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Sitges: Día 5

Por Isbac Caralt y Jordi Ramoneda.

Llegamos al ecuador del festival y la jornada de hoy nos deja sensaciones encontradas. La opinión general que corre por las calles de Sitges es que la edición de este año queda lejos del nivel de ocasiones pasadas. Aun así, después de ver unos cuantos trabajos difíciles de digerir hemos tenido la oportunidad de asistir a un par o tres de cintas que nos han dejado con un gran sabor de boca.

Una de estas películas es el nuevo trabajo de Nicolas Winding Refn (Drive). Para nosotros un gran film a pesar de la inexpresividad de los músculos faciales de Ryan Gosling.

Billy, un delincuente americano, muere en Bangkok después de asesinar brutalmente una joven prostituta. El hermano y la madre del chico clamarán venganza desatando una cruda guerra entre el crimen de la ciudad y el jefe de la policía local.

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Muchos dirán que “Only God Forgives” es un trabajo extremadamente pretensioso o que su director preocupado en exceso por la forma ha abandonado por completo el contenido. Lo cierto es que, según nuestro punto de vista, cada fotograma de la película es una delicia para el espectador y consigue dejarte pegado a la butaca aunque hayas pasado un largo día de festival y lleves más de cuatro películas encima.

Alguien publicó que “Only God Forgives es como coger Drive y quitarle cualquier ápice de romanticismo dando como resultado una película brutal y sangrienta pero no por ello menos bella. No podríamos estar más de acuerdo. La fotografía del film corre a cargo del británico Larry Smith y se conjuga a la perfección con la banda sonora de Cliff Martínez. Aun así, hay que admitir que Drive hacía un uso de su banda sonora mucho más satisfactorio que la película que nos ocupa.

En cuanto a contenido la historia está llena de concesiones y licencias de guión que el director admite abiertamente. Lo importante aquí no es el qué sino el cómo. Por ejemplo, los personajes se encuentran en lugares y situaciones arbitrarias sin entender muy bien porque y como han llegado hasta allí.

Esto puede molestar sino entras dentro del juego del film pero si lo asumes la trama cobra coherencia y es entonces cuando puedes dejarte llevar por la lógica autoimpuesta de Winding Refn y toda su brillantez estética.

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Por otro lado Denis Villeneuve director de la recién estrenada “Prisioneros” nos trae a Sitges “Enemy” con Jake Gyllenhaal, Melanie Laurent y Sarah Gordon. Basada en El hombre duplicado de José Saramago.

Gyllenhaal es un profesor de historia desganado que descubre en una película a Anthony, un actor que es exactamente como él. El encuentro entre estos dos hombres idénticos cambiará completamente sus vidas.

Más allá del hilarante y sorprendente final que provoco carcajadas de indignación en la platea esta película esconde, igual que la novela en la que se inspira, una brutal reflexión sobre la identidad del ser en tiempos en los que lo más fácil es perder nuestro verdadero yo en la cansina y rutinaria cotidianidad.

Además plantea un análisis a nuestra forma de entender el lenguaje audiovisual. Inmediatamente después del visionado puedes tener la tentación de pensar que acabas de asistir a un simple divertimento del director sin ningún sentido narrativo. Esto no es así. Digerida la película te das cuenta de que la historia te ha dado suficientes indicios para no sentirte estafado. El film te brinda la oportunidad de entender que a veces las convenciones del lenguaje cinematográfico son una trampa en sí mismas.

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Más tarde de la media noche hemos visionado “Wrong Cops”. Quentin Dupieux plantea un mundo en el que el crimen ha sido erradicado y los policías se dedican a vaguear hasta el punto en el que son ellos los más peligrosos de la calle.

Por si a alguien no le ha quedado claro con la premisa, sí, esto es una comedia absurda. Para entender el inicio de esta aventura debemos mirar un año antes, este film tuvo su ensayo con un corto llamado casi igual, “Wrong Cops: chapter 1”.

Mark Burnham interpreta un policía que trafica con marihuana y la mete dentro de ratas muertas para disimular, el personaje de Eric Judor quiere lanzar su carrera de dj y el de Eric Warenheim simplemente quiere ver tetas.

Planteado el arranque del film, Dupieux nos adentra a las calles de detrás de una ciudad fea y cutre, en la que un Marilin Manson (diríamos virginal, pero nos quedamos en inocente) se cruzará por el camino.

Otra locura de Dupieux, que ya sorprendió hace dos años en Sitges con “Rubber”. Ayer la platea del Melià estaba llena de gente que esperaba de él, y con las carcajadas que en singulares momentos se oyeron, demostró que volvió a conectar con su público.

