stephen Daldry, acababa de escribir un adaptación de la Caballo de Batalla. Con el guión de Hall en la mano los productores decidieron retocarlo y para ello contrataron a Richard Curtis, nominado al Oscar por el guión de Cuatro Bodas y un Funeral, también es el director de Love Actually y creador junto a Rowan Atkinson de la genial serie La Víbora Negra. Curtis no estaba muy por la labor de trabajar en este proyecto pero finalmente acabó accediendo. El rodaje del film comenzó en agosto del pasado año con reparto encabezado por el joven Jeremy Irvine al que acompañan Peter Mullan, Emily Watson, Benedict Cumberbatch, David Thewlis, Toby Kebell, Geoff Bell, Tom Hiddleston, Celine Buckens y Patrick Kennedy. Su presupuesto es de 90 millones de dólares.

Cuando se anunció el proyecto se fijó su estreno para el pasado verano pero la Disney, encargada de su distribución, decidió aplazarlo a las navidades. En los Estados Unidos Caballo de Batalla se estrenará cuatro días después de que lo haga Las Aventuras de Tintín. El Secreto del Unicornio. De momento no hay valoración crítica en Rotten Tomatoes y Metacritic.

Opciones en los Oscars

Caballo de Batalla se convirtió automáticamente en la gran película de la próxima edición de los Oscars. Avales hay de sobra para que encabece todas las apuestas. Steven Spielberg que fue premiado con La Lista de Schindler y Salvar al Soldado Ryan se aproxima de nuevo a un conflicto bélico, en este caso la Primera Guerra Mundial, y juega con elementos con los que seguro se ganará el apoyo de los académicos.

Pero en las últimas semanas se ha comenzado a debatir sobre las verdaderas opciones de Caballo de Batalla en los Oscars. A principios de mes se celebraron las primeras proyecciones en varios cines de los Estados Unidos y aunque  abundaron las impresiones positivas, que la consideraban como una cinta hermosa y emotiva, sí que se destacó que no se encontraba entre las mejores películas realizadas por Steven Spielberg. Pero en los últimos días este debate se ha intensificado ya que han comenzado a pronunciarse los críticos y los especialistas. El primero en hacerlo fue Pete Hammond de Deadline, en donde la definía como una epopeya asombrosa y muy emocional, en absoluto alejada de La Lista de Schindler o Salvar al Soldado Ryan, en donde Spielberg ha bebido del cine épico realizado por David Lean, y la ve con serias opciones de triunfar en los Oscars ya que tal y como sucedió en la pasada edición con El Discurso del Rey los académicos siguen decantándose por las historias plagadas de buen sentimentalismo. Seguidamente le contestó Jeff Wells en Hollywood Elsewhere que Caballo de Batalla no debería ganar el Oscar a la mejor película ya que no está a la altura de lo que se espera de Spielberg y Kris Tapley de In Contention, aunque afirma que le ha gustado mucho Caballo de Batalla, considera que Spielberg se ha esforzado muy poquito en ella. Otro entusiasta del film es David Poland, de MCN, que considera que el film está muy por encima de las expectativas.

Todo parece indicar que Caballo de Batalla no vaya a ser muy considerada por las asociaciones de críticos, que preferirán decantarse por otros títulos como The Descendants de Alexander Payne o The Artist de Michel Hazanavicius,  pero que va a comenzar a demostrar su fortaleza cuando se den a conocer las nominaciones a los Globos de Oro, dentro de dos semanas, y se vayan pronunciando los diferentes gremios.

Caballo de Batalla podría aspirar a las siguientes nominaciones: mejor película, mejor dirección, mejor guión adaptado, mejor fotografía, mejor montaje, mejor música, mejor sonido, mejor montaje de sonido, mejor dirección artística y mejor vestuario.

Tan Fuerte, tan Cerca de Stephen Daldry

Terminamos la serie Camino al Oscar. For Your Consideration con Tan Fuerte, tan Cerca de Stephen Daldry. La cinta producida por Scott Rudin y que se encuentra entre las apuestas de la Warner se ha convertido en una de las grandes incógnitas de esta temporada ya que a día de hoy sigue sin estar terminada y se estrena en Navidad.

La cuarta película de Stephen Daldry adapta la homónima novela de Jonathan Safran Foer y narra la historia de Oskar Shell, un niño de nueve años cuyo padre ha muerto en los atentados del 11S. El chaval tiene una gran imaginación y un buen día descubre en su casa una llave que le ha dejado su progenitor y decide buscar por la ciudad de Nueva York la cerradura que abra la llave.

Hollywood vuelve a hablar del 11S

Stephen Daldry es un caso atípico en Hollywood ya que a pesar de no tener la relevancia de otros realizadores ha conseguido una nominación al Oscar por cada una de sus películas, Billy Elliot, en el 2001, Las Horas en el 2003 y The Reader en el 2009. También posee dos premios Tony por la dirección de An Inspector Calls y el musical Billy Elliot. Después de la conflictiva posproducción de The Reader, distribuida por The Weinstein Co, que acabó con la renuncia del productor Scott Rudin y con Daldry terminando el montaje del film a marchas forzadas, porque Harvey Weinstein quería estrenarla antes de que finalizara el 2008 y concurrir de esta manera a los Oscars. De eso hablamos largo y tendido en su día.

