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Resumen reivindicativo del 2017

Finaliza el 2017 y con el ánimo de leer vuestros resúmenes y sugerencias me he atrevido a hacer un balance de aquellas producciones tanto cinematográficas como televisivas que más me han aportado a lo largo de estos últimos meses y muchas de ellas han pasado de puntillas y lo harán en las entregas de premios. Antes que nada voy a aclarar algo. Para elaborar esta lista me he basado en aquellos trabajos que se han estrenado de manera legal y comercial en España a lo largo del 2017, alguno se ajusta a los parámetros del año anterior pero está aquí por una cuestión logística, ya que no vivo en una de las principales ciudades del país y las he visto en el cine con algo de retraso.

Cine

Frantz

© Golem Distribución

© Golem Distribución

No ha sido un estreno del 2017 ya que llegó a las carteleras el 30 de diciembre del pasado año, pero en mi defensa diré que hubo un retraso de una semana a la hora de ser estrenada en mi ciudad, por eso justifico su entrada en la lista de mejores películas del año que hicimos hace unos días para GQ. El director francés François Ozon adapta la obra de Maurice Rostand El hombre al que maté, algo que ya hizo Ernst Lubitsch en su día, y nos narra la historia de Adrien un joven francés que después de la finalización de la Primera Guerra Mundial viaja a Alemania para visitar a los padres y a la prometida de Frantz un violinista que murió en el frente con el pretexto de que se hicieron muy amigos en París cuando en realidad nos encontramos con alguien que está destrozado y que intenta salir adelante aliviando su sentimiento de culpa. Ozon rueda con maestría y su elegancia habitual este relato sobre el perdón. Pierre Niney está magnífico pero es Paula Beer (premiada con justicia con una mención en el festival de Venecia) la que se convierte en el corazón del film. Anna es una mujer cuya vida se para de golpe cuando el hombre con el que está a punto de casarse muere en la guerra y que poco a poco comienza a sentir algo por Adrien a pesar de descubrir su realidad y que se las ingenia de la mejor manera que cree para evitar que ese sufrimiento sea mayor. Es magistral además el uso del color, el blanco y negro se alterna con el color que aparece cuando la vida está presente.

Ozon ha conseguido con Frantz una de las mejores obras de su filmografía. El director francés es hiperactivo y no falla a su cita anual en las carteleras y este año presentó en el festival de Cannes El amante doble, un sexy thriller que capta toda la esencia de Brian de Palma, con Marine Vatch (muy Nastassja Kinski) y Jéremie Renier que están pletóricos y que por su altísimo componente de locura la convierte en una obra realmente disfrutable, es la película Maris de este año, no digo más.

Silencio

© DeaPlaneta

© DeaPlaneta

Es una lástima que la obra en la que Martin Scorsese plasma todas sus obsesiones cinematográficas y existenciales haya pasado tan desapercibida, estuve sola viéndola en una sala de cine y como espectadora fue una de las mayores experiencias que he vivido en mucho tiempo. Además de ser ignorada por los espectadores, aunque tengo la esperanza de que se haya recuperado en el formato doméstico, también lo fue en la carrera de premios y es que esa candidatura al Oscar en el apartado de mejor fotografía para el mexicano Rodrigo Prieto supo a muy poco. Silencio es una animalada de la que Carl Theodor Dreyer estaría realmente orgulloso que nos habla de la fe en un Dios que nos observa desde las alturas pero que no moverá ni un solo dedo por nosotros para salvarnos. Monumental el trabajo de Andrew Garfield que el año pasado tuvo un excepcional díptico sobre la fe junto a Hasta el último hombre de Mel Gibson y por esta última fue nominado al Oscar. Pero el dueño de semejante pelazo no está solo, Adam Driver sigue confirmándose como una de las mejores presencias e intérpretes del actual Hollywood, y aunque la crítica se quedase ojiplática con Issey Ogata (fue finalista en los premios de Los Ángeles) quien se merecía todos los honores era Yosuke Kubozaka que interpretaba a Kichijiro cuya debilidad o mejor dicho por ese instinto de supervivencia que tenemos todos los seres humanos apostata una y otra vez. La adaptación cinematográfica de la novela de Shusaku Endo tardó casi tres décadas en ser una realidad pero aunque lamentablemente haya sido un fracaso comercial tenemos que agradecer el hecho de ver en pantalla grande la obra de un maestro como Martin Scorsese que el próximo año estrenará The Irishman en Netflix.