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Por la tarde asistimos al estreno de “Hooked Up” de Pablo Larcuen.

Lo contamos, Pablo (y mucha gente del equipo) es amigo nuestro, compañero de clase, alguien del que hemos visto la evolución de sus cortos e incluso participado en ellos. Por eso nos enorgullece hablar de él y su película.

Este joven director que sale de ESCAC, que en su título universitario pone que es montador, se ha avanzado a los tiempos que corren, y al igual que el poster de la película anuncia, ha sido el primero en rodar un largometraje con un iPhone.

Su película es un Found Footage que nos cuenta la historia de dos jóvenes americanos que pasarán una noche en Barcelona tratando de seducir mujeres y olvidar un mal de amores. Pero después de ligarse a la guapa de la discoteca Apollo e ir a su casa (bendita escena de seducción en el pasillo), descubrirán que la chica no quiere sexo, sólo muerte y venganza.

La trama consigue que algunas dosis de terror y tensión te hagan agarrar a la silla, disfrutando de buenos momentos, pero el guion tiene sus problemas y un contrasentido hacia el final. La evolución de uno de los personajes no es creíble, y aunque dota la historia de trasfondo y contenido, su resolución no ayuda a que el espectador se identifique con los protagonistas.

De momento no hay fecha de estreno para “Hooked Up”, pero si queréis saber cómo las gastan Pablo y los suyos os recomendamos sus exitosos cortometrajes “Mi amigo invisible” y “Elefante”.

Pablo se sabe rodear de los mejores y ha reunido a su equipo de siempre, unos actores (que su sueldo ha sido un tatuaje en el trasero, no es broma) y un ridículo presupuesto de 14.000 euros de rodaje para contarnos esta historia filmada en casa de sus abuelos. No tienen freno, siguen y seguirán.

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Las partes negativas del día han sido “A Field in England” i “Real”.

Con a Field in England Ben Weathley nos ha dejado descolocados. En un blanco y negro tenebroso y como el título de la película indica, unos personajes absurdos vaguean por un campo de la Inglaterra del siglo XVII.

Para acercar esta película a nuestro cine, diríamos que Weathley hace un ejercicio similar a Albert Serra, pero con acento inglés. Para resumirlo, diremos que “A field in England” es una albertserrada shakespeariana, y sin querer discutir sobre este tipo de cine, ayer la platea del auditori Melià se vació progresivamente. Decenas de personas abandonaron la proyección aburridas por una trama sin sentido y en la que es muy difícil entrar.

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Real de Kiyoshi Kurosawa se ha convertido en la segunda decepción del día. La historia gira alrededor de Kiochi y Atsumim, una joven pareja japonesa. La chica se encuentra en coma tras un fallido intento de suicidio. Kioichi consigue conectar con el subconsciente de su amada a través de una tecnología llamada “sensing” con la intención de salvarle la vida y conseguir que vuelva a despertar.

Kurosawa San (Tokyo sonata, Penance) ganador de un premio “Màquina del temps” en 2006 se atreve ahora con la ciencia ficción pero su flirteo con este tipo de género no ha resultado tan satisfactorio como cabría esperar.

BONUS TRACK: ayer Álex de la Iglesia visitó el festival para dar una masterclass que llenó la sala Tramuntana del Melià. Remarcó que el cine debe buscar más rutas comerciales y aunque el cine lowcost ha democratizado la oferta y producción ve difícil que estas producciones creen industria. La nota cómica la fue la presencia de Carlos Areces contando su desnudo en “Balada triste de trompeta”.

  • BSGRF

    Gracias, a ver si un dia de estos las echo un vistazo.

  • BLADERUNNER77

    A mi me gusto aunque creo que si tiene mas donde rascar de lo que decian lo que pasa es que no se centra en ello sino en lo superficial .Pero si se podia haber hecho una pelicula centrandose de verdad en el tema de la pelicula un poco como The yakuza.

    Mi interpretacion:

    El tema principal mas que la venganza es el honor y la redención . El poli tiene un codigo aunque no lo parezca.Y Ryan es asi de raro porque se lo hizo con su madre o eso entendi yo. Tiene graves problemas psicologicos de la infancia, y tiene celos de su hermano.Me parece que es algo bipolar pues tiene cambios de conducta muy radicales.

