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‘Suburbicon’ mejor entrada de la semana en España

Coco y Perfectos desconocidos se mantienen fuertes a la cabeza de la taquilla española por segundo fin de semana consecutivo. La película de Álex de la Iglesia ha superado además, a día de hoy, el millón de espectadores, lo que es todo un logro.

Sin grandes novedades a nivel de taquilla, no es hasta el sexto lugar donde encontramos la primera entrada de la semana, Suburbicon, la última película dirigida por George Clooney sobre una barriada idílica de los 60 que oculta un lado tremendamente sórdido. Pese a contar con guión de los hermanos Coen y un reparto genial encabezado por Matt Damon y Julianne Moore, la película no ha tenido una acogida demasiado buena por parte de la prensa estadounidense y tampoco de la española.

La otra novedad, en noveno lugar, es El gran desmadre, la secuela de Malas madres, ahora con temática navideña. El trío formado por Mila Kunis, Kristen Bell y Kathryn Hahn repiten ahora junto a Cheryl Hines, Christine Baranski y Susan Sarandon. Mala respuesta de la prensa y peli que aquí no tendrá largo recorrido en cines.

TAQUILLA ESPAÑA
Coco 2,8 Mill. € 7,5 acum. 2 sem.
Perfectos desconocidos 2,4 Mill. € 6,5 acum. 2 sem.
Asesinato en el Orient Express 1,2 Mill. € 6,8 acum. 3 sem.
Wonder 1,0 Mill. € 2,6 acum. 2 sem.
Liga de la Justicia 0,5 Mill. € 6,5 acum. 4 sem.
Suburbicon 0,3 Mill. € 0,3 acum. 1 sem.
Dos padres por desigual 0,3 Mill. € 0,9 acum. 2 sem.
Paddington 2 0,2 Mill. € 1,4 acum. 3 sem.
El gran desmadre 0,2 Mill. € 0,2 acum. 1 sem.
Saw VIII 0,2 Mill. € 1,7 acum. 3 sem.
Fuente: Ministerio de Cultura

Javier Ruiz de Arcaute

Realizador audiovisual, protoguionista y co-fundador de esta santa web.

  • rafaelgg

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    El británico J. G. Ballard (1930-2009) fue uno de los más reputados y conocidos escritores del denominado “nueva ola de la ciencia ficción” que surgió tras la segunda guerra mundial a través de la revista “New worlds” Micheal Moorcock y que luego cruzaría el océano Atlántico para influenciar a escritores como Harlam Ellison o Robert Silverberg. La obra se caracteriza por reflexionar y mostrar inquietud por los problemas del hombre en el siglo XX como la erosión del medioambiente o la influencia perjudicial de la tecnología en la vida diaría del hombre.

    Sin embargo a la hora de ser llevada al cine el cine se fijó en obras del escritor de temáticas bastante inusuales dentro de su obra. La primera vez que el nombre de Ballard se asoció para un film fue uno tan lejana a sus inquietudes como escritor como fue en la fantasía prehistórica de la Hammer Films “cuando los dinosaurios dominaban la tierra” (1970) de Val Guest en donde se encargó de las labores de escribir el tratamiento inicial de la historia. Otra película que muchos asociarán al nombre de J.G. Ballard es “Crash” (1996) , adaptación de David Cronemberg de una novela del escritor sobre la asociación entre el deseo sexual y los automóviles que provocó un enorme revuelo y polémica en el momento de su estreno por sus morbosas y turbadoras escenas de un erotismo malsano.

    Pero sin duda el film más popular basado en la obra de J.G. Ballard es aquel surgido de la novela con la que el británico consiguió sacar su prosa del reducido nicho de la ciencia ficción para llegar a un público mucho más generalista: “El Imperio del sol”. Publicada en 1984. Ballard, nacido en Shanghai en 1930, vivió el drama de ser recluido durante la segunda guerra mundial en un campo japonés de la segunda guerra mundial. Ballard aprovecha estas vivencias para escribir una novela semibiográfica sobre un niño Jim Graham (Nombre que se corresponde James Graham) hijo de un acaudalado hombre de negocios asentado en Shangai que es repentinamente separado de sus padres y acabará tras varias vicisitudes, confinado en el campamento de prisioneros de Lunghua, anexo a un aeródromo militar nipón. Allí será testigo tanto por parte de los confinados como de sus captores japoneses, tanto de la faceta más noble como la más abyecta del ser humano, al mismo tiempo que el chico se refugia en sus fantasías heroicas, generalmente asociadas al mundo de la aviación y los aviones que el joven Jim idolatra, se produce un obligado proceso de maduración en el que el niño pasará a su fase adulta dejando atrás su inocencia.

    El libro tuvo un gran impacto, más por la cantidad de premios literarios y galardones que por las ventas en sí mismas de este. Lo que llevó a Warner Bros a comprar los derechos de este con la idea de que se hicieran cargo de él el director Harold Becker (“El campo de cebollas”, “Taps”) y el productor Robet Shapiro (“La gran aventura de Pee Wee”). Tom Stoppard, que por aquellos tiempos firmó el guion de “El club de los poetas” (1986) escribió un libreto que, al menos en sus primeras fases, contó con la colaboración del propio Ballard. Sin embargo Becker se desentendió del proyecto y Spielberg decidió asumir las labores de productor a través de su Amblin con la idea de que David Lean que se había encaprichado de la novela la dirigiera, incluso parece ser que fue a petición de Lean lo que hizo que Spielberg asumiera la producción del film, por su parte Robert Shapiro continuaría acreditado como productor ejecutivo.