La cura del bienestar

© Twentieth Century Fox España

© Twentieth Century Fox España

Ha sido un fracaso monumental de taquilla, tampoco fue apoyada por la mayoría de los críticos y su promoción brilló por su ausencia, de hecho su estreno en España fue bastante lamentable. Pero hay que aplaudir que un estudio como la Fox diese luz verde para que el director Gore Verbinski se desatase con esta historia en la que un joven va a buscar a su jefe a un spa en el que no te dejan como nuevo. No es perfecta; le sobra metraje, no dejamos de ver secuencias larguísimas de un Dane Dehaan (el hijo que tuvo Leonardo DiCaprio con una rana) arrastrándose con sus muletas, la elección del actor protagonista es errónea, ya que Dehaan no tiene ni el carisma ni la presencia para ser el héroe de la película, no le aguanta ni un pestañeo a Jason Isaacs que se lo pasa en grande con su personaje pero en su defensa tengo que decir que es muchísimo peor verle haciendo de fucker en Valerian de Luc Besson, pero a nivel visual Verbinski ha hecho una de las obras más portentosas que se han estrenado a lo largo de este año. Es triste que en una era dominada por los remakes y las secuelas le demos la espalda a propuestas tan originales y estimulantes como La cura del bienestar. Siempre hay una oportunidad para descubrirla.

El sacrificio de un ciervo sagrado

© Diamond Films España

© Diamond Films España

Tras el éxito cosechado con Langosta A24 le dio carta blanca al director griego Yorgos Lanthimos para que rodase con ellos lo que quisiera. Y se atrevió a hacer una adaptación libre de la tragedia de Eurípides Ifigenia en Áulide con un reparto encabezado por Colin Farrell que después del regalazo que le hizo con Langosta le dijo a Lanthimos que con él se iba al fin del mundo. Un cirujano mantiene una relación supuestamente estrecha con un adolescente huérfano de padre, le introduce en su familia y un buen día su mundo se desmorona y se verá obligado a hacer un sacrificio si quiere que no suceda una tragedia aún peor. Lanthimos vuelve a beber de Michael Haneke, Luis Buñuel y también de Stanley Kubrick y podríamos decir que su obra puede ser un cruce entre El resplandor, Funny Games y La decisión de Sophie. Es claustrofóbica, perversa y fascinante. Colin Farrell está nuevamente pletórico, Nicole Kidman demuestra una vez más que es la actriz más valiente que trabaja en Hollywood (2017 ha sido uno de sus mejores años a nivel artístico), pero el absoluto dueño de la película es Barry Keoghan. El actor irlandés, al que también vimos en Dunkerque, ha realizado una de las interpretaciones del año al meterse en la piel de este joven aparentemente inocente pero que esconde a un ser despiadado y maquiavélico en su interior capaz de llevar a cabo la más severa de las venganzas. Lamentablemente Keoghan no ha estado presente en la carrera de premios, su nominación al Independent Spirit no tiene pinta de que vaya a más y es que probablemente seamos muy pocos los que hemos caído rendidos ante esta obra de Lanthimos.

Lady Macbeth

© BTeam Pictures

© BTeam Pictures

El primer largometraje del director William Oldroyd es literalmente un zambombazo. Nos narra la historia de Katherine una joven cuya familia ha acordado casarla con el dueño de unas tierras que le dobla la edad y que la ve como un objeto más de su propiedad. La protagonista se siente asfixiada con su vida hasta que aparece en escena uno de los trabajadores de la finca y la muchacha se desata y saca a relucir su verdadera naturaleza. Oldroyd no rueda una película de tacitas. Lady Macbeth es seca, austera, oscura, subyugante, fangosa y lo que es mejor no trata de buscar la redención. Y al éxito del film contribuye la interpretación de Florence Pugh que se entrega en cuerpo y alma al personaje. La prensa británica la ha comparado con Kate Winslet, Pugh nació en 1996 cuando la Winslet recibió su primera nominación al Oscar por Sentido y sensibilidad, y ojalá Lady Macbeth suponga el inicio de una interesante carrera porque además de poseer una presencia turbadora puede ser muy bestia lo que pueda ofrecer a nivel interpretativo.