    El codigo del poli es que deja que el chino del principio se venge matando al hermano de Ryan pero luego le castiga y le corta los brazos.Ryan sabe que su hermano hizo el mal siempre y se siente culpable ademas de odiar a su madre (esta la metafora de las manos manchadas de sangre al principio de la pelicula ) .Acepta que su madre debe morir , es el precio a pagar ( no tiene problemas en dejarla sola yendo a casa del poli , no creo que se sorprendiera) pero le le quita a su mujer y no se atreve con su hijo. Al final Ryan le esta esperando , en ese momento ya habia perdido el combate y el honor y solo buscaba la rendencion . El poli no le quiere matar pero le corta los brazos y el lo acepta y Dios/El angel vengador ( el poli hay que verlo como algo “sobrenatural”) le perdona y limpia su alma representado en las manos manchadas ( suena cursi pero es lo que entendi xd)

    .Hay varios detalles religiosos que se me escapan , tengo dudas con la escena que toca las entrañas de la madre. Eso es un simbolismo seguro.

  • javiKnight

    El guión puede,(aunque en apariencia) pero el contenido no tiene desperdicio. Creo que en la filmografia de Refn hay evidencias bastante claras de por donde van los tiros en cuanto a sus intenciones, yo creo un poco inútil discutir sobre un Actor y Director que no te entran. Lo mejor es que no le sigas la corriente.
    Pero el mayor problema no es el que dices, si no la publicidad que arrastra post “Drive”. Ya te digo que, de todas sus películas, esa es la más accesible, y es la que más a entrado en la audiencia, todo lo siguiente y a la postre, todo lo que tenga detrás siempre se mirara buscando la similitud. Pero de sus películas se puede formar un puzzle y seguro que todas forman piezas que encajan. A saber.
    OGF no es una película fácil, y yo tampoco he perdido mucho tiempo en sumergirme a intentar resolver cada plano, que seguro conlleva un significado, pero es marca de la casa de ese Director.

  • Naxeteeee

    SPOILERS
    “Only God Forgives” es visualmente tan buena como argumentalmente tan mala. Con un mínimo de historia hubiera salido una peli cojonuda. La primera vez que la vi me dejé timar pero es que en un segundo visionado saltan las carencias a la legua. El director encadena escenas violentas e impactantes sin sentido con la excusa de fotografiar una Bangkok mágica (lo único salvable de la peli). Ryan Gosling imita a su personaje de “Drive” hasta la exasperación, ¿a qué cojones juega con ese pibón que tiene de novia? La china se toca y el poniendo cara de retrasado mental, como cuando se supone que aparece la madre y le saca de quicio o cuando quiere pelear con el poli corrupto, parece un puto autista no me jodas. ¿Y eso de que el policía lleve katana como si nada? (encima se la saca de la espalda cuando un segundo antes se ve que no tiene nada). Peor aun es la idea que sustenta todo el argumento: se supone que quiere vengarse de su hermano pero éste es tan hijo de puta y desagradable (no sólo tiene cara de sádico si no que le va el follar con niñas y luego matarlas) que no le vemos ningún sentido a esa venganza, imposible empatizar con él. Como experimento visual es curioso pero lo que se dice película…

  • dearimatea

    Pues a mí pe pareciozzzzZZZZZ ZZZZZ ZZZZZZZZ

  • dearimatea

    Nop, vas a ver Gosling imitando a Gosling :)

  • dearimatea

    El problema que le veo a OGF es que el guión y el contenido de la peli caben en una servilleta de papel. No entiendo eso de “excesiva necesidad de plantear la película fuera de los margenes” ni qué referencias necesita el espectador para entender la peli. Refn no es Borges, para mí. Pusher y Drive me gustaron, Bronson me ralló y Valhalla no la pude soportar… Aquí sólo veo forma y nada de fondo y ése es el problema de hacer una peli que exige referencias: que acaba la propia peli por no hablar de nada o casi nada.

  • javiKnight

    Mejor para mi “Fear X”, Turturro está magnifico, y la peli es un ejercicio de narración y dirección pausada basada en la obsesión del protagonista por encontrar respuestas a un hecho trágico, y la monotonía que mueve su vida. La película vive mucho en habitaciones, y Refn las usa como mecánica angustiosa que ayuda a que formen parte del Film.
    “Bleeder” es más un apéndice de la trilogía de “Pusher”, aunque no exenta de una obsesión por la condición violenta del ser humano y la fascinación por recrear personajes solitarios, aparentemente inoperantes a nivel emocional. Muy recomendable.

  • BSGRF

    ¿Puedes expandirte mas con Bleeder? Porque esa y Fear X son las unicas de ver despues del maraton friki/fanboy que me pegue en Agosto con el amigo Nicolas. Ah, y probablemente de las pelis con mas argumento, por asi decirlo, mi favorita era Pusher 2.

  • BSGRF

    Naa, visto el trailer parece eso, pero para nada.

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