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‘Suburbicon’ mejor entrada de la semana en España

Coco y Perfectos desconocidos se mantienen fuertes a la cabeza de la taquilla española por segundo fin de semana consecutivo. La película de Álex de la Iglesia ha superado además, a día de hoy, el millón de espectadores, lo que es todo un logro.

Sin grandes novedades a nivel de taquilla, no es hasta el sexto lugar donde encontramos la primera entrada de la semana, Suburbicon, la última película dirigida por George Clooney sobre una barriada idílica de los 60 que oculta un lado tremendamente sórdido. Pese a contar con guión de los hermanos Coen y un reparto genial encabezado por Matt Damon y Julianne Moore, la película no ha tenido una acogida demasiado buena por parte de la prensa estadounidense y tampoco de la española.

La otra novedad, en noveno lugar, es El gran desmadre, la secuela de Malas madres, ahora con temática navideña. El trío formado por Mila Kunis, Kristen Bell y Kathryn Hahn repiten ahora junto a Cheryl Hines, Christine Baranski y Susan Sarandon. Mala respuesta de la prensa y peli que aquí no tendrá largo recorrido en cines.

TAQUILLA ESPAÑA
Coco 2,8 Mill. € 7,5 acum. 2 sem.
Perfectos desconocidos 2,4 Mill. € 6,5 acum. 2 sem.
Asesinato en el Orient Express 1,2 Mill. € 6,8 acum. 3 sem.
Wonder 1,0 Mill. € 2,6 acum. 2 sem.
Liga de la Justicia 0,5 Mill. € 6,5 acum. 4 sem.
Suburbicon 0,3 Mill. € 0,3 acum. 1 sem.
Dos padres por desigual 0,3 Mill. € 0,9 acum. 2 sem.
Paddington 2 0,2 Mill. € 1,4 acum. 3 sem.
El gran desmadre 0,2 Mill. € 0,2 acum. 1 sem.
Saw VIII 0,2 Mill. € 1,7 acum. 3 sem.
Fuente: Ministerio de Cultura

Javier Ruiz de Arcaute

Realizador audiovisual, protoguionista y co-fundador de esta santa web.

  • JPA
  • Gort322

    Buen viaje.

  • Dave Sancho
  • Félix Calvo

    ¿No hemos aprendido nada del cine de los 80? Es Navidad, para solucionar todo esto hay que cantar.
    https://www.youtube.com/watch?v=YVvkj7jL-RM

  • JPA

    PD. En la noticia de TAQUILLA USA aportaré mi granito de arena completando las efemérides del GRAN Rafaelgg. Hace ya 65 años del estreno de MOULIN ROUGE y 30 del de GOOD MORNING VIETNAM. Como anticipo, la maravillosa melodía de Georges Auric para la pelìcula de Houston y una pequeña muestra del descomunal talento de Robin Williams: https://youtu.be/Tr9faDVGyfw. https://youtu.be/jkM57ihoHNA

  • Belmondo

    Gracias Nacho por tus palabras.

    A ver, esta situación para mí ya no tiene recorrido. Aquí finaliza el tema ya que creo que se ha perdido la perspectiva. No hablo por ti ni por otros tantos que sé cómo piensan. Pero en muchas ocasiones tanto el sentido de pertenencia a un grupo como el propio medio (internet) hace que no nos demos cuenta de la gravedad de ciertas situaciones.

    Por ponerte de ejemplo una situación reciente. Tenemos el caso de Pierre. Estoy de acuerdo en muchos de los calificativos dirigidos hacia él y que se le ha “baneado” con todo merecimiento. Ahora bien, no olvidemos que lo que ha hecho el tipo ha sido intentar “espoilear” una película. Por mucho que nos pueda joder, ese es su “delito”. “Espoilear” una película.

    Por otro lado tenemos el caso de tu tocayo, que con premeditación y sin provocación reciente por mi parte ha contactado en dos ocasiones conmigo ya no sólo para insultarme. Si no para amenazarme físicamente, por mucho que lo haya intentado camuflar tácitamente.