Mujeres del siglo XX

© Sony Pictures Home Entertainment

© Sony Pictures Home Entertainment

En España se estrenó directamente en DVD algo que es realmente incomprensible porque podría haber encontrado su nicho de espectadores. Si en Beginners el director Mike Mills cuenta la historia de su padre, que después de enviudar decidió salir del armario y vivir plenamente su homosexualidad en sus últimos años de vida (la película le dio el Oscar a Christopher Plummer) en Mujeres del siglo XX recurre a su madre y hermana como fuentes de inspiración y es una carta de amor a las primeras mujeres que marcaron su vida. La película está escrita y dirigida con una gran sensibilidad y su trío de actrices está espectacular, Annette Bening más serena que de costumbre, Elle Fanning demostrando una vez más que es magnética, pero es Greta Gerwig que encarna a una fotógrafa punk la que está realmente cautivadora y tenía que haberse llevado el Oscar a la mejor actriz de reparto y ni siquiera estuvo nominada al premio. Para mí fue una de las sorpresas más gratas de este 2017 y si tenéis la oportunidad no la dejéis escapar.

Verano, 1993

© Avalon Distribución Internacional

© Avalon Distribución Internacional

Ha sido el título que ha marcado al cine español este año y queda por ver si será la que domine la próxima edición de los premios Goya. Carla Simón se tomó su debut como un ejercicio de introspección en donde ha relatado cómo fue su infancia. Sus padres eran adictos a las drogas y fallecieron víctimas de la enfermedad de SIDA y tras quedarse huérfana fue adoptada por sus tíos y como nos podemos imaginar el proceso de adaptación a su nueva familia no fue nada fácil para la niña. Simón aborda un hecho traumático con la madurez y la sensibilidad de quien lo ha vivido, expone una historia dramática con total naturalidad y no se recrea en ello. Y está rodada con delicadeza, Verano, 1993 ha sido comparada con El espíritu de la colmena de Víctor Erice y no deja de tener conexión con ella. Ha sido un acierto la elección de Laia Artigas que no es descabellado decir que ha hecho la interpretación del año de la cosecha nacional, transmite verdad en todo momento y lo mismo sucede con la pequeña Paula Robles, que encarna a su prima. Lamentablemente se ha quedado fuera de la lista de semifinalistas al Oscar a la mejor película en lengua no inglesa porque hacía tiempo que no se seleccionaba a una representante tan a la altura del premio.

Crudo

© Universal Pictures International Spain

© Universal Pictures International Spain

La primera película de la directora francesa Julia Ducournau nos narra la historia de Justine (excelentemente interpretada por Garance Marillier) una adolescente que comienza a estudiar veterinaria, siguiendo con la tradición familiar, y en el campus descubre los placeres de la carne y de una manera literal ya que procede de una familia de vegetarianos y eso le hace sacar a la bestia que lleva dentro. Tengo que confesar que tuve muchísimos reparos a la hora de ponerme a ver Crudo porque no dejé de tener presente los titulares tras su paso por los festivales de Cannes y Toronto en donde más de uno se descompuso pero no me esperaba que fuese tan endiabladamente divertida. Por momentos la obra está más cercana al universo de John Waters que a los clásicos del cine gore. Sí hay escenas desagradables pero más que las de canibalismo destacaría las que tienen que ver con las que se desarrollan en el ámbito de una facultad de veterinaria porque ahí no hay nada surrealista.

Madre!

© Paramount Pictures Spain

© Paramount Pictures Spain

Queda por saber qué futuro le depara a Darren Aronofsky tras protagonizar uno de los patinazos del año con Madre! ya que es bastante probable que ninguna compañía que no quiera perder dinero le dé carta blanca para rodar lo que le apetezca; la película hizo 44 millones de dólares en todo el mundo y costó 30 y en esta cifra no se incluyen sus gastos derivados de la distribución y el marketing. Madre! es un cruce entre la boda de Lolita y un Black Friday en el Primark de Gran Vía, una ida de olla absoluta en la que el director neoyorquino reinterpreta el Génesis y el Apocalipsis de la Biblia. Algunos la repudian y a otros nos ha hecho disfrutar, personalmente tengo que decir que voy una media de tres veces a la semana al cine y cuando entre tantos productos convencionales me encuentro con una propuesta que apueste tanto por la locura me rindo ante ella. También nos ha regalado a la mejor versión de Jennifer Lawrence, vemos a esa actriz poderosa siempre a favor de obra (Winter’s Bone) y no a la que está encantada de saber el talento que tiene.