En el año 2005 se publica la novela de Jonathan Safran Foer, Extremely Loud and Incredibly Close, traducida en España como Tan Fuerte, tan Cerca, fue una de las primeras en hablar de los atentados del 11S, y aunque hubo críticos que la cuestionaron funcionó bastante bien a nivel de ventas. Scott Rudin se hizo con sus derechos para llevarla a la gran pantalla y para ello volvió a contar con Stephen Daldry. La intención de ambos era que el estreno del film coincidiese con el décimo aniversario de los atentados. Eric Roth, ganador de un Oscar por Forrest Gump, se encargaría de escribir el guión. El reparto lo encabezaría el debutante Thomas Horn y le acompañarían Sandra Bullock, Tom Hanks, Max Von Sydow, John Goodman, Jeffrey Wright y Viola Davis. El rodaje comenzó el pasado mes de marzo.

Daldry cuenta con antiguos y oscarizados colaboradores como Chris Menges, en la dirección de fotografía, Claire Simpson en el montaje y Ann Roth en la música. A última hora reclutó a Alexander Desplat para que firmase la banda sonora del film, en sustitución del inicialmente previsto Nico Muhly, que se encargó de componer la música de The Reader.

Tan Fuerte, tan Cerca se estrenará de manera limitada en los Estados Unidos el próximo 25 de diciembre y llegará a todo el país el 20 de enero.

Opciones en los Oscars

A día de hoy Tan Fuerte, tan Cerca es uno de los grandes misterios de esta temporada. La Warner la ha convertido en una de sus apuestas amparándose en los ingredientes que maneja la producción. Una historia basada en los sentimientos llevada a cabo por un director considerado por los académicos y producida por alguien del peso de Scott Rudin, que sabe orquestar campañas agresivas. Además es la opción que le queda al estudio, ya que J. Edgar de Clint Eastwood no está cuajando, la potente campaña de Harry Potter las Reliquias de la Muerte. Parte 2 probablemente no vaya a más y quién se acuerda de Contagio de Steven Soderbergh.

Hasta el momento se han realizado varias proyecciones en algunos cines de los Estados Unidos y aunque la reacción fue mayoritariamente positiva para algunos espectadores aún no es el momento para hablar de los atentados del 11S, han pasado cinco años del estreno de World Trade Center de Oliver Stone y de United 93 de Paul Greengrass. De las interpretaciones se destacó mucho la de Sandra Bullock, en su papel de madre del protagonista, aunque el que promete ser la estrella de Tan Fuerte, tan Cerca es Max Von Sydow. El actor sueco de 82 años y que fue nominado al Oscar por Pelle, el Conquistador interpreta al abuelo, un hombre que se quedó mudo durante la Segunda Guerra Mundial y que acompaña a su nieto en su búsqueda por la ciudad de Nueva York. Los que pudieron ver su interpretación consideran que el actor da una master class.

El viernes será el día en el que Tan Fuerte, tan Cerca sea exhibido a las asociaciones de críticos, se han quedado fuera Nueva York, que se pronunció hace unas horas, y la National Board of Review, que lo hará el jueves. Al igual que le sucede a Caballo de Batalla de Steven Spielberg Tan Fuerte, tan Cerca comenzará a demostrar su fortaleza cuando se den a conocer las candidaturas a los Globos de Oro, no es del tipo de película que se gane los favores de la crítica. En los Oscars la Warner aspirará a conseguir las siguientes candidaturas: mejor película, mejor dirección, mejor guión adaptado, mejor actor de reparto (Max von Sydow), mejor música y mejor fotografía.

Antes de dar por finalizada la serie Camino al Oscar. For Your Consideration quisiera agradeceros el interés que habéis mostrado por esta sección a lo largo de las últimas semanas.


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  • http://www.loqueyotediga.net Coronado

    Si los académicos se olvidan que es francesa y no americana, lo tiene todo para ganar.

  • elcinefago

    Perdonad, pero desde que salió el trailer de The Artist, no logro saber que musica es , la que aparece en la segunda mitad, se que la he oido y no se si es otra banda sonora, una clásica etc…me podríais decir de que musica se trata?, me pone los vellos de punto …..merci….

  • Mr Soprano

    Mary Carmen, en hora buena que se abre esta grandisima sección, año con año la sigo con entusiasmo, gracias por ponernos al día en todo esto

  • jacksbrain

    Enhorabuena Mary Carmen por volver un año más con este “For your consideration” De lo más instructivo para aprender de tejemanejes y campañas publicitarias hacia el oscar XD

    Yo vi the artist en san sebastián y me conquistó. No es revolucionaria, no es una jodida obra maestra, no inventa nada, pero lo tiene todo para conquistar al público con una buena campaña de boca-oreja. Veremos como se lo montan los Weinstein, pero no me importaría nada que se llevase incluso el de mejor pelicula (a falta de ver unas cuantas y sabiendo que Shame jamás podrá ni nominarse). Además, la banda sonora es una delicia. MUY RECOMENDABLE!

  • Presidente Burlett

    Mary Carmen, me encanta esta sección.

    ¡Acabas de inaugurar la temporada de premios!

  • Chernobog.

    La vi en Sitges y es UNA JODIDA JOYA, asi, como suena. Junto a Drive, de lo mejor de este año. IMPRESCINDIBLE.

  • Fare

    “La cuarta película del realizador francés Michel Hazanavicius se sitúa en el Hollywood del año 1927, en los tiempos en los que el cine mudo tiene las horas contadas. La gran estrella del cine mudo, George Valentin caerá rendido ante los encantos de Peppy Miller, una joven bailarina a la que introducirá en el mundo del cine. Con la llegada del cine sonoro, George Valentin entrará en declive, y Peppy Miller se convertirá en una gran estrella.”

    ¿Y luego qué? O sea, de qué trata la película. ¿Qué pasa cuando ella triunfa y él cae en desgracia? ¿Es un drama romántico?

  • Bracero

    Si digo que estoy deseando verla me quedaría corto corto

  • Thorrecillas

    Ufff siendo realista el ser una pelicula muda le pone muchas barreras para unos premios como los Oscars.