    Porque ese es el tema, que no es el que el tío se haya calentado en una discusión. No. El pavo varias semanas después de nuestro último contacto decide totalmente en frío insultarme de todas las formas posibles y dejare caer la idea varias veces tanto de que alguien me dé de hostias, cómo de quedar conmigo en persona para que me dé cuenta que estoy equivocado.

    No sé cuál es tu concepto de ser buen tío, pero yo a ese pollo no le conozco de nada. Ni a él, ni a nadie de los que hay por aquí. Sólo puedo decir que no me parece muy buena señal estas actitudes de matón y acosador. Y que para mí no hay comparación posible entre un tío que quiere reventarme una película y otro que me amenaza con darme de hostias. Pero ni de lejos.

    Pero la realidad es la que es, así que como paso de estar en un sitio dónde se toleran este tipo de cosas, pues pelillos a la mar. Seguramente me dé pena no volver a tener charlas con algunos de vosotros, pero antes están mis principios.

    Un placer Nacho.

  • Nacho Traseira

    Bueno, mi caso es similar… yo con Nachop hace tiempo también tuve una riña “tocaya”, creo que por algo de política… y coño, fue también en parte culpa mía… y no tiene sentido reñir de forma absurda por internet por chorradas… así que más tarde me disculpé y sin problemas. Por lo demás y fuera de eso, no me parece mal tío, pelillos a la mar, que son tonterías.

    Pero joder, la bronca contigo un poco desagradable sí que ha sido… ¿que a veces te puedes poner muy insistente con lo de las tetas? puede ser (aunque no te falte razón por otra parte), pero coño, aquí creo que su reacción ha sido demasiado bestia… joder, que no es para ponerse así…

    Digo más, creo que deberíais intentar hablar civilizadamente, ahora que la cosa se ha calmado un poco… aunque igual es mucho pedir llegados a este punto.

  • rafaelgg

    Tras el éxito de “Pulp fiction” Miramax, no tuvo ninguna duda a la hora de arropar el nuevo proyecto del que se había convertido ya en el “niño bonito” de Harvey Weinstein. A pesar de con un presupuesto de solo 10 millones de dólares, el prestigio adquirido por Tarantino hizo que actores de cierto renombre aceptaras sumarse al proyecto. Quizás el más sonado fue el de Robert de Niro que tras leer el guion expresó su deseo de interpretar a Max Cherry, el pagador de fianza que ayudará a Foxy en su plan de escapar de Rodell y de la policía, y con el que la azafata vivirá una mutua atracción. Cualquier otro director hubiera accedido a que una estrella como De Niro se hiciera cargo del personaje masculino más importante del guion pero Tarantino tenía otros planes por lo que Robert De Niro tuvo que conformarse con un muy secundario papel de Louis, ex-convicto, amigo personal y subordinado de Ordell de los tiempos de la cárcel. Papel que Sylvester Stallone ansiaba desesperadamente para él.

    Porque lo cierto es que para el personaje de Max Cherry Tarantino tenía una muy corta lista de candidatos: Paul Newman, Gene Hackman, John Saxon y Robert Forster, finalmente fue este último el que se hizo con el papel para sorpresa del propio actor. Forster que había optado por el papel de Lawrence Tierney en “Pulp fiction” estaba en el punto más bajo de su carrera, hasta el extremo de no poseer entonces un agente que le representase. El propio padre del actor se emocionó ante la resurrección de la carrera de su hijo, desgraciadamente no vivió lo suficiente para ver el estreno y el hecho de que Robert fuera el único nominado a los Oscar de todo el reparto del film.

    Para el papel del traficante de armas Ordell Robbie Tarantino confió en los servicios de uno de sus actores fetiches: Samuel L. Jackson, Fue idea del propio Jackson que su personaje luciera esa larga melena y esa larga perilla fina y trenzada, al día de hoy el popular actor considera esta película la favorita de sus colaboraciones con Tarantino. Una película que nunca dudó en defender frente a los que en su momento se quejaron del constante uso en ella del término “nigga” (Negrata) que los personajes usan constantemente entre sí.