Muchos hijos, un mono y un castillo

© Caramel Films España

© Caramel Films España

Personalmente la considero mi mayor descubrimiento de finales de este año y su proyección terminó convirtiéndose en una fiesta. El actor y director Gustavo Salmerón ha rodado su particular Grey Gardens sobre la figura de su madre, una fuerza de la naturaleza que responde al nombre de Julita Salmerón. Esta mujer tremendamente divertida con síndrome de Diógenes, de derechas (aunque hay un momento en el que intenta cambiar su discurso) y enamorada de José Antonio Primo de Rivera quiso cumplir sus tres sueños: tener una familia numerosa, lo cumplió, tener un mono de mascota, también lo logró, y poseer un castillo, algo que consiguió después de heredar de un familiar. Pero ese sueño termina convirtiéndose en una pesadilla ya que ese castillo leonés se lo quedó el banco tras una millonaria hipoteca que no se pudo asumir pero ella se las arregló para que la entidad se lo encontrase vacío. Este documental que opta al Goya es realmente hilarante porque su protagonista no es de este mundo.

Detroit

© Entertainment One Films Spain

© Entertainment One Films Spain

La última película de Kathryn Bigelow fue víctima del miedo. Tres blancos y de familia bien (Bigelow, Mark Boal y Megan Ellison) se ponen a hablar de los mayores disturbios raciales de la Historia de los Estados Unidos en su cincuenta aniversario y eso generó rechazo. Y Annapurna Pictures prefirió evitar su presentación en el festival de Toronto o estrenarla en la temporada de premios porque los medios de comunicación y las redes sociales iban a estar muy pendientes de ella y la hundirían, la compañía temía repetir el impacto negativo de La noche más oscura que a pesar de ser un éxito de taquilla sus opciones en los Oscars se diluyeron completamente.  Y Detroit pasó muy desapercibida y es una pena. No es un título fácil pero la Bigelow nos ha regalado uno de los mejores momentos de este año y es el tramo que se desarrolla en el motel Algiers que son 40 minutos en los que al espectador se le corta la respiración. Y también nos encontramos con una interpretación escalofriante de Will Poulter, que si la película hubiese sido un éxito habría sido un serio aspirante al Oscar al mejor actor de reparto.

Televisión

Twin Peaks

© Showtime

© Showtime

No es exagerado decir que el regreso de Twin Peaks ha sido el acontecimiento de este 2017. Y lo mejor de todo es que Lynch, de 71 años y que hace una década que estrenó su última película Inland Empire, consiguió que la cadena de televisión Showtime le diese carta blanca  y se ha choteado de todos: no ha hecho un producto para los ávidos de nostalgia (apenas hay cosas hechas al servicio de los fans), no ha tenido en cuenta los dictados de la industria de la televisión y ha rodado escenas sobre la nada o creado tramas que no van a ninguna parte, ha hecho caso omiso a las denuncias sobre sexismo y ha puesto a actuar a Chrysta Bell como si fuese una actriz porno y lo más importante ha narrado el germen sobre la mitología de la serie a través de un precioso ejercicio de videoarte, el capítulo octavo al igual que el desenlace de la serie pasarán a la historia del mundo audiovisual. Para el recuerdo quedarán Wally Brando, Candie, Naomi Watts, las pelucas de Laura Dern y un Kyle MacLachlan en absoluto estado de gracia, no hay premio capaz de hacerle justicia a su interpretación.

Interpretaciones

Son muchas las interpretaciones que han sobresalido a lo largo de este 2017, y algunas ya las he señalado a lo largo de este repaso, y me ha costado seleccionar a las que más me han impactado.

James McAvoy (Múltiple)

© Universal Pictures International Spain

© Universal Pictures International Spain

Es realmente triste que en los repasos a los aspirantes al Oscar al mejor actor se esté obviando tanto a James McAvoy por Múltiple, desgraciadamente a las propuestas de género se las mira por encima del hombro a no ser que trasciendan, tal y como le esta sucediendo a Déjame salir de Jordan Peele porque habla del racismo en los Estados Unidos. Múltiple ha supuesto definitivamente la reconciliación de M. Night Shyamalan con la crítica y el público, superó considerablemente a La visita estrenada en 2015, y al éxito del film contribuye notablemente la interpretación de James McAvoy. El actor escocés ha asumido la papeleta de dar vida a un hombre con una veintena de personalidades que está sacando a relucir una que es aún más peligrosa que las anteriores. Lo que hace McAvoy es sumamente difícil porque a la mínima podría haber convertido a la película en un circo y en ningún momento le pasa eso. Es un trabajo espectacular e intachable.

Menciones especiales: Patrick Stewart (Logan) y Garret Hedlund (Mudbound).

Elisabeth Moss (El cuento de la criada)

© Hulu

© Hulu

Me he ido a la televisión para destacar a la mejor interpretación femenina de este año. El día en el que Elisabeth Moss triunfe en el cine más de una aspirante a ser la Meryl Streep de los millennials no tendrá nada que hacer, porque la Moss es una actriz de otro planeta y lo demuestra en cada episodio de El cuento de la criada. Lo que hace es sumamente difícil porque es capaz de transmitir todo lo que está viviendo su personaje cuando Defred es una mujer que entre otras cosas tiene prohibido expresarse. Moss se llevó el Emmy, premio al que optó con anterioridad por seis temporadas de Mad Men y la primera parte de Top of the Lake. El cuento de la criada ha sido una de las series que han marcado este año no solo a nivel artístico sino también a nivel social porque lo que cuenta es una realidad en muchas partes del mundo. Siempre hay una buena ocasión para aproximarse a esta producción de Hulu.

Menciones especiales: Riley Keough (Lovesong), Sofía Gala (Alanis)

Feliz año a todos.

Mary Carmen Rodrí­guez

Soy iconódula y oscarnallóloga.

  • http://www.twitter.com/isnotanexit Mr_Marr

    Grande Mr. G!
    Ánimos a su madre desde aquí

  • sasha

    Animo y felicidades.

  • sasha

    Pierde protagonismo el chaval de la primera temporada y al que considero el más carismático. No tiene momentos que me lleguen a nivel emocional ( como el hallazgo del cuerpo del chaval en la primera temporada y el protagonista en su casa abrazado a su madre todo a ritmo de “Heroes” en la version de Peter Gabriel), la trama de Once es relleno. Aunque si se hubiera echo de otra forma. Es decir, que en el capitulo en que aparece la chica se flipen todos y damos paso a ese capitulo. Hubiera estado mejor que cortar la trama y contarme eso de sopetón.

    El personaje del malote me parece de relleno puro y duro. El chaval secuestrado de la primera temporada y que aquí tiene más papel me pone de mala leche. No termina de entrarme. Me esperaba otra caracterización del personaje. Otro líder junto con el chaval protagonista de la primera. En “Los goonies” tenias a Sam y a Corey Feldman haciéndolo de puta madre. Y si te fallaban estos, estaba Josh Brolin, Gordy y el chino ( perdón por los nombres que nos lo recuerdo). Aquí no. Se supone que es mejor colega del protagonista de la primera y yyyyyyyyyyyyyy me hubiera gustado ver eso. Es un personaje demasiado traumatizado ( es normal por otro lado, ha estado en “Silent Hill”) y no me termina de funcionar por eso.

    Tiene cosas buenas. Aquí el novio de la hermana mayor mola bastante y su relación con el crió de los dientes raros esta muy bien. Me queda claro que realmente este chaval va a acabar ahi, que no es nadie. Es el malote de los films de los ochenta que en otros films terminaría dando asco y aquí poco a poco le vemos madurar. Quiero decir lo que en el clásico film seria un perdedor dando asco, aquí consigue que este con el en todo momento.

    Esta mucho mejor rodada que la anterior. Su climax y su epilogo son bastante buenos, David Harbour va a ser un buen “Hellboy” seguro y si que consigue que quiera ver la tercera temporada. Me gusta que e los personajes vayan madurando. Eso me parece interesante porque en el cine en los ochenta no te contaban el dia despues. No te contaban el dia a dia de “los Goonies”. Como crecían, se relacionaban y en definitiva como crecían. La lastima es que tal vez a la hora de hacer eso miraran a los topicos del cine de los ochenta. Pero si eso se trabaja bien, puede ser muy interesante. Si miraran films “Curso de 1999” a la hora de retratar al personaje del hermano mayor o a “Scanners” y algunos de esos films no estaría mal.

Críticas

apostle

Otro ejemplo de buenas ideas diluidas en una puesta en escena adormecida y un protagonista sin sal.

rev1

El amor nos salvará a todos.

el reino

Caída en picado en el pozo de la corrupción.

chpa1

Camelot termina.

predator

Pintaba muy bien.

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