    Sin embargo al poco tiempo Lean decidió que el film no era para él alegando que no le veía suficiente estructura dramática a la historia ya que le parecía más un diario escrito que una trama compacta, prefiriéndose centrarse en su nunca realizado proyecto de llevar a la pantalla la novela “Nostromo” de Joseph Conrad. Spielberg, que en secreto deseaba dirigir él mismo la película desde que asumió el papel de productor, decidió a sentarse en la silla de director en un film que le permitía ahondar (A pesar de estar protagonizado por un niño) en la faceta adulta de su cine que había iniciado con la anterior “El color púrpura” (1985). Un film que frente al tema de la vuelta a la infancia y su inocencia que representaba la mayoría de su obra anterior se centraba en el camino inverso: la maduración y la pérdida de la inocencia. Una película que le permitía homenajear al cine de David Lean, al que admiraba desde su adolescencia, en especial a “El puente sobre el rio Kwai” en toda la parte del film ambientada en el campo de prisioneros. Al mismo tiempo el director se sentía identificado con el personaje de Jim, con su carácter soñador y su pasión por los aviones (Pasión que el propio Spielberg compartía y que data de las vivencias en la guerra que su padre, tripulante de bombardero entonces, le narraba.

    Tras ordenar una segunda reescritura a cargo del holandés Menno Meyjes, futuro realizador y guionista de “Manolete” y que ya había colaborado con el “Rey Midas” en “El color púrpura”, Spielberg comenzó sus planes. Intentando replicar el estilo épico de David Lean quiso rodar en formato anamórfico y en 65 mm. Sin embargo su colaborador, el director de fotografían Allenn Daviau le hizo notar que los equipos y cámaras existentes que usaban este formato, eran escasos y ya solo eran usados por empresas encargadas de confección de efectos especiales. Se daba la circunstancia además de que eran muy ruidosas y dada la costumbre de Spielberg de rodar planos muy cercanos de los actores, esto podía perjudicar la labor de los encargados de recoger el sonido de las escenas. En consecuencia Spielberg hubo de renunciar al anamórfico en SuperPanavisión o Todd-AO en favor del más convencional ratio 1:85:1 (Posteriormente saldría una nueva generación de cámaras que permitirían a directores como Kenneth Branagh rodar de nuevo en 65 mm y formato “superancho”).

    Una de las labores más delicadas fue la elección del joven protagonista, tras un casting de 4000 niños, Spielberg decidió atender las sugerencias de su mujer Amy Irving, que le recomendaba que le hiciese la prueba a un chico que le había sorprendido en una miniserie sobre Anastasia y los Romanof interpretando al joven zarievitch hijo de Nicolas II. Su nombre: Christian Bale, Spielberg accedió a dicha prueba quedándose asombrado ante el talento del joven actor y a pesar de que su currículum previo se limitaba a dicha miniserie no dudó en ponerle al frente de una producción de 33 millones de dólares. Un debut en el cine por todo lo grande que estuvo a punto de ser también la despedida de Christian Bale de este, debido a lo agotador que fue para él la gira promocional de la película y al “bullying” posterior que debió de soportar por parte de sus compañeros de colegio temerosos de que a la “estrellita de cine” se le hubiera subido los humos por haber trabajado con Spielberg Afortunadamente no fue así

    El resto del reparto lo compusieron casi en su totalidad rostros británicos como Miranda Richardson, o Nigel Havers (“Carros de fuego”). La excepción fueron un entonces ascendente pero aún no demasiado conocido John Malkovich como Basin, un ladrón y contrabandista, auténtico maestro en el arte de la supervivencia, de escasos escrúpulos, que tras conocer a Jim en la Shangai ocupada acabará en el mismo campamento de prisioneros, un personaje por el que Jim siente una ingenua admiración inicial pero que trocará en desengaño y desprecio al ser consciente de su amoralidad y Joe Pantoliano como Frank, mano derecha y perillo faldero de Basin. A destacar también el debut en pantalla como secundario de un jovencísimo Ben Stiller como Dainty uno de los socios y secuaces de Basin y que observando todo la parafernalia que rodeaba este film empezó a bosquejar lo que en el futuro sería la comedia negra “Tropic thunder”(2008).

    Tras unas primeras semanas de rodaje en los estudios Elstree en Londres, la película consiguió, merced a una negociación previa de 1 año, ser la primera producción norteamericana en ser rodada en territorio chino. Un permiso de 3 semanas que sirvió para que Spielberg pudiera rodar en el auténtico Shangai.

    Sin embargo el grueso de la producción se realizó en nuestro país. Tras barajar diferentes lugares en sitios como Sudáfrica o La india, Spielberg quedó impresionado por los espcetáculares atardeceres de la provincia de Cádiz (Que en el film darían lugar a algunas de las tomas más hermosas de la filmografía del maestro). En consecuencia se escogió las marismas aledañas a la pequeña localidad de Trebujena como lugar de construcción de unos grandes decorados que reprroducirían un aeródromo y el campo de concentración. Se trajeron aviones norteamericanos previamente “tuneados” para hacerlos pasar por zeros japoneses (Unido al uso de aviones en miniatura controlados por radiocontrol altamente convincentes).

    La llegada del rey Midas revolucionó la pequeña localidad gaditana. Alrededor de 1.300 personas acabaron trabajando como extras por un salario que en muchos casos, doblaba lo ganado durante una jornada entera en el campo y especialmente hicieron su agosto transportistas, carpinteros y todos aquellos cuyo oficio les granjeó un puesto laboral dentro de la producción. Todavía alguno presume en el pueblo de haber compartido planos e incluso juegos con el futuro protagonista de “El caballero oscuro” o de actuando como niños extras recibir carantoñas y gestos amables por parte del mismísimo Steven Spielberg. Lamentablemente hoy en día ya no queda nada de los decorados erigidos, desmantelados poco después del rodaje (Decisión absurda por cuanto hubieran podido ser explotados como atracción turística).

    A pesar de carecer de conocimientos sobre la industria cinematográfica, los trebujeneros pusieron todo de su parte para colaborar. Solamente un único día hubo un problema. Amblin había contratado para el rodaje los servicios de una empresa británica, y todos sabemos que los británicos no destacan por lo sabrosa de su gastronomía, en consecuencia, hartos de las coles de Bruselas hervidas, un día los extras españoles organizaron una revuelta en el plató en forma de juerga flamenca. Al parecer lejos de enojarse Spielberg contempló bastante divertdo la improvisada “juerga-protesta” y dio órdenes de que se contratara una empresa de catering español. Quizás porque les comprendía, ya que, como él mismo comentaba en las entrevistas, el rodaje en Shangai había servido para comprobar que la auténtica y muy especiada comida china poco tiene que ver con la que se ofrece como tal en Occidente.

    Estrenada a finales de año la película no cumplió en taquilla a pesar de conseguir buenas críticas. Consiguió 11 nominaciones a los oscars que solo sirvieron para escenificar reiteradamente la misma humillación al director que la cometida en el “Color Púrpura”. Si aquella no se llevó ninguna estatuila de 14 posible, “EL IMPERIO DEL SOL” se bue de vacío en sus 11 nominaciones. La Academia al despreciar a Spierlberg y a su película en favor del otro gran film con Asia y la Segunda Guerra Mundial como telón de fondo: “El gran emperador” dejaban las cosas claras premiando al “autor” europeo en lugar de al “mercader” generador de blockbusters, a pesar de que muy posiblemente si la Academía y Hollywood seguían existiendo era gracias a Spielberg (Y Lucas).

    Estas circunstancias hicieron que durante muchos años la película se considerara un film fallido cuando en realidad es una de las mejores cintas de su realizador. Una en la que sin renunciar a sus toques sentimentales, tiene un poso mucho más amargo de lo habitual en su cine (Incluida sus otras películas “serias”). Una película en la que Spielberg se centra por primera vez en ese momento histórico que fue la segunda gran guerra y que tanto ha orbitado en títulos posteriores siendo esta un anticipo de aquellos, incluido algunos planos con haces de luz brumosa que sorprendentemente recuerda a los futuros trabajos de Janusz Kaminski para el propio Spielberg. Sin embargo el tiempo empieza a ponerla en su sitio como lo que es: Una de las grandes obras del realizador norteamericano más importante de las últimas décadas, pese a quién le pese. EL 25 DE DICIEMBRE CUMPLE 30 AÑOS.

    https://www.youtube.com/watch?v=e74OXHmuVNo

  • rafaelgg

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    Ridley Scott nació en 1937 en South Shields, ciudad costera en el noreste de Inglaterra, hijo de un militar, se graduó en el Royal College of Arts de Londres, colaborando a que se estableciera un departamento de cine dentro de este, ya que desde joven mostró fascinación por el séptimo arte y por películas como “Ciudadano Kane”, “Los siete samurais” o “Lawerence de Arabia. En dicha institución dirigió con ayuda de su hermano Tony su primera obra como director “Boy and his bicicle” un corto en blanco y negro y en 1963 encontraría trabajo en la BBC como escenógrafo.

    En 1968 ambos hermanos fundan su compañía productora y prono destacaran en la realización de “spots” televisivos. Destacándose en dicho campo junto con otros futuros realizadores como Alan Parker o Hugh Hudson.

    Calcula llegó a calcular que a lo largo de casi una década llegó a dirigir alrededor de 2000 anuncios publicitarios. En un momento se dio cuenta de que se encontraba estancado y encasillado en esta labor y que solo podría conseguir su ansiado debut en la dirección cinematográfica si él mismo impulsaba el proyecto. En consecuencia se asoció con el productor David Puttnam, futuro responsable de “El expreso de medianoche” (1979) y “Carros de fuego” (1981) también dirigidas por otros directores proveniente de la publicidad: Alan Parker y Hugh Hudson a fin de colaborar juntos en una película.

    Una de las primeras decisiones claves era que, debido a los limitados fondos que ambos tenían para producirla, debería de ser una historia de dominio público por la que no se vieran obligados a pagar derechos, la respuesta la encontraron en Joseph Conrad, el escrito inglés de orígen polaco nacido en 1856 y fallecido en 1924 y en una de sus historias cortas: “LOS DUELISTAS”.

    Dicho relato se basaba en una anécdota real: A finales del siglo XIX un oficial del ejército francés tuvo que obedecer la orden de entregar un mensaje desagradable a otro oficial con fama de tendente a participar en duelos. Dicho oficial no se tomó el mensaje con demasiado buen humor y enfocó toda su ira en el mensajero a quien retó en un duelo. Dicho duelos se produjo en 1794 y se prorrogó durante varios lances a lo largo de 19 años. Dicho duelo se repetían de diversas formas, a pie o a caballo a espada o pistola pero siempre eran truncados o terminaban con el vencido herido exigiendo la revancha en un siguiente enfrentamiento.

    Finalmente dicha animadversión terminó cuando el joven mensajero Dupont, consiguió superar a su rival: Fournier y le perdonó la vida so promesa de no volver a combatir contra él nunca más. Conrad usó esta anécdota real para formular su historia si bien cambiando los nombres de Dupont y Fournier por los ficticios de Armand´Hubert y Gabriel Feroux. Dos hombres que a causa de una riña absurda y olvidada ya en el tiempo se ven compelidos a luchar el uno con el otro: el primero por su sentido del honor, el segundo por ser esclavo de su odio. Dos personajes además representativo de dos estratos de la sociedad muy diferentes: Mientras que d´Hubert representa a las clases más privilegiadas burguesas y conservadoras, Gabriel Feroux es un revolucionario seguidor de Napoleón y alguien que desde los pilares más básicos de la pirámide social ha conseguido hacer carrera en el ejército y llegar a oficial merced a su valentía y arrojo. Dos seres atrapados en una sinrazón de la que es imposible huir, el primero porque no puede y el segundo porque no lo desea.

    De la adaptación del guion se encargó un guionista proveniente de la televisión Gerald Vaughan-Hughes del que no existen más trabajos acreditados tras este film Debido a su limitado presupuesto de 900.000 dólares hubo que tomar la decisión de rodar absolutamente todo el film en localizaciones reales ya que la producción no podía costear el construir decorados. Teniendo lugar dicho rodaje en diferente lugares de Francia, Escocia en Inglaterra. Cada edificio y estancia que aparece en la película corresponde a una edificación real.

    Originalmente Ridley Scott quería a Michael York y a Oliver Reed que ya habían trabajado juntos en otro fresco histórico: el díptico dedicado a los mosqueteros de Dumas que firmó Richard Lester para que interpretaran a los enemistados protagonistas de la historia sin embargo no fue posible. En consecuencia Paramount, que había adquirido los derechos de distribución de film entregó a Scott una lista de posibles intérpretes como requisito necesario para aceptar hacerse cargo de dicha distribución. Al final Scott de dicha lista escogio a Keith Carradine para el papel del aristocrático y refinado d´Hubert y a Harvey keitel como el más plebeyo Feraux. La verdad es que ambos están magníficos en sus respectivos papeles, hasta tal punto que a uno no le choca ver a estos actores, tan asociados a historias modernas y urbanas (En especial Keitel gracias a su labor con directores como Scorsese y Tarantino) vestido como soldados husares.

    Los actores en su afán por conseguir el mayor realismo posible, exigieron que en sus duelos se usaran auténticas espadas de husares, aunque Carradine también se permitió el capricho de “colar” en el reparto a su entonces novia Diana Quick a fin de poder pasar más tiempo con ellas. El resto del reparto lo completan nombres británicos como Robert Stephens (El Sherlock Holmes de Billy Wilder) el luego conocido secundario Alum Armstrong, o Albert Finney, la contratación de este último fue peculiar ya que su salario consistió en una caja entera de botellas de Champagne.

    Pero sin duda una de las grandes estrellas en la sombra fue el operador del film, el británico Frank Tidy, que pese a a contar con medios mucho más precarios de los que disfrutó su colega John Alcott en “Barry Lyndom” consigue seguir las pautas de este en el film de Kubrick: Usar siempre luz natural de no ser posible recrearla cosa que consiguió a través de la sobreexposición, controlando el contraste mediante el uso de humo y mediante el uso de fuertes de luz sin usar otras luces de relleno. El resultado es absolutamente espectacular tanto en interiores y exteriores que consiguen darle a la imagen ese aire pictórico al que tan afín es Ridley Scott.

    En su estreno el film no hizo demasiado ruido en taquilla, pero si fue aplaudido por la crítica, aclamando la elaborada estética de sus imágenes tanto por su fotografía como el gran trabajo de ambientación y vestuario. La película llegó a ganar el premio en el Festival de Cannes a la mejor Opera Prima, otorgado por quienes una década después renegarian del director británico al asociarlo al Hollywood más comercial. En todo caso con “LOS DUELISTAS” Scott inauguraría la primera y mejor etapa de todo su cine en la que junto a esta engarzó dos obras maestras en un género totalmente diferente como “Alien” y “Blade runer”, para luego su filmografía caer en lo irregular, alternando excelentes títulos con otros más mediocres e incluso con alguno lamentable. Desgraciadamente en los últimos años son los de estas dos últimas categorías, los que predominan. Aunque estrenado en Francia en agosto del 77 tras su paso por Cannes fue EL 27 DE DICIEMBRE CUANDO SE ESTRENO EN ESTADOS UNIDOS HACE YA 40 AÑOS.

    https://www.youtube.com/watch?v=pef83TFftxk

  • rafaelgg

    http://www.benitomovieposter.com/catalog/images/movieposter/15229.jpg

    A mediado de los años 50 la contienda de la segunda guerra mundial, que tanta muerte sufrimiento y desolación había dejado en el mundo quedaba ya lo suficientemente atrás en el tiempo como para que, pasado la inmediata posguerra en que el público en general quería pasar página y olvidar atrás la terrible contienda, esta volviera a ser tratada en de nuevo en la pantalla, y tal y como sucedía en pleno conflicto, con multitud de films ensalzando las virtudes patrióticas de los propios soldados y la maldad y crueldad de los ejércitos enemigos, empezó una nueva ola de cine bélico. Con producciones cada vez más ambiciosas, que darían lugar a superproducciones en los 60 tan aparatosas como “Los cañones de Navarone” (1960) “El día más largo”(1962) o “La batalla de las Ardenas” (1965).

    En gran medida parte de este repunte del género bélico se debió a ser un género que con sus exhibiciones de enormes escenas de masas, parafernalia militar y localizaciones en los más exóticos y recónditos lugares de Europa y Asia donde transcurrió la lucha, se convertía en un excelente medio a partir del cual sacar partido a dos elementos con el que el cine plantaba cara a la televisión: El color y los nuevos formatos panorámicos de pantalla que permitían imágenes de una espectacularidad imposible de recrear en la pequeña pantalla.

    Se daba además la circunstancia de que la guerra fría y las tensiones con la U.R.S.S hicieron que los sentimiento y valores patrióticos se ensalzaran de nuevo y nada mejor en esas circunstancias que apelar a épicos relatos protagonizados por aquellos que combatieron en defensa del tío Sam por tierra, mar y aíre.

    En ese contexto surge “DUELO EN EL ATLANTICO NORTE”, superproducción de la Twentieth Century Fox del año 1957 a mayor gloria de sus entonces recientemente patentados sistemas CinemasCope y color DeLuxe que en los 50 fueron emblemas de sus films de mayores ansias taquilleras. Una película que se presentaba como una puesta al día del género de films de submarinos que en los los 40 había generado films como “Tiburones de acero” (1943) de Archie Mayo o “Destino Tokio”(1943) de Delmer Daves y que frente al blanco y negro ratio 3:4 de entonces ahora se presentaba en los citados Cinemascope y DeLuxe y al igual que en aquellas se exaltaría el valor de los combatientes norteamericanos.

    Sin embargo “DUELO EN EL ATLANTICO NORTE” marcaría un punto y aparte en este tipo de películas por algo insólito hasta entonces, frente al tono propagandístico de los films de los años 50 aquí no solo se mostraría el punto de vista del otro bando, en este caso los alemana sino que además se le trataría desde una forma respetuosa, alejándose de cualquier intento de demonización. Puede resultar insólita este enfoque tan solo 12 años después de terminada la guerra, pero no lo es tanto si pensamos que en 1957 la nueva y floreciente República Federal Alemana se erigía en importante aliado dentro del equilibrio de poder en Europa frente al bloque soviético y por tanto convenía cambiar la percepción que se tenía del pueblo germánico.

    El film parte de una novela de Denys Rayner, un antiguo oficial de la armada británica, que inspirándose en sus experiencias en la batalla del atlántico escribió una serie de libros. Rayner nos narra en su novela la lucha del capitán de un destructor británico obsesionado con dar caza a un submarino enemigo por todos los medios, erigíéndose en un remedo de capitan Ahab. Hollywood. La Fox vio enseguida las posibilidades cinematográficas de la historia y compró de inmediato los derechos de la novela. El libro sería adaptado por Wendell Mayes, un escritor proveniente de la televisión que saltó al cine cuando Billy Wilder le contrató para que redactara su film sobre Charles Lindbergh: “El héroe solitario” (1957). Mayes, a fin de hacer más atractiva la historia decidió “americanizar” al capitán británico del destructor y su navio (Algo a lo que a lo largo de la historia ha sido siempre muy afín Holywood, recordemos otro film sobre submarinos “U-571” en la que prácticamente se otorgaban el mérito del desencriptado de la máquina de códigos alemana “Enigma” cuando en realidad fue obra de los británicos). Otro cambio importante fue el sustituir el sentimiento de odio hacia su enemigo que el capitán de dicho destructor muestra hacia el capitán del submarino (Hasta el punto de agredirle físicamente) por una relación de mutuo respeto entre ambos, (Aparte del mencionado trato no demonizador del capitán alemán y sus tripulantes.

    El realizador Dick Powell (1904-1963) tuvo la suerte de ser escogido como el director de la cinta. Powell se introdujo en sus inicios en la industria cinematográfica como actor en los años 30, en el seno de la Warner Bros, para luego pasar a la Paramount en una carrera en la que alcanzaría a lo largo de los años 40 la categoría de estrella, por entre otras películas interpretar a Philip Marrlowe en “Historia de un detective” (1944) de Edwrd Dymitrick para la R.K.O. Para ese mismo estudio Dick Powell debutaría en la dirección con el “noir” “Fracción de segundo”. Sin embargo en 1956 sufriría un serie revés en dicha carrera como director al vincularse a “El conquistador de Mongolia”, (1956) la famosa superproducción de Howard Hughes con John Wayne interpretando a Gengis Kan. “El conquistador de Mongolia” arrastra una fama de “film maldito” ya que a lo largo de los años muchos de los que participaron en dicho film murieron de cáncer, incluido los propios John Wayne y Dick Powell y siempre se sospechó que tan alto índice de mortalidad entre los involucrados en el film se debió a rodarse en zonas desérticas cercanas a done el ejercito de los Estados Unidos realizó durante los 50 pruebas con bombas atómicas. El caso es que fuese cierto o no lo que no hay duda es que la película fue un desastre de críticas y taquilla (La mayor catástrofe de Howard Hughes en el cine) por lo que la oferta de dirigir “DUELO EN EL ATLANTICO” fue sin duda un bote salvavidas para el director.

    En busca de la mayor veracidad posible, junto al uso de decorados en estudio se grabó parte de la película a bordo de un auténtico buque de guerra, el USS. Whitehurst, recibiendo el equipo de rodaje toda la colaboración posible de la tripulación cuyos miembros aparecen como extras en el film. Aun así a la hora de reproducir en estudios el interior del submarino alemán se le dotó de una mayor amplitud e higiene con respecto a los auténticos interiores de estos buques. Tendríamos que esperar a los años 80 y a “Das Boot” (1981) de Wolfgang Petersen para que dichos ambientes se recrearan con total realismo

    En el papel de Murrell, el capitán del destructor norteamericano Powell dirgiría al ya consagrado y gran estrella Robert Mitchum que curiosamente también interpretaría a Philip Marlowe en “Adios muñeca”, una nueva versión del relato de Raymond Chandler que había interpretado previamente por Powell. Durante el rodaje en el USS Whitehurst Mitchum sufrió un accidente al caerse por una barandilla, lesionándose, lo que le obligó a llevar un soporte para la espalda bajo la ropa duante el rodaje.

    El papel del comandante del submarino, el capitán Von Stolberg, significó el debut en el cine norteamericano del ilustre actor austriaco de origen alemán Curd Jurgens. El hecho de que por primera vez un oficial alemán fuera tratado por el cine norteamericano como un ser despreciable sino como un noble adversario hizo que el actor aceptase el papel. El Von Stolberg de Jurgens es un hombre que no cree en el nazismo y lo desprecia (Su expresión ante una divisa enaltecedora escrita en el puente de su submarino o ante la visión de un joven marinero leyendo al Mein Kampf. Un hombre que no cree en la victoria y que ha visto morir a sus hijos en la lucha pero que sigue combatiendo por su sentido de la lealtad a su país. Un personaje que tiene mucho en común con el propio Jurgens, al que en la vida real, su actitud abiertamente crítica contra el nazismo le llevó a ser encerrado en un campo de internamiento. A lo largo de las siguientes décadas Curd Jurgens interpretaría a varios oficiales alemanes en films de la segunda guerra mundial y les imbuiría de la misma dignidad y nobleza. También se le recuerda por su villano Bond en “La espía que me amó” (1977).

    Otro actor también vinculado a 007 como es David Hedison, actor que interpretó a Felix Leiter en “Vive y deja morir” (1973) y “Licencia para matar” (1989) interpreta a uno de los miembros de la tripulación que capitanea Mitchum de la misma manera que también interprataría uno de los miembros del submarino de la famosa serie de televisión “Viaje al fondo del mar” (1964-1968).

    El film se convirtió en todo un clásico del cine bélico amén de ganar un oscar por sus elaborados efectos especiales. El impacto del film fue tal que su argumento sirvió de inspiración para un capítulo de la citada “Viaje al fondo del mar”(En el que se llegarían a reutilizar planos de David Hedison extraídos directamente del film) sino que fue reversionado en clave espacial en el capítulo de Star Trek “El equilibrio del terror” con un capitán Kirk al mando del Enterpirse enfrentado a una nave romulana con dispositivo de camuflaje en un duelo de estrategias, en que, a diferencia del film de Dick Powell, el final era menos conciliador. EL 25 DE DICIEMBRE CUMPLE 60 AÑOS.

    https://www.youtube.com/watch?v=oRXXjWZoVK0

  • rafaelgg

    Bueno, a no poder poner las últimas efemérides del año en la noticia de la taquilla USA porque estaré ya de viaje en el extranjero las pongo aquí, aunque eso sí, pienso recurrir el día 24 al wifi para desearos a todos felices fiestas porque os la merecéis y porque mi vida no seria lo mismo sin estas conversaciones que compartimos aquí, independientemente de que a veces puedan surgir disputas y roces ocasionales. Creo que el tono general es bastante sanote entre nosotros(Y lo será aún más sin cierto impresentable que por fin nos ha abandonado). Pero no me andaré con más rodeos, Así que ya empiezo:

    http://www.fotogramas.es/var/ezflow_site/storage/images/peliculas/la-mujer-pantera/48373-2-esl-ES/La-mujer-pantera.jpg

    En Hollywood, en cuestión de la política de producción de estudios siempre se ha llevado lo de “copiar lo que le funciona al otro”, algo que notamos hoy en día con la mayoría de los estudios siguiendo la estela del universo superheroico que tantos millones le está dando a Disney.
    En los 40 R.K.O Radio Pictures era fiel seguidora de esta mentalidad. Por eso en la década de los 40, celosa de los éxitos de Warner Bros dentro del género “noir” no dudó en subirse al carro con películas como la que mencionaba hace pocas semanas: “Retorno al pasado”. Sin embargo hubo otro estudio en el que la productora de “King Kong”: La Universal y su ciclo de películas de terror.

    Si bien es cierto que a principios de los años 40 dicho ciclo de terror empezaba a dar síntomas de agotamiento que obligaron a recurrir a la fórmula de hacer coincidir en pantalla a varios de los “Universal Monsters” (Que se llevó al extremo en “House of Dracula” y “La zíngara y los monstruos” donde coincidían de una tacada Dracula, el hombre lobo, la criatura de Frankenstein y algunas figuras tenebrosas invitadas en la forma de científicos locos y ayudantes jorobados y deformes) lo cierto es que dichas películas seguían siendo populares, y las reposiciones en cine del “Dracula” de Lugosi o del “Doctor Frankenstein” de James Whale con Boris Karloff eran bien recibidas por el público.

    Es por ello que desde la R.K.O Radio Pictures se decidió crear su propia linea de productos terroríficos que pudieran arañar una cuota del mercado de la Universal y erigirse en alternativa a las producciones de estas. El hombre elegido para levantar tal proyecto fue Val Lewton.
    Nacido Vladimir Ivanovich Leventon en 1904 en Yalta Rusia (Hoy Ucrania) de padres con orígenes judíos (A su vez hijos de un prestamista y un farmacéutico) tenía lazos familiares en el mundo del espectáculo en la figura de su tía la actriz Alla Nazimova.

    Su familia tras recalar en Berlin emigrarón a Estados Unidos, criándose el pequeño Val en New York. A una edad temprana empezó a colaborar como reportero para una publicación pero fue despedido por “fabricar” una noticia. Aun así decidió estudiar periodismo, es entonces cuando decide dar rienda suelta a su vena literaria firmando 18 variados libros de ficción, no ficción y poesía. Uno de ellos “No bed on her own” publicada en 1932 daría pie en 1950 a la película “mentira latente” con Clark Gable y Carole lombard.

    El primer trabajo de Val Lewton relaccionado con el cine fue como escritor para la agencia de publicidad en Nueva York de la MGM, encargándose de la novelización de películas con vistas a ser publicadas por entregas en revistas “pulps” y luego pasar a ser recopilados en formato libro hasta que el éxito de su anteriomente mencionada novela le hizo dejar tal empleo, mudándose a Nueva York y entrando en el negocio del cine como guionista gracias a su tía actriz. Allí encontro trabajo como publicista y ayudante de David O´Selznick. Entre sus labores para dicho productor estuvo el actuar como guionista no acreditado en “Lo que el viento se llevó” film que Lewton (Suya es la escena del plano que se va abriendo para mostrarnos un plano general con cientos de soldados sudistas heridos yaciendo en el suelo). Por cierto al parecer Lewton consideraba que produciendo tal film Selznick estaba realizando el error de su vida e intentó convencerle de que cesara en el empeño.

    En 1942 tras romper lazos con Davis O´Selznick recala por fin en la R.K.O y es aquí donde recibe el encargo de desarrollar una serie de títulos de terror que puedan rondarse con un presupuesto no superior a los 150.000 dólares. Una cifra ridícula incluso para los canones de la época. Sobre todo si tenemos en cuenta que 11 años antes Universal aún recortado el presupuesto inicial había invertido 355.000 dólares en “Dracula” o 291.000 dólares en “Frankenstein”. Sin embargo estas restricciones ni el escaso prestigio que el género de terror cosechaba en la industria hicieron a Lewton rechazar el trabajo. Una de sus primeras decisiones fue enrolar en la labor al director de origen francés Jacques Tourneur, al que conocía de haber trabajado juntos para O´Selznick en “Historia de dos ciudades” (1935) y donde Torneur había ejercido como director de la segunda unidad. Su primera colaboración se convertiría en un clásico del cine fantástico: “LA MUJER PANTERA”.

    A partir de un guion del debutante Dewin Booden retoma el concepto de la persona condenada por una maldición a convertirse en un animal sanguinario, clara metáfora de los instintos violentos, viscerales y primarios que todos llevamos dentro. Una metáfora que ya había desarrollado recientemente Universal con “El Hombre lobo”. Aquí se retuerce convirtiendo dicha figura en una sensual mujer y el animal en cuestión una gigantesca pantera en la que ella se transforma si consuma una relación física, lo que añade a la premisa un sutil erotismo y sensualidad a la historia, sobre todo porque desde los tiempos del antiguo Egipto y la diosa gata Bestat que protegía la felicidad siempre ha habido una asociación simbólica entre las mujeres y los gatos que además en La India eran sinónimo de fertilidad.

    Para el papel protagonista se requería a una mujer que aunara sensualidad, belleza y misterio y lo encontraron en la figura de la actriz francesa Simon Simone la cual se impuso a la otra candidata Jane Russsel. Simone era originalmente una camarera que debutó en 1931 en el cine francés tras ser descubierta accidentalmente por el director Victor Tourjansky, tan solo 4 años después recalaba en Hollywood en la Fox gracias a Daryl F. Zanuck Tras protagonizar una serie de películas para la Fox que no contaron con un excesivo éxito por lo que descontenta con el devenir de su carrera volvería a Francia para rodar con Jean Renoir “La bestia humana” (1938) para luego volver de nuevo a Estados Unidos y recalar en la R.K.O donde con este film interpretando a la enigmática mujer de ascendencia serbia Irena Dubrovna Reed donde conseguiría el papel por el que se la recordaría en la posteridad.

    A Simone le secunda Kent Smith (1907-1985) actor con una de dilatada carrera que se prolongó desde los primeros 40 hasta finales de los 70 en cine y televisión y recordado por su papel en la serie de los 60 “Los invasores”, interpreta a Oliver Reed caballero neoyorkino que seducido por Irena se convertirá en su esposo desconocedor de la maldición a la que está sometida, mientras que la actriz a sueldo de la R.K.O Jane Randolph (1915-2009), de muy corta carrera (Tan solo entre 1941 y 1948) Interpreta a Alice Moore amiga cercana e íntima de Oliver que provocará los celos de Irena. También destacar la presencia de un secundario tan característico como Tom Comway (1904-1967) hermano en la vida real del mítico actor George Sanders y que interpreta a un psiquiatra que intenta ayudar a Irena y desencriptar su extraño comportamiento.

    La película se rodó en el periodo record de 18 días, y con un presupuesto aún menor del inicial (134.000 dólares) gracias entre otros factores al hecho de que había dos equipos de rodaje, uno dirigido por Torneur que se encargaba de rodar las escenas con los actores y una segunda unidad que por la noche rodaba secuencias en las que se requería el uso de felinos. Conscientes de que con el escaso presupuesto no se podía hacer uso de los trabajados efectos especiales y maquillajes de los films de la Universal. Lewton y Torneur optaron por sugerir más que mostrar explicitamente, de esta manera no solo no vemos a Irena transformarse en pantera sino que incluso una vez transformada en muchos momentos la bestia se haya fuera de encuadre, con su presencia insinuada más que mostrada, creando así un mayor ambiente de tensión. A eso ayuda sin duda la excelente y atmosférica fotografía del que se convertiría en colaborador habitual de Torneur: el director de fotografía. Nicholas Musuraca.

    Sin embargo este estilo tan sutil no fue del agrado del supervisor de la R.K.O Lou. L. Ostrow que consideraba que el público acostumbrado al tono de los films de la Universal no aceptaría este enfoque basado en sugerir más que mostrar, por lo que al partir del cuarto día de rodaje Val Lewton tuvo que luchar por mantener a Jacques Torneur al mando de la producción frente al empecinamiento de Ostrow por despedirlo, el productor incluso llegó a interceder ante la cabeza visible de estudio Charles Koerner para que dicho remplazo no se produjera. Se intentó aplacar a Ostrow aceptando sus órdenes de que la pantera se viera en una determinada escena, sin embargo Tourneur dio instrucciones a Musuraca para que la rodara con el mínimo de luz a fin de que el felino apareciera apenas entrevisto en las sombras.

    Finalmente, la confianza depositada por Lewton en Torneur se vio recompensada cuando al estrenarse el film, este tuvo un éxito tan enorme que su explotación en las salas se alargó más de lo previsto, obligando a las siguientes películas de terror del duo Lewton/Torneru: “Yo anduve con un zombie” y “El hombre leopardo” a retrasar su estreno. De hecho la cinta se mantuvo tanto tiempo en los cines que gran parte del gremio de la crítica, que la recibió con opiniones divididas, tuvo la oportunidad de volver a verla a posteriore, haciendo que muchos cambiaran sus opiniones desfavorables por otras más positivas, y así al día de hoy el film ha quedado no solo como uno de los títulos fundamentales del cine fantástico y de terror de todos los tiempos, sino como un clásico del cine en general. EL 25 DE DICIEMBRE CUMPLE 75 AÑOS.

    https://www.youtube.com/watch?v=y7iL_9sbpV4

  • JPA

    Estos se repartían de lo lindo ANTES DE RECONCILIARSE.

  • sasha

    Ufffffffffffff

  • rafaelgg

    Todavía ella meda pena que haya perdido su trabajo, pero él después de leer esto me da ASCO.
    En seguida un tío que demuestra ser tan cínico y carente de valores humanos y cuyo único referente en la vida es el dinero y la riqueza me va a inspirar confianza para contratarle una hipoteca:
    https://www.youtube.com/watch?v=ufc_o_HSBWI

  • http://www.lashorasperdidas.com Mary Carmen Rodríguez

    Aprovecho este hilo para recomendaros el documental Muchos hijos, un mono y un castillo que ha dirigido Gustavo Salmerón sobre su madre Julita, una mujer que es para adoptarla de lo extraordinariamente divertida que es. Hacía tiempo que no me lo pasaba tan bien en el cine y salí ronca de reírme tanto.

  • Belmondo

    Pues muchas gracias Lykaia. Comparto tus palabras. Son situaciones muy muy desagradables. Un placer leerte.

    https://uploads.disquscdn.com/images/704c012748c3c9d28ac4dcea9196bfd24fc0b6b4531ab89db56a91f50da627ea.gif

  • Belmondo

Críticas

animales2

El precalentamiento (segunda parte).

apostle

Otro ejemplo de buenas ideas diluidas en una puesta en escena adormecida y un protagonista sin sal.

rev1

El amor nos salvará a todos.

el reino

Caída en picado en el pozo de la corrupción.

chpa1

Camelot termina.

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