    A pesar de que Tarantino era el director de moda con el que todos querían trabajar, el actor Michael Keaton se mostró escéptico sobre su idoneidad para el papel de Ray Nicolette, uno de los policías que presionan a Jackie, a pesar de que Tarantino había descartado a John Travolta, la primera elección, en favor de Keaton, el director tuvo que ejercitar todo su poder de persuasión a través de largas conversaciones para convencer al e-Batman. Al final Keaton no solo aceptó sino que volvió a interpretar al mismo personaje en otra película basada en un relato de Elmore Leonard: “Un romance peligroso” (1999) de Steven Soderberg. Otra nombre destacado es del Bridget Fonda como Melanie, “protegida” (Por decirlo suavemente) de Ordelle.

    Quizás influenciado por las múltiples críticas a la violencia desatada y sangrienta de Tarantino esta película destaca entre su filmografía por lo tremendamente comedida que es en ese aspecto. Solo 4 muertes y rodadas de forma bastante aséptica, con personajes recibiendo disparos fuera de plano o bien siendo acribillados en un plano general, con la cámara situada a mucha distancia del acto en sí. La verdad es que al día de hoy, aun cuando luce algunos de sus típicos “tics” como los diálogos banales y largos, los personajes pintorescos y amorales, y la falta de escrúpulos a la hora de mostrar a dichos personajes consumiendo drogas de forma desinhibida es una película de narrativa y puesta en escena asombrosamente clásica, con una historia prácticamente narrada de forma lineal, salvo en un momento cumbre que se nos muestra desde los puntos de vistas individuales de varios personajes y que tiene ecos de “Rashomon” (1950) de Akira Kurosawa. También frente al tono de humor caricaturesco de “Pulp fiction” aquí también tenemos humor pero mucho más sutil y comedido.

    En consecuencia la película no cumplió las expectativas de un público y de parte de la crítica que aparte de la falta del sabor “Tarantino” le achacó a la película de tener un tono excesivamente contemplativo y pausado, totalmente centrada en el retrato de personajes y en el que la trama propiamente dicha es ínfima y anecdótica.

    Lo cierto es que aunque si bien ya se empiezan a notar los defectos que poco a poco empezarían a hacer mella en su cine: Una excesiva condescendencia, un metraje absolutamente desproporcionado para lo que se cuenta y una cierta arritmia por por la lentitud con la que avanza la historia, dichos defectos aún están muy lejos de las cotas que alcanzaron en títulos como “Malditos bastardos”, “Django desencadenado” y sobre todo la soporífera ”Death proof”. La brillantez de muchas de sus secuencias, su excelente banda sonora y el brillante trabajo interpretativo de TODO su reparto, la convierten en un film muy disfrutable. Por eso celebremos que EL 25 DE DICIEMBRE CUMPLE 20 AÑOS.

    https://www.youtube.com/watch?v=Gmjm5xO9Tx8

    BONUS TRACK: Con esto termina las últimas efemérides de este año correspondientes a la última semana de este 2017 (Los que querais ver las correspondientes a la semana del 17 al 24 echad un vistazo a la noticia de la taquilla USA del año pasado. Y permitidme que en espera para embarcar dentro de unas horas en avión con destino a la ciudad que nunca duerme y que ha sido escenario de tantos momentos inolvidables del séptimo arte, ya sean protagonizados por King Kong, Audrey Hepburn, Superman o Woody Allen, con este “bonus track” especial. Intentaré seguir en contacto con vosotros desde allí para no perderme ni uno solo de los mágicos momentos que se dan aquí:
    https://www.youtube.com/watch?v=dyAB6-tF5vA

  • rafaelgg

    Voy ahora con la última efemérides, uno de los títulos más controvertidos de un director que ha hecho de la controversia un signo de identidad y que es de los directores más relevantes de las última décadas. Por eso tendra una reseña especial larga y en dos partes:

    http://es.web.img3.acsta.net/medias/nmedia/18/68/08/81/20140993.jpg

    Si bien el impacto de “Reservoir dog” se circunscribió a festivales como el de Sundace o Sitges y en los círculo más cinéfilos cuando Quentin Tarantino estrenó 2 años más tarde “Pulp fiction” tocó el cielo. No solo consiguió unas críticas igual o más entusiastas que su anterior película sino que con un presupuesto de 8 millones de dólares, la taquilla mundial fue de nada más y nada menos que unos estupendo 213 colándose en el top 10 de las películas más taquilleras de 1994, batiendo a títulos tan esperados aquel año como la versión de Frankenstein dirigida por Kenneth Branagh y producida por Francis Ford Coppola a la que casi dobló en recaudación el film de Tarantino. Pero más allá del éxito de crítica y taquillo “Pulp fiction” se convirtió en un referente en la cultura popular y en una película que definió el cine de los 90 de la misma manera que “Blade Runner” de Ridley Scott lo hizo con la década de los 90.

    Como es lógico el ex-dependiente de videoclub reconvertido en director de cine empezó a oir los cantos de sirena del Hollywood más mainstream a fin de que pusiera su talento al servicio de las producciones de los estudios. De esa manera acabó contribuyendo al guion del thriller sobre submarinos “Marea roja” (1995) de Tony Scott director que ya había firmado su guion para “Amor a quemarropa”. La verdad es que al ver la película es fácil notar la mano de Tarantino con esos diálogos en que se menciona los cómics de Silver Surfer o a su amada “Star Trek” Sin embargo se mostró más esquivo a aceptar ofertas como dirigir toda una superproducción como “Misión imposible”.(1996) aunque sí aceptó hacerse cargo de un capítulo de la exitosa y popular serie “Urgencias”.

    Finalmente Tarantino decidiría no sucumbir a dichos cantos de sirenas y seguir por la senda seguida hasta entonces y seguir incidiendo en un cine independiente, de bajo presupuesto con un marcado toque personal y totalmente ajeno a los convencionalismos y clichés de los estudios y los géneros para seguir imprimiendo en su peculiar estilo que poco a poco se iba erigiendo en un género en sí mismo.

    Tarantino fijó su vista en Elmore Leonard (1925-2013) uno de los más aclamados escritores de la reciente novela negra americana y que era uno de los escritores favoritos del propio Quentin desde su adolescencia, de hecho a la edad de 15 años le “pillaron” intentando hurtar en una tienda una de las novelas del autor: “The switch” , hecho por el que fue arrestado. El director y su socio Roger Avary tras acabar “Pulp fiction” adquirió los derechos cinematográficos de 3 novelas de Leonard: “Rum Punch”, “Freaky Deaky” y “Kilshot” (Titulada en nuestra lengua “Persecución mortal”). Originalmente su intención era adaptar “Freaky Deaky” pero al cambiar “Rum Puch” (Casualmente secuela del libro que intentó robar en u adolescencia) cambió de planes y se decantó por esta última.

    Sin embargo, además de la literatura de Elmore Leonard había otro elemento que formaba parte de la educación sentimental de Quentin Tarantino en su infancia y adolescencia y que había formado parte de su dieta cinéfila mientras devoraba sesiones dobles en los cines de la zona de South Bay en Los Angeles: El blaxplotation, películas de serie “B” adscrita a géneros populares como el terror y la acción que tenían la peculiaridad de estar protagonizadas y en algunos casos dirigidas por gente de color. Un cine de negros y teóricamente para negros pero que también consiguió llegar al público de otras etnias. Películas que no se caracterizaban precisamente por su gran calidad, desmañadas y con una estética coyuntural (La de los primeros 70) con un vestuario, peinados y decoración de interiores que hoy en día hacer sangrar los ojos. Tarantino era (Y es) un gran admirador de este cine y decidió aprovechar que la protagonista de “Rum Punch” era una muer para rendir homenaje a la gran diosa femenina de este subgénero: La explosiva belleza de color Pam Grier.

    Pam Grier, nacida Pamela Suzette Grier, nació en Carolina del Norte en 1949 hija de un ama de casa y un mecánico y a la vez sargento técnico de la Fuerza Aerea de Estados Unidos, Su mecla de genes afroamericanos, hispanos, filipinos y cheyenes le otorgaron unos rasgos de exotica beleza y una figura sensual y voluptuosa. A los 18 años se trasladó a Californai dejando atrás una vida infancia marcada por la vida itinerante (Debido al trabajo de su padre) y una traumática violación sufrida a los 6 años. Inicialmente encontró trabajo como recepcionista en la productora American International Pictures y no pasaría mucho tiempo hasta que un director de la productora Jack Hill se fijara en ella y le ofreciera ponerse frente a la cámara. Tras un par de películas su primer gran éxito vendría con “Coffy” (1973) del propio Hill en la que interpretaba a una enfermera buscando vengarse de un traficante de drogas, con una temática parecida, al año siguiente se estrena la también exitosa “Foxy Brown”

    Sin embargo a partir de la segunda mitad de los 70 con la desaparación del “blaxplotation” de las carteleras la carrera de Pam Grier languidece en papeles secundarios en el cine “Distrito apache: El Bronx”(1981) “Por encima de la ley”(1988) debut como protagonista del “ínclito” Steven Seagal o en la televisión en series como “Miami vice”. Sin embargo en los 90 su figura renace de sus cenizas gracias d los “dos niños terribles de la industria de esa década: Tim Burton que le da un papel destacado en “Mars attacks” (1996) y sobre todo Quentin Tarantino.

    Tarantino y había sometido a Grier a una prueba para el papel que finalmente realizó Rosanna Arquette en “Pulp fiction” decidió cambiar la raza de la protagonista de la novela (Blanca) para amoldarlo a quien había sido uno de su ídolos, de hecho Grier se sorprendió cuando al hacer la prueba para la película encontró las paredes adornadas con los posters de sus películas de joven “¿Los has puesto porque venía yo?” preguntó la actriz “No, los iba a quitar porque venías tú”, contestó el director. Otro cambio que realizó fue llamar a la protagonista y a la película “JACKIE BROWN”, en claro homenaje al éxito de Grier “Foxy Brown”. Este nombre serviría para identificar a la protagonista de la historia. Una azafata de vuelo que por problemas con la justicia en el pasado se ve condenada a trabajar en unas líneas aéreas de tercera categoría con un sueldo ínfimo y un plan de jubilación inútil y que intenta huir de la encrucijada en que se encuentra entre el violento gángster y traficante de armas para el que trabaja de correo Ordell Robbie y los agentes federales que tras cazarla en pleno contrabando de dinero, la presionan para que les ayude a atrapar a su violento y peligroso jefe.

    Quizás por las disputas que tuvo con su socio Roger Avary a cuenta de la autoría Tarantino decidió firmar el guion en solitario, sería la primera y de momento única vez que el realizador de Tennesse escribiría un guion adaptando un material ajeno. Eso hacía que el realizador no las tuviera todas consigo por miedo a que a Elmore Leonard no aprobara los cambios realizados sobre su texto pero el escritor, tras leer dicho guion afirmó que no solo era la mejor adaptación que se había hecho sobre una de sus obras, sino que era el mejor guion que había leído nunca.

  • rafaelgg

    https://www.parquenatural.com/static/fotos/contenido/iActiva/cine_en_la_comarca/5-el-imperio-del-sol-1984.jpg

    El británico J. G. Ballard (1930-2009) fue uno de los más reputados y conocidos escritores del denominado “nueva ola de la ciencia ficción” que surgió tras la segunda guerra mundial a través de la revista “New worlds” Micheal Moorcock y que luego cruzaría el océano Atlántico para influenciar a escritores como Harlam Ellison o Robert Silverberg. La obra se caracteriza por reflexionar y mostrar inquietud por los problemas del hombre en el siglo XX como la erosión del medioambiente o la influencia perjudicial de la tecnología en la vida diaría del hombre.

    Sin embargo a la hora de ser llevada al cine el cine se fijó en obras del escritor de temáticas bastante inusuales dentro de su obra. La primera vez que el nombre de Ballard se asoció para un film fue uno tan lejana a sus inquietudes como escritor como fue en la fantasía prehistórica de la Hammer Films “cuando los dinosaurios dominaban la tierra” (1970) de Val Guest en donde se encargó de las labores de escribir el tratamiento inicial de la historia. Otra película que muchos asociarán al nombre de J.G. Ballard es “Crash” (1996) , adaptación de David Cronemberg de una novela del escritor sobre la asociación entre el deseo sexual y los automóviles que provocó un enorme revuelo y polémica en el momento de su estreno por sus morbosas y turbadoras escenas de un erotismo malsano.

    Pero sin duda el film más popular basado en la obra de J.G. Ballard es aquel surgido de la novela con la que el británico consiguió sacar su prosa del reducido nicho de la ciencia ficción para llegar a un público mucho más generalista: “El Imperio del sol”. Publicada en 1984. Ballard, nacido en Shanghai en 1930, vivió el drama de ser recluido durante la segunda guerra mundial en un campo japonés de la segunda guerra mundial. Ballard aprovecha estas vivencias para escribir una novela semibiográfica sobre un niño Jim Graham (Nombre que se corresponde James Graham) hijo de un acaudalado hombre de negocios asentado en Shangai que es repentinamente separado de sus padres y acabará tras varias vicisitudes, confinado en el campamento de prisioneros de Lunghua, anexo a un aeródromo militar nipón. Allí será testigo tanto por parte de los confinados como de sus captores japoneses, tanto de la faceta más noble como la más abyecta del ser humano, al mismo tiempo que el chico se refugia en sus fantasías heroicas, generalmente asociadas al mundo de la aviación y los aviones que el joven Jim idolatra, se produce un obligado proceso de maduración en el que el niño pasará a su fase adulta dejando atrás su inocencia.

    El libro tuvo un gran impacto, más por la cantidad de premios literarios y galardones que por las ventas en sí mismas de este. Lo que llevó a Warner Bros a comprar los derechos de este con la idea de que se hicieran cargo de él el director Harold Becker (“El campo de cebollas”, “Taps”) y el productor Robet Shapiro (“La gran aventura de Pee Wee”). Tom Stoppard, que por aquellos tiempos firmó el guion de “El club de los poetas” (1986) escribió un libreto que, al menos en sus primeras fases, contó con la colaboración del propio Ballard. Sin embargo Becker se desentendió del proyecto y Spielberg decidió asumir las labores de productor a través de su Amblin con la idea de que David Lean que se había encaprichado de la novela la dirigiera, incluso parece ser que fue a petición de Lean lo que hizo que Spielberg asumiera la producción del film, por su parte Robert Shapiro continuaría acreditado como productor ejecutivo.

    Sin embargo al poco tiempo Lean decidió que el film no era para él alegando que no le veía suficiente estructura dramática a la historia ya que le parecía más un diario escrito que una trama compacta, prefiriéndose centrarse en su nunca realizado proyecto de llevar a la pantalla la novela “Nostromo” de Joseph Conrad. Spielberg, que en secreto deseaba dirigir él mismo la película desde que asumió el papel de productor, decidió a sentarse en la silla de director en un film que le permitía ahondar (A pesar de estar protagonizado por un niño) en la faceta adulta de su cine que había iniciado con la anterior “El color púrpura” (1985). Un film que frente al tema de la vuelta a la infancia y su inocencia que representaba la mayoría de su obra anterior se centraba en el camino inverso: la maduración y la pérdida de la inocencia. Una película que le permitía homenajear al cine de David Lean, al que admiraba desde su adolescencia, en especial a “El puente sobre el rio Kwai” en toda la parte del film ambientada en el campo de prisioneros. Al mismo tiempo el director se sentía identificado con el personaje de Jim, con su carácter soñador y su pasión por los aviones (Pasión que el propio Spielberg compartía y que data de las vivencias en la guerra que su padre, tripulante de bombardero entonces, le narraba.

    Tras ordenar una segunda reescritura a cargo del holandés Menno Meyjes, futuro realizador y guionista de “Manolete” y que ya había colaborado con el “Rey Midas” en “El color púrpura”, Spielberg comenzó sus planes. Intentando replicar el estilo épico de David Lean quiso rodar en formato anamórfico y en 65 mm. Sin embargo su colaborador, el director de fotografían Allenn Daviau le hizo notar que los equipos y cámaras existentes que usaban este formato, eran escasos y ya solo eran usados por empresas encargadas de confección de efectos especiales. Se daba la circunstancia además de que eran muy ruidosas y dada la costumbre de Spielberg de rodar planos muy cercanos de los actores, esto podía perjudicar la labor de los encargados de recoger el sonido de las escenas. En consecuencia Spielberg hubo de renunciar al anamórfico en SuperPanavisión o Todd-AO en favor del más convencional ratio 1:85:1 (Posteriormente saldría una nueva generación de cámaras que permitirían a directores como Kenneth Branagh rodar de nuevo en 65 mm y formato “superancho”).

    Una de las labores más delicadas fue la elección del joven protagonista, tras un casting de 4000 niños, Spielberg decidió atender las sugerencias de su mujer Amy Irving, que le recomendaba que le hiciese la prueba a un chico que le había sorprendido en una miniserie sobre Anastasia y los Romanof interpretando al joven zarievitch hijo de Nicolas II. Su nombre: Christian Bale, Spielberg accedió a dicha prueba quedándose asombrado ante el talento del joven actor y a pesar de que su currículum previo se limitaba a dicha miniserie no dudó en ponerle al frente de una producción de 33 millones de dólares. Un debut en el cine por todo lo grande que estuvo a punto de ser también la despedida de Christian Bale de este, debido a lo agotador que fue para él la gira promocional de la película y al “bullying” posterior que debió de soportar por parte de sus compañeros de colegio temerosos de que a la “estrellita de cine” se le hubiera subido los humos por haber trabajado con Spielberg Afortunadamente no fue así

    El resto del reparto lo compusieron casi en su totalidad rostros británicos como Miranda Richardson, o Nigel Havers (“Carros de fuego”). La excepción fueron un entonces ascendente pero aún no demasiado conocido John Malkovich como Basin, un ladrón y contrabandista, auténtico maestro en el arte de la supervivencia, de escasos escrúpulos, que tras conocer a Jim en la Shangai ocupada acabará en el mismo campamento de prisioneros, un personaje por el que Jim siente una ingenua admiración inicial pero que trocará en desengaño y desprecio al ser consciente de su amoralidad y Joe Pantoliano como Frank, mano derecha y perillo faldero de Basin. A destacar también el debut en pantalla como secundario de un jovencísimo Ben Stiller como Dainty uno de los socios y secuaces de Basin y que observando todo la parafernalia que rodeaba este film empezó a bosquejar lo que en el futuro sería la comedia negra “Tropic thunder”(2008).

    Tras unas primeras semanas de rodaje en los estudios Elstree en Londres, la película consiguió, merced a una negociación previa de 1 año, ser la primera producción norteamericana en ser rodada en territorio chino. Un permiso de 3 semanas que sirvió para que Spielberg pudiera rodar en el auténtico Shangai.

    Sin embargo el grueso de la producción se realizó en nuestro país. Tras barajar diferentes lugares en sitios como Sudáfrica o La india, Spielberg quedó impresionado por los espcetáculares atardeceres de la provincia de Cádiz (Que en el film darían lugar a algunas de las tomas más hermosas de la filmografía del maestro). En consecuencia se escogió las marismas aledañas a la pequeña localidad de Trebujena como lugar de construcción de unos grandes decorados que reprroducirían un aeródromo y el campo de concentración. Se trajeron aviones norteamericanos previamente “tuneados” para hacerlos pasar por zeros japoneses (Unido al uso de aviones en miniatura controlados por radiocontrol altamente convincentes).

    La llegada del rey Midas revolucionó la pequeña localidad gaditana. Alrededor de 1.300 personas acabaron trabajando como extras por un salario que en muchos casos, doblaba lo ganado durante una jornada entera en el campo y especialmente hicieron su agosto transportistas, carpinteros y todos aquellos cuyo oficio les granjeó un puesto laboral dentro de la producción. Todavía alguno presume en el pueblo de haber compartido planos e incluso juegos con el futuro protagonista de “El caballero oscuro” o de actuando como niños extras recibir carantoñas y gestos amables por parte del mismísimo Steven Spielberg. Lamentablemente hoy en día ya no queda nada de los decorados erigidos, desmantelados poco después del rodaje (Decisión absurda por cuanto hubieran podido ser explotados como atracción turística).

    A pesar de carecer de conocimientos sobre la industria cinematográfica, los trebujeneros pusieron todo de su parte para colaborar. Solamente un único día hubo un problema. Amblin había contratado para el rodaje los servicios de una empresa británica, y todos sabemos que los británicos no destacan por lo sabrosa de su gastronomía, en consecuencia, hartos de las coles de Bruselas hervidas, un día los extras españoles organizaron una revuelta en el plató en forma de juerga flamenca. Al parecer lejos de enojarse Spielberg contempló bastante divertdo la improvisada “juerga-protesta” y dio órdenes de que se contratara una empresa de catering español. Quizás porque les comprendía, ya que, como él mismo comentaba en las entrevistas, el rodaje en Shangai había servido para comprobar que la auténtica y muy especiada comida china poco tiene que ver con la que se ofrece como tal en Occidente.

    Estrenada a finales de año la película no cumplió en taquilla a pesar de conseguir buenas críticas. Consiguió 11 nominaciones a los oscars que solo sirvieron para escenificar reiteradamente la misma humillación al director que la cometida en el “Color Púrpura”. Si aquella no se llevó ninguna estatuila de 14 posible, “EL IMPERIO DEL SOL” se bue de vacío en sus 11 nominaciones. La Academia al despreciar a Spierlberg y a su película en favor del otro gran film con Asia y la Segunda Guerra Mundial como telón de fondo: “El gran emperador” dejaban las cosas claras premiando al “autor” europeo en lugar de al “mercader” generador de blockbusters, a pesar de que muy posiblemente si la Academía y Hollywood seguían existiendo era gracias a Spielberg (Y Lucas).

    Estas circunstancias hicieron que durante muchos años la película se considerara un film fallido cuando en realidad es una de las mejores cintas de su realizador. Una en la que sin renunciar a sus toques sentimentales, tiene un poso mucho más amargo de lo habitual en su cine (Incluida sus otras películas “serias”). Una película en la que Spielberg se centra por primera vez en ese momento histórico que fue la segunda gran guerra y que tanto ha orbitado en títulos posteriores siendo esta un anticipo de aquellos, incluido algunos planos con haces de luz brumosa que sorprendentemente recuerda a los futuros trabajos de Janusz Kaminski para el propio Spielberg. Sin embargo el tiempo empieza a ponerla en su sitio como lo que es: Una de las grandes obras del realizador norteamericano más importante de las últimas décadas, pese a quién le pese. EL 25 DE DICIEMBRE CUMPLE 30 AÑOS.

    https://www.youtube.com/watch?v=e74OXHmuVNo

Críticas

apostle

Otro ejemplo de buenas ideas diluidas en una puesta en escena adormecida y un protagonista sin sal.

rev1

El amor nos salvará a todos.

el reino

Caída en picado en el pozo de la corrupción.

chpa1

Camelot termina.

predator

Pintaba muy bien